В главный ансамбль Эрмитажа, расположенного в центре Санкт-Петербурга, входят знаменитый Зимний дворец на Дворцовой площади — бывшая парадная резиденция русских императоров (архитектор Ф. Б. Растрелли), Малый Эрмитаж (архитекторы Ж.-Б. Вален-Деламот и Ю. Фельтен), Старый Эрмитаж (архитектор Ю. Фельтен), Эрмитажный театр (архитектор Дж. Кваренги), где ранее находился Зимний дворец Петра I, частично вошедший в здание театра, Новый Эрмитаж (архитекторы В. П. Стасов и Н. Е. Ефимов по проекту Лео фон Кленце) — строгое здание в стиле историзма, чей портик со стороны Миллионной улицы украшают мощные фигуры атлантов, Запасный дом (перестроен в 1877–1878, архитектор Н. Ф. Беккер), в котором ныне располагаются служебные помещения.

Все постройки ансамбля являются памятниками русской архитектуры XVIII и XIX веков. Они соединены между собой, перейти из одной в другую можно, не выходя на улицу. А вот дворец Меншикова, восточное крыло здания Главного штаба, реставрационный центр «Старая деревня» и музей Императорского фарфорового завода расположены отдельно от основных зданий комплекса.

Датой основания Эрмитажа принято считать 1764, когда императрица Екатерина II приобрела 225 произведений западноевропейских художников. Потом собрание Зимнего дворца стало быстро расти благодаря приобретениям первоклассных коллекций рисунков и картин у видных европейских собирателей и знаменитых художников. По поручению Екатерины князь Д. А. Голицын внимательно следил за европейскими художественными рынками и не упускал возможности купить достойную вещь. Благодаря ему Эрмитаж заполучил одно из своих самых знаменитых полотен — «Возвращение блудного сына» X. Рембрандта.

Имея неограниченные финансовые возможности, императрица за довольно короткий срок смогла создать картинную галерею европейского уровня. Екатерина II не только состояла в переписке с лучшими умами Европы, но и охотно пользовалась рекомендациями обладавших тонким вкусом знатоков, таких как художественный критик и философ Д. Дидро, писатель М. Гримм, скульптор Э.-М. Фальконе. Так, в 1779 из английского собрания Уолпола в Эрмитаж попали почти 200 картин, среди которых были работы итальянских художников XVII века, произведения П. Рубенса и X. Рембрандта, полотна французских живописцев Н. Пуссена и К. Лоррена, портреты английской венценосной четы и аристократии кисти А. Ван Дейка, натюрморты фламандца Ф. Снейдерса.

В царствование Александра I Жозефина Богарне, супруга Наполеона, преподнесла музею подарок — знаменитую камею Гонзага, одну из самых крупных в мире камей с профильными изображениями правителей эллинистического Египта — Птолемея Филадельфа и его жены Арсинои.

При Николае I коллекция по большей части пополнялась отдельными произведениями художников, чьи работы отсутствовали или были малочисленны в Эрмитажном собрании. В 1852 Николай I для желающих увидеть признанные шедевры разрешил посещение Императорского музея в Новом Эрмитаже, но только в строго установленное время и по особым пригласительным билетам. Мужчинам было положено одеться исключительно в мундиры или фраки, дамам — в роскошные платья. При Александре II первый директор Эрмитажа С. А. Гедеонов добился разрешения царя на свободный и бесплатный допуск в музей всех желающих. Тогда же в коллекцию были куплены знаковые для любого собрания вещи — полотна Леонардо да Винчи «Мадонна Литта» и «Мадонна Конестабиле» Рафаэля.

После революции 1917 в собрание Эрмитажа поступили многочисленные произведения искусства из национализированных дворянских собраний. К сожалению, в первые годы советской власти по решению правительства из коллекции музея были проданы уникальные полотна (в том числе «Венера перед зеркалом» кисти Тициана), в настоящее время являющиеся жемчужинами крупнейших мировых музеев.

Особенного внимания заслуживают сохранившиеся с имперских времен интерьеры Зимнего дворца и других зданий Эрмитажа. Шедеврами русского монументального и декоративно-прикладного искусства являются парадная Иорданская лестница, Военная галерея героев войны 1812, Гербовый зал, Георгиевский тронный зал, Петровский (Малый тронный) зал, Малахитовый зал, Рыцарский зал с облаченными в латы средневековыми воинами на конях, Павильонный зал с удивительными часами XVIII века «Павлин».

В Эрмитаже есть и своя сокровищница — Галерея драгоценностей, созданная в XVIII веке при Екатерине II, состоящая из Золотой и Бриллиантовой кладовых.

В экспозиции музея показано развитие мирового искусства с каменного века до конца XX столетия. В залах Эрмитажа можно познакомиться с культурой Месопотамии и античной Греции, увидеть древнеегипетские мумии, собрание римского скульптурного портрета.

Картинная галерея в основном собрана из работ западных художников XIII–XX веков, в нескольких залах музея представлено русское искусство. Наиболее полно Эрмитаж знакомит с творчеством мастеров школ Италии XVI–XVIII века, Испании XVI–XVIII века, Франции XVII — начала XX столетия. Коллекция картин французских импрессионистов, происходящая из собраний купцов И. А. Морозова и С. И. Щукина, считается одной из самых значительных в мире.

Среди жемчужин собрания старой европейской живописи — «Мадонна Бенуа» Леонардо да Винчи, «Юдифь» Джорджоне, «Женский портрет» Корреджо, «Святой Себастьян» Тициана, «Лютнист» Караваджо, «Возвращение блудного сына» и «Даная» Рембрандта, «Дама в голубом» Гейнсборо.

Но Эрмитаж — это не только собрание шедевров. В 2002 году Александр Сокуров снимал здесь свой знаменитый фильм «Русский ковчег». Триста лет нашей истории представлены в виде полуторачасового путешествия по самому знаменитому музею России. В роли директора Эрмитажа Пиотровского снялся сам Михаил Пиотровский.

Петроглифы — наскальные рисунки, выдающиеся памятники изобразительного искусства неолитической эпохи. Манера исполнения петроглифов разнообразна: одни выполнены реалистично, другие — условно; большинство изображений силуэтно, но есть и контурные рисунки.

Плита с петроглифами — гранитный обломок, который был отделен от скалы на мысе Перий Нос, около деревни Бесов Нос на Онежском озере. На плите располагается более шестидесяти разнообразных изображений: человеческие фигуры, олени, лоси, птицы, рыбы, плывущие лодки с сидящими в них людьми, круги и полукружия, лунарные и солярные знаки.

Открытые в середине XIX века, Онежские петроглифы до сих пор не расшифрованы. По мнению одних специалистов, на обломке скалы записан годовой хозяйственный цикл древних обитателей Карелии. Большие круги и полукружия расшифровываются как изображения капканов. Другие полагают, что на нем выбиты различные мифологические сюжеты, связанные с культами солнца и мертвых. Возможно, на этом месте находилось святилище или древняя обсерватория.

К эпохе энеолита относится археологический памятник Майкопский курган, в котором был погребен один из вождей оседлых племен, населявших в то время Северный Кавказ. Помимо драгоценных украшений над покойным воином был натянут балдахин. Погребальную ткань поддерживали четыре серебряные трубки-стержня, вставлявшиеся в фигурки двух золотых и двух серебряных бычков.

Представленные сегодня в Эрмитаже скульптуры изображают бычка с наклоненными вперед рогами и слегка изогнутыми в коленях ногами. Чтобы добиться более точной передачи жизненных характеристик, древние мастера сначала отлили бычков из золота, а детали позже проработали гравировкой.

По данным археологов, кобанская культура сложилась на территории Осетии и близлежащих районов на рубеже XIII–XII веков до н. э. Основу культуры создали носители более ранней — колхидской, располагавшейся на восточном берегу Черного моря. Рельефные бронзовые фигурки скачущих лошадей с крючками на оборотной стороне служили поясными пряжками. Эрмитажный экземпляр — это хороший образец кобанского звериного стиля. Схематизированные фигурки передают ощущение стремительного бега и показывают характерные приметы облика животного. По краю гривы и на хвосте коня идут косые насечки, на туловище и голове — параллельные и пересекающиеся линии, создающие ромбы. Пряжки крепились к металлическим ремням и были чрезвычайно распространены среди воинов и охотников.

Массивная золотая бляха в виде фигуры пантеры — один из первых прекрасных образцов скифского звериного стиля, найденных в Келермесских курганах. Бляха служила украшением щита воина. Для устрашения показаны мощь и агрессия хищного зверя с оскаленными зубами, подчеркнута острота его слуха, зрения и обоняния. Скифский мастер сумел передать характерные черты животного условными формами. Это существенный признак скифского звериного стиля, заключающийся в обыкновении превращать цилиндрические или выпуклые поверхности в наклонные плоскости, пересекающиеся под углом в виде ребра. Все изображение строится из нескольких гладких, но резко отделенных друг от друга поверхностей. Для усиления магической и охранной силы рисунок пантеры дублируется на лапах и хвосте в виде 10 маленьких, свернувшихся клубком хищников.

Бесчисленные золотые бляхи из богатых скифских захоронений изготавливались только для захоронений и в обычной жизни не использовались.

Золотое нагрудное украшение в виде свернувшейся пантеры принадлежит сакской культуре. Шея и тело хищной кошки изогнуты, образуя полукруг, а хвост и лапы свободно располагаются внутри образованного ими пространства, соединяясь друг с другом перемычками. На концах лап, хвосте, деталях морды расположены гнезда для инкрустации. С обратной стороны сделаны три петли для крепления к одежде. Мотив хищника, свернувшегося в форме кольца, относится к идее вечного движения мироздания, замкнутого круга, которая была характерна для раннего периода скифского звериного стиля.

Золотой гребень из кургана Солоха, найденного в 1913 в Приднепровье, поражает качеством исполнения и продуманностью композиции: девятнадцать острых зубцов заканчиваются планкой с пятью лежащими львами, напоминающей фриз храма, а в верхней части трое сражающихся воинов визуально образуют треугольник.

Все детали золотого гребня тщательно отделаны с обеих сторон, затем спаяны. Рельефные фигуры исполнены в реалистической манере, пластичны и естественны в своих движениях, хотя и подчинены симметрии общей схемы. Разглядывая гребень, можно изучить одежду, прическу и оружие скифов. Такие изделия изготавливались в мастерских Боспорского царства, где по близости жили эллины и варвары. Гребень по качеству исполнения и стилю является шедевром греческого ювелира, который создал его для скифского заказчика.

Золотое украшение происходит из Сибирской коллекции Петра I. Литая пластина с ажурными прорезями служила поясной застежкой. На ней компактно изображены двое мужчин, женщина и кони под деревом. Женщина и один из мужчин, держащий за повод двух коней, сидят, сложив ноги, на коленях женщины покоится голова другого мужчины. Голова женщины повернута в профиль, благодаря чему видна высокая прическа, которая вплетается в крону дерева. Она одета в халат с узкими декоративными рукавами. Мужчины похожи друг на друга: круглые усатые лица обрамлены стриженными в кружок волосами. На дереве висит колчан с луком и стрелами. Интересны кони, у одного из них хвост заплетен в косу, у другого — в узел. Подобные породистые лошади сопровождали вождей племен, погребенных в курганах Горного Алтая. Возможно, на пластине представлен магический ритуал воскрешения мертвого воина.

Сосуды подобной формы часто попадаются в скифских погребениях, однако ценный материал (электр — сплав золота и серебра) и прекрасная чеканная работа данного экземпляра побудили исследователей рассматривать фризовые изображения не как бытовые сценки из жизни скифов, а как иллюстративный материал. Вероятнее всего, здесь представлены основные события легенды о происхождении скифского народа, рассказанной греческим историком Геродотом. Четыре сцены повествуют о прародителе скифов Таргитайе (греческий вариант — Геракл), решившем передать власть над Скифией тому из трех сыновей, кто сможет натянуть тетиву на его лук. После неудачных попыток двух старших детей царство досталось младшему сыну — Колаксаю, которого греки называли Скифом. От него, согласно преданию, и произошли все скифские цари. Сцены врачевания — перевязывание раны на ноге и лечение зуба — показывают травмы, полученные старшими сыновьями. Геродот отмечал, что, когда скифский царь умирал, его тело укладывали в могилу вместе с убитой женой, лошадьми и рабами, а над захоронением насыпали огромный курган.

Сосуд относится к произведениям искусства кочевников сармато-гуннского времени. Золотой круглодонный сосуд имеет ручку в виде скульптурной фигуры лося, выполненной в сарматском зверином стиле. Вставками из бирюзы и коралла отмечены загривок, глаза, ноздри, круп и плечи животного. Ручки в зооморфном стиле — типичное явление в сарматской культуре. Сарматы считали, что изображения животных способны отогнать злых духов, и поэтому всегда запечатлевали их обращенными мордой к краю сосуда, зверь этой позой как бы оберегал его содержимое. Прихотливая ручка сосуда была отлита отдельно, но позже приделана к нему при помощи заклепок. Форма золотого сосуда напоминает характерные для культуры кочевников долбленые кружки.

Статуя писца счета зерна Мааниамона — прекрасный пример своеобразного типа древнеегипетских скульптур, так называемых кубовидных статуй, изображавших человека, сидящего и поджавшего ноги так, что натянутая одежда скрывала пропорции тела. Мааниамон был писцом в Карнакском храме, скульптурное изображение показывает его в излюбленной позе отдыха египтян — сидящим на земле и закутанным в плащ. Согласно традиции со времени Среднего Царства чиновники изображались похожими на правящего фараона, поэтому лицо Мааниамона имеет черты фараона Аменхотепа II. Спереди на плаще выполнена иероглифическая надпись с текстом заупокойной молитвы богу Амону-Ра и Осирису, владыке Страны мертвых: «Дары, жертвы хлебом, пивом, быками, гусями, одеждой, ладаном, всякими прекрасными вещами для Ка (то есть умершего), писца счета зерна Мааниамона, сына начальника ювелиров Тхутихотепа, рожденного госпожой дома Дидну».

Рельеф с изображением ассирийского царя Ашшурнасирапала II, которого сопровождает его крылатый хранитель, находился во дворце, построенном в городе Калах — новой столице Ассирийской империи. Монументальные известняковые рельефы высотой 2,5 метра покрывали стены парадных залов царского дворца. Их назначение состояло в прославлении деяний и подвигов властителя. Образ царя, держащего в руках атрибуты воина — лук и стрелы, воплощает представление о сильном и могущественном правителе державы. Неотступно следует за Ашшурнасирапалом бог-охранитель, почти двойник царя, наделенный столь же мощной мускулатурой. В руках он держит ведерко и шишку пинии — предметы культа, смыслом которых является облечение царя властью. Нанесенный прямо поверх фигур клинописный текст описывает и восхваляет завоевательные походы Ашшурнасирапала II.

Представленное произведение древнеегипетской пластики изображает Ипи — управителя царским хозяйством, опахалоносца фараона Тутанхамона. Стелы были не только принадлежностью гробниц, их также помещали в храмы, посвященные различным богам. Стела Ипи относится к числу памятников, представляющих постамарнское искусство эпохи правления преемников царя Эхнатона. Почти вся поверхность плиты занята сценой поклонения сановника Ипи статуе Анубиса, покровителя умерших. Слева на троне восседает Анубис с головой шакала, держащий в правой руке «анх» — «узел жизни», символ жизни. Фигура Ипи с поднятыми в молитве руками представлена в сложном парадном одеянии: рубахе с широкими рукавами и длинном переднике — шендите. Перед статуей бога мертвых находится жертвенник с сосудом для ритуальных возлияний. Многочисленные иероглифы стелы включают в себя заупокойную формулу, имена и титулы Ипи. Стела прекрасно сохранила первоначальную раскраску, выполненную, согласно канону, минеральными красками.

Псиктер — один из двух сосудов, использовавшихся для охлаждения вина с помощью ледяной воды. Благодаря высокой цилиндрической ножке он устанавливался в более широкой емкости — кратере.

«Пирующие гетеры» — единственная подписанная работа древнегреческого художника, хранящаяся в Эрмитаже. На черном фоне Евфроний представляет пир четырех веселых гетер, чьи имена — Секлина, Палайсто, Смикра и Агапа — написаны рядом с их изображениями. Композиция проста, монументальные и плоскостные фигуры женщин подчинены форме вазы. Тщательно проработаны детали: пестрые тюфяки и подушки, венки из виноградных листьев, круглые серьги, амулеты-камешки. Секлина наигрывает на двойной флейте, Агапа протягивает ей кубок, Палайсто пьет вино, а Смикра развлекается игрой в коттаб: раскручивая на пальце чашу, она выплескивает в цель каплю напитка, посвящая ее своему возлюбленному. Рядом автором даны произнесенные ею слова: «Тебе бросаю эту (каплю), Леагр». Псиктер работы Евфрония является прекрасным образцом краснофигурного стиля в вазописи.

В Эрмитаже находится великолепная коллекция знаменитых танагрских терракот — статуэток из обожженной глины, изображающих юношей, девушек и детей в древних нарядах и головных уборах.

«Афродита с Эротом» изображает сидящую в кресле с широкой спинкой Афродиту поглощенной заботой о своем ребенке — Эроте. Для удобства богини на кресло положена большая подушка, а под ее ноги поставлена скамеечка. Мастер показал фигуру Афродиты в сложной позе: немного опустив голову, она наклонилась вперед, внимательно наблюдая за прижимающимся к ней малышом, а в правой руке держит игрушку-волчок. В этой скульптурной группе проявилась характерная черта эллинистического искусства — жанровость. Несмотря на то что мастер изображает двух божеств, он показывает такую человеческую нежность матери к ребенку, что кажется — это обычная земная сценка. В конце IV века до н. э. в некоторых терракотах возвышенно-божественные темы тесно переплетались с земными. Раскраска, нанесенная по белой обмазке скульптуры, очень хорошо сохранилась, поэтому не составляет труда мысленно воссоздать изначальную яркую гамму цвета.

Филипп Араб, прозванный так за свое аравийское происхождение, сверг Гордиана III и захватил императорскую власть, подкупив военные легионы своего предшественника. Мраморный бюст Филиппа Араба поточности и остроте передачи психологической характеристики стоит в ряду лучших образцов римского портретного искусства. Скупыми лаконичными средствами передано грубое, простое, с тяжелыми чертами лицо. Скульптор показал бугроватый лоб, изборожденный глубокими морщинами, выдающиеся надбровные дуги, сдвинутые нахмуренные брови, образующие вертикальные морщинки над переносицей. Крупная голова и мускулистая шея покоятся на широких плечах. Большую роль в усилении эмоционального воздействия портрета играет сопоставление ярко освещенных и затененных частей скульптуры, что оживляет образ и подчеркивает мраморную структуру. Неизвестному скульптору удалось создать индивидуальный и цельный образ одного из так называемых солдатских императоров.

Портрет римлянки, так называемая «Сириянка» — один из лучших образцов скульптурного портрета эпохи Антониев. В это время распространяются художественные приемы, впервые появившиеся в портретах времени Адриана: тонкая моделировка и полировка лица, применение бурава для волос и бороды.

Мраморная поверхность портрета римлянки тщательно проработана и отшлифована. Неправильные черты ее удлиненного лица отмечены хрупкой нежностью и женственностью. Глаза смотрят в сторону и вверх, общее выражение лица мечтательное, а на губах — чуть заметная улыбка с небольшим оттенком иронии. При смене угла зрения меняется и облик женщины: уходит улыбка, уступая место усталости. Ровно уложенные в прическу волосы разделены процарапанными линиями, это дает видимый контраст с гладкой, блестящей поверхностью лица. В портрете скульптор сумел передать не только внешний облик, но и внутренний мир молодой женщины, принадлежавшей к высшим кругам провинциальной знати.

Камея Гонзага, названная так по имени первого владельца, маркиза Гонзага, — одно из самых известных и крупных в мире произведений искусства глиптики. В подарок Эрмитажу она была преподнесена Жозефиной Богарне, супругой Наполеона. Камея представляет собой идеализированный парный портрет обожествленных правителей. Профильные изображения властителей эллинистического Египта — Птолемея II Филадельфа, его жены и сестры Арсинои II — вырезаны из сардоникса, крайне сложного в обработке материала. Неизвестный александрийский мастер виртуозно использовал фактуру и цвет трех разных слоев камня, благодаря чему кожа героев оказывается молочно-белой, а доспехи — темными. Птолемею он придает сходство с Александром Великим, показывает его красоту и твердый характер в идеальном профиле, а шлем уподобляет его богу войны Аресу. На головах супругов — лавровые венки — символ славы и победы. «Живопись в камне» — так называют эту камею благодаря мастерской технике обработки камня, точной моделировке и тонкому колористическому решению.

Уроженец Сиены, учившийся там живописному делу, Симоне Мартини работал в Неаполе, Орвьето, Пизе, Ассизи и Авиньоне. В 1317 он был возведен в рыцарский сан королем Неаполя Робертом. Мастер в своих произведениях продолжил традиции итало-византийской и готической живописи.

Мадонна из сцены «Благовещение» — створка диптиха — относится к работам зрелого периода творчества мастера. В изображение девы Марии художник привносит рафинированный изобразительный язык, яркие насыщенные цвета — золотой, синий, благородный красный; вводит элементы рыцарской светской культуры. Аристократизм подчеркнут изысканным изображением одежды, жестов рук знатной дамы, как бы отвлеченной от чтения небольшой книжки в красном сафьяновом переплете.

Итальянский художник и монах Фра Джованни да Фьезоле был прозван Беато Анджелико (Ангельским). Как никто другой он умел передавать мягкий лиризм и особую тонкую атмосферу евангельских сюжетов. Фреска «Мадонна с Младенцем, святым Домиником и святым Фомой Аквинским» некогда украшала стену доминиканского монастыря во Фьезоле, но после его упразднения была вырезана из стены и продана двум итальянским художникам. Работа принадлежит к позднему творчеству мастера.

Образы святых удивительно гармоничны и согласованы. В центре восседает Мадонна с Младенцем, слева от нее — святой Доминик с лилией в руке, символом чистоты, справа — святой Фома Аквинский с открытой книгой Священного Писания. В работах Фра Беато Анджелико органично соединились реалистические достижения мастеров круга Джотто и мягкие, проникновенные образы Симоне Мартини.

Леонардо да Винчи — крупнейший представитель искусства итальянского Возрождения. Мадонна Бенуа — бесспорно, одна из знаковых картин художника. Центром композиции является цветок в руках Девы Марии, к которому тянется Младенец Иисус. Мастер помещает Мадонну, одетую по флорентийской моде XV века, и Младенца в комнате с единственным источником света — окном в глубине помещения. Однако иной, мягкий свет льется сверху, именно он оживляет полотно игрой светотени, что придает фигурам объемность, выявляет тончайшую моделировку формы. Колорит картины неяркий, чуть приглушенный.

До поступления в 1914 в Эрмитаж произведение находилось в Петербурге, в собрании известного историка искусства Александра Бенуа.

Другая работа прославленного флорентийца, живописца, скульптора, ученого и естествоиспытателя Леонардо да Винчи — «Мадонна Лита», названная по фамилии одного из своих владельцев. У всякого смотрящего на картину возникает ощущение особого состояния — возвышенного покоя, одухотворенной созерцательной тишины. Да Винчи в образе Мадонны объединил чувственное, земное, высокое и духовное в один гармоничный непоколебимый образ красоты. Лицо Мадонны безмятежно, и, хотя на губах нет улыбки, наклон головы и поза выражают бесконечную нежность к ребенку, которого она кормит грудью. Златокудрый Младенец рассеянно смотрит на зрителя, придерживая правой рукой грудь матери, в его левой руке — птичка щегол — символ христианской души.

Филиппино Липпи, сын художника Филиппо Липпи — вероятно, самый известный из учеников Сандро Боттичелли, перенявший черты утонченного, поэтического стиля мастера.

Начиная со второй половины XIV века итальянские художники стали трактовать сцену Рождества Христова как сцену Поклонения. Эту традицию продолжает и Липпи, представив новорожденного и Мадонну в прекрасном райском саду, где крылатые ангелы с золотыми волосами охраняют их покой. Фоном выступает сказочный пейзаж с горами и замками в легкой дымке. Все здесь пронизано ощущением свершившегося таинства.

«Мадонна с Младенцем» — одна из самых ранних работ, исполненных итальянским гением Рафаэлем. В ней еще нет классической красоты и блеска живописного исполнения, которые так характерны для более позднего творчества мастера. В камерной и скромной Мадонне Конестабиле иная особенность — тонкий лиризм, который присутствует в образе молодой девушки, в мягком, наивном пейзаже с отдельно стоящими тоненькими, едва распустившимися деревцами. Выбрав форму тондо (круга), Рафаэль построил соответственно и композицию. Все линии в картине мягкие, плавные. Тельце мальчика располагается под тем же наклоном, что и голова его матери. Этим приемом достигается необычайная гармоничность построения композиции. Следует отметить, что позолоченная и расписанная рама, в которой находится картина, сделана по рисунку самого художника.

Джорджоне, венецианец по происхождению, учился у известного живописца Джованни Беллини. Он не только блестяще усвоил глубину и теплый колорит произведений наставника, но и во многом превзошел его.

«Юдифь» — одно из самых известных произведений Джорджоне — изображает прекрасную библейскую героиню, которая спасла свой город и народ, соблазнив, а потом и обезглавив спящего Олоферна, вождя вражеской армии. Джорджоне показал не сам подвиг, а момент, когда Юдифь осталась одна с головой поверженного врага, которую она попирает ногой. В ее образе чувствуются и гордость победительницы, и грусть, вызванная совершенным поступком. Фигура девушки и ее поза подчеркнуто женственны, но правая рука твердо сжимает меч. Исследователи предполагают, что Джорджоне придал Олоферну собственные черты лица. Возможно, это и объясняет тот факт, что вопреки сложившейся традиции голова Олоферна не выглядит чудовищной и мерзкой, наоборот, лицо побежденного воина красиво.

Жанр портрета достаточно редкий в творчестве итальянского мастера эпохи Ренессанса, а представленная картина — единственное произведение Корреджо, хранящееся в русском музее. Загадочен образ прекрасной молодой женщины в контрастных коричнево-белых траурных одеждах под сенью лавра, который, вероятно, символизирует ее поэтическое дарование. Ствол дерева, обвитый плющом, означает любовь и супружескую верность. На потерю близкого человека намекает сосуд, на котором написано название травы забвения из древнегреческой мифологии. По одной из версий, на портрете представлена Джиневра Рангоне, супруга Джангалеаццо да Корреджо, которая принадлежала к ордену францисканцев и овдовела в 1517. По другому предположению, это поэтесса Вероника Гамбара, покровительница художника, жена правителя города Корреджо Джиберто, умершего в 1518.

Деятельность Микеланджело, как и многих других крупных мастеров эпохи Возрождения, была весьма разнообразной: он высекал статуи из мраморных глыб, покрывал фресковой росписью огромные площади стен и потолков, воздвигал величественные здания.

«Скорчившийся мальчик» — одна из четырех задуманных скульптур, но единственная воплощенная в жизнь. Статуя должна была стоять в нише стены капеллы при церкви Сан-Лоренцо во Флоренции. Мальчик изображен в сложной и необычной позе: присев на корточки, он обеими руками с силой сжимает больную или пораненную ступню правой ноги. Все тело выражает страдание и боль, особенно выразительна линия согнутой спины и выпуклая мощная лепка вздувшихся мышц тела. И хотя скульптура не совсем закончена (ее поверхность не отшлифована, кисти рук и ступней ног недоделаны), в ней можно увидеть особенности зрелого творчества мастера, вся фигура цельная, собранная и напряженная.

Баччо Бандинелли — флорентийский скульптор и художник эпохи маньеризма, соперник Микеланджело. Вдохновленный античными образцами, Бандинелли по-своему понял и воплотил образ Фавна, лесного божка Италии. Здесь он не веселый спутник бога вина Диониса, а натянуто улыбающийся напряженный человек, погрузившийся в свои мысли. Возможно, скульптор изобразил Фавна-прорицателя в момент, когда он пытается вспомнить пришедшие ему во сне откровения. Мраморный бюст поражает четкой проработкой деталей: завитков волос на голове и растительности на лице, шерстки на звериной шкуре.

Бандинелли отличался большой работоспособностью, лояльностью к заказчикам и оставил после смерти обширное скульптурное наследие.

Большая часть произведений великого венецианского художника XVI века Тициана, хранящаяся в Эрмитаже, относится к позднему периоду творчества мастера. Его талант с годами не блекнул, а приобретал новую глубину и совершенство исполнения.

«Святой Себастьян» — одно из лучших произведений живописца. Тициановский Себастьян — гордый христианский мученик, который, по легенде, был расстрелян из лука по приказу императора Диоклетиана за отказ поклониться языческим идолам. Мощное тело Себастьяна — воплощение силы и непокорности, его взгляд выражает не физическую муку, а гордый вызов мучителям. Тициан добивался неповторимого эффекта мерцающего цвета не только с помощью цветовой палитры, но и используя фактуру красок, рельефность мазков. По свидетельству современников, Тициан в поздние годы писал не только кистью, но и пальцами рук, лепил, создавая из сочетания света, тени и тональных переходов то живое впечатление от картин, которое так восхищало зрителей.

Творчество знаменитого итальянского художника Микеланджело Меризи да Караваджо повлияло на развитие мирового искусства, породив целую плеяду подражателей и последователей, так называемых караваджистов как в родной Италии, так и в других европейских странах. Мастер выработал новые форму, идеи, образы, темы и резко порвал с господствовавшим в Италии строгим академическим каноном. Эмоциональность произведений Караваджо усиливало новаторское введение в живописный обиход изображения искусственного или дневного света, пронизывающего темноту и ярко вырывающего из нее отдельные фигуры и предметы.

Художник, обладавший весьма резким характером, вел полную приключений жизнь, успевая при этом создавать прекрасные живописные произведения. Он много странствовал и скрывался, ему пришлось покинуть родной город после произошедшего в драке убийства.

Мастер писал полотна на разные сюжеты, создавал портреты, религиозные картины и бытовые сценки. «Лютнист» — одно из ранних произведений Караваджо, образ музыканта еще не раз встретится в его картинах. Лицо модели лишено классической красоты: круглый овал лица, чувственные пухлые губы и темные большие глаза создают образ здорового, цветущего юноши. Особое внимание уделено натюрморту. Художник с большим удовольствием выписывает яркие цветы и фрукты, деревянные музыкальные инструменты.

Вероятно, «Лютнист» — портрет друга Караваджо, миланского музыканта Галлюса, с которым он познакомился во время своих скитаний.

Антонио Каналь — итальянский живописец, один из величайших мастеров-ведуистов, изображавших повседневные городские пейзажи. Работал в Венеции, Риме, а также Лондоне, где был избран членом Королевской академии.

На представленной картине запечатлен официальный прием французского посла Жака-Винсена Ланже, графа де Жержи 4 ноября 1726. Программа такого рода церемоний была тщательно продумана и разработана. Посла отвозили на один из островов, откуда он как бы заново прибывал в город на роскошных гондолах. Вместе со свитой его привозили ко Дворцу дожей — центру государственной жизни республики, где и проходила официальная встреча. Венеция и ее уникальная архитектура выступают своего рода декорацией для этого театрализованного действия. Каналетто педантично зафиксировал все подробности исторического события, среди его участников легко узнаются венецианцы в черных и белых масках, треугольных шляпах, пышно и красочно разодетые французские гости. Работы Каналетто отличаются топографической точностью, сочетающейся с яркой декоративностью цвета, которым он передает красочную и праздничную венецианскую атмосферу.

Бюст императора Петра I считается одним из самых совершенных произведений итальянского архитектора и скульптора Растрелли, с чьим именем связывают зарождение русской скульптуры. Бронзовый портрет уникален по достоверности: во время работы над образом царя Растрелли использовал восковой слепок с лица императора, снятый в 1719. В этой работе наглядно проявились приемы стиля барокко: буквально ощущается порывистый ветер, разметавший пряди волос, развевающий шарф и горностаевую мантию; стремительный поворот головы блестяще использован мастером для передачи неиссякаемой энергии и характера Петра I. Несмотря на то что бюст был отлит в 1723, окончательная работа над ним завершилась только через шесть лет. Гравер Семанж закончил сложную прочеканку деталей одежды, а также изображений на щитках панциря с эпизодами Полтавского сражения и аллегорией «Петр I — великий скульптор, создающий статую новой России».

Представитель «россики», итальянский живописец Стефано Торелли, много и успешно работал в России во второй половине XVIII века. Торелли — мастер легкого и нарядного придворного стиля рококо, в своих работах часто использовавший различные аллегории.

Портрет Павла Петровича относится к репрезентативным парадным портретам. Юный великий князь помещен в некую условную театральную среду, где является главным действующим лицом. Повелительным жестом он указывает на бурное море, в котором корабли сражаются с ветрами, — прославление будущих морских побед. Нарядный арапчонок-слуга, почтительно склонившись, подносит ему как военачальнику шлем с пером. Белый военный костюм, расшитый золотом, закручивается, вздымаясь под порывистым ветром, но ничто не омрачает спокойное, сосредоточенное лицо великого князя. В этом портрете почти нет прямых линий: все здесь состоит из прихотливых изгибов, завитков, тяготеет к формам круга и овала.

Джузеппе Маццуола, ученик великого Бернини, работал над созданием статуи почти тридцать лет. Начатая в XVII столетии, скульптурная группа была завершена уже в следующем веке. Это значительно повлияло на манеру исполнения произведения, которое воплотило в себе все особенности позднего барокко.

Сюжет скульптурной группы «Гибель Адониса» почерпнут в «Метаморфозах» Овидия, в которых рассказывается о прекрасном юноше, возлюбленном богини любви Венеры, трагически погибшем во время охоты на дикого кабана. Маццуола показал Адониса в момент, когда он, сбитый на бегу диким вепрем, готов упасть. Стремительное движение на секунду остановлено, а фигура юноши застыла в сложном повороте. Поза Адониса и эффектно перекинутый плащ передают динамику мгновения. Разнообразная обработка мрамора, варьирующаяся от искусной полировки до шероховатой поверхности, передающей жесткую щетину кабана, усиливает декоративность произведения.

Видный представитель классицизма в европейской скульптуре, итальянский мастер Антонио Канова, был чрезвычайно популярен у своих современников. Он стремился возвратить простоту и строгость скульптуры, свойственные античным статуям, и отбрасывал все детали, передающие правду повседневной жизни.

В скульптурной композиции «Амур и Психея» Канова изобразил счастливую развязку древнегреческой легенды: Психею, погруженную Афродитой в глубокий, могильный сон, возвращает к жизни своим поцелуем бог любви Амур. Он только что опустился на землю, и его крылья еще распростерты в воздухе. Припав на одно колено, Амур нежно поддерживает оживающую возлюбленную, которая притягивает к себе его голову. Вся скульптурная группа удивительно нарядна и гармонична.

Канову настойчиво звали работать в Россию. По поручению Екатерины II князь Юсупов передал скульптору официальное приглашение. Тем не менее Канова отказался переезжать в Санкт-Петербург, но, чтобы смягчить отказ, уступил так понравившуюся князю скульптурную группу «Амур и Психея».

Среди многих венецианских пейзажистов XVIII века особенно выделяется Франческо Гварди — художник, как никто другой воплотивший в своих камерных картинах многочисленные улочки и окраины Венеции. Все эти уголки, переданные с особенной теплотой и любовью, населены людьми, и они не являются декорацией или дополнением к пейзажу. Картину можно отнести к «каприччо» — так называемым фантазиям художника на архитектурную тему.

В небольшой картине «Вид площади с дворцом» во дворе и под аркой видно множество людей, занятых своими повседневными делами, которых живописец представил в движении. Зритель наблюдает за ними сквозь широкую арку большого старинного здания. Гварди всегда интересовался проблемой передачи освещения. В представленном произведении он блестяще справился с задачей, показав контраст затененного пространства под аркой, где свет борется с темнотой, и залитого солнцем палаццо в глубине двора.

Уроженец немецкого города Любек, Годфри Неллер связал свою жизнь с Англией. Работая придворным художником, он выполнил множество парадных портретов, а также написал портреты представителей интеллектуальной элиты Англии.

Скульптор и резчик по дереву Гринлинг Гиббонс на полотне представлен занятым обмерами мраморного изваяния — головы статуи Прозерпины работы Бернини. Волевое лицо Гиббонса не обращено к зрителю, оно повернуто вправо, кажется, он занят какими-то подсчетами. Кисть Неллера уверенным, широким мазком формирует плотную фигуру скульптора, одетого в темно-серый плащ поверх серо-голубого кафтана. Основная гамма портрета строится на градации серо-голубых и белых оттенков.

Английский художник Джон Вуттон был одним из основоположников характерного для Британии спортивного жанра, включавшего в себя изображения охотничьих собак, породистых лошадей, сцен охоты и спортивных состязаний. Современники благосклонно отзывались об умении Вуттона «изображать в живописи лошадей и собак, которых он рисовал и расцвечивал с непревзойденным мастерством, страстью и правдивостью».

На красочном полотне представлено восемь гончих псов, в нетерпении ждущих сигнала к охоте. Каждое животное наделено своим характером и особенностями окраски. Вуттон с любовью прописывает гладкую, переливающуюся шерстку. Нахохлившаяся черно-белая сорока — хищная птица, беспокойный стрекот которой предупреждает о незваных гостях в лесу.

Картины со сценками охоты были чрезвычайно популярны в Англии и заказывались состоятельными аристократами для украшения своих поместьев.

Один из самых поэтичных художников, признанный глава английской школы, любимец английских аристократов, наперебой заказывавших ему свои портреты, в собрании Эрмитажа представлен работой, относящейся к расцвету его творчества. Замечательный колорист, Томас Гейнсборо для каждого своего портрета подбирал наиболее выразительную цветовую гамму. Так, живописная поверхность «Портрета дамы в голубом» светится холодными мерцающими красками. Тонкими и нежными переливами голубого цвета отмечены атласный шарф, лежащий поверх тонкого полупрозрачного белого платья, маленькая изящная шляпка, и кажется, что даже в напудренных волосах присутствуют отсветы голубого. Имя изображенной аристократки остается загадкой для исследователей творчества мастера. Выдвигались предположения, что на полотне изображена герцогиня де Бофор, однако это не подтверждено.

Наиболее значительным после Гейнсборо и Рейнолдса английским художником-портретистом является Джордж Ромни. Круг его заказчиков состоял в основном из аристократов и состоятельных ценителей живописи. В противоположность предшественникам Ромни не скупился приукрашать своих моделей. Перед нами — один из портретов светских красавиц, которые особенно удавались художнику и пользовались большим спросом. Мастер великолепно передает образ юной обаятельной аристократки, подчеркивает ее нежное лицо, покрытое румянцем, оттеняя его черной широкополой шляпой с пером. Однако взгляд дамы весьма надменен, в нем нет тепла и мягкости, что подтверждают и сомкнутые губы. Модель как бы дистанцируется от зрителя, желая указать на свой статус.

Английский живописец Джозеф Райт прожил почти всю жизнь в Дерби, вдали от лондонской суеты. В своих полотнах он передал атмосферу индустриальной Англии, ее технический прогресс и научные открытия эпохи. Художник любил изображать ночные пейзажи, освещенные луной, нередко включая их в композиции в качестве фона. Он как бы ставил эксперименты, играя с эффектами различного освещения. В картине «Кузница. Вид снаружи» Райт прекрасно справляется с трудной задачей совмещения в одной жанровой сцене освещения от естественного и искусственного источников. Это рождает характерное для произведений Райта тревожно-таинственное настроение. В холодную лунную ночь мягкий свет пламени горна кузницы озаряет окружающую темноту, притягивая людей.

Полотна художника обладают особым романтизмом, сделавшим мастера одним из ярких предшественников этого художественного направления в искусстве XIX века.

Первый президент Королевской академии художеств в Великобритании, получивший дворянский титул, Джошуа Рейнолдс прославился как портретист, исторический живописец и влиятельный теоретик искусства.

В 1785 Екатерина II сделала Рейнолдсу заказ на картину, предоставив выбор сюжета ему самому. Мастер, решивший прославить победы России, избрал историю Геракла, как бы намекая на силу и мощь молодой Российской империи. Еще в младенчестве, лежа в колыбели, Геракл уже показал свой героический нрав и божественное происхождение: ревнивая жена Зевса, богиня Гера, решила избавиться от мальчика и натравила на него двух змей. Когда змеи обвили тело младенца, Геракл схватил их за горло и тотчас задушил. В позах и жестах персонажей много театрального, характерного для английской академической школы живописи второй половины XVIII века. Закрученная композиция, бурное движение и красно-коричневая гамма усиливают накал страстей.

Выдающийся английский пейзажист, анималист и мастер жанровых сцен конца XVIII века, Джордж Морленд был известен как певец сельской местности укромных уголков Англии. С юных лет художник уезжал из города писать деревенскую природу и поселян. На небольших холстах, реже — деревянных досках он изображал темные леса и освещенные солнечным светом поляны, серебристые ручьи с переброшенными через них мостиками, хижины и деревенские трактиры, крестьян, живущих в гармонии с природой. «Приближение грозы» принадлежит к числу редких для Морленда больших и тщательно проработанных полотен. Удачна композиция картины: спокойная группа переднего плана противопоставлена взволнованной природе, еще немного — и из темных туч хлынет дождь! Этот контраст Морленд подчеркивает и живописными приемами: широкие удары кисти создают небо, застланное облаками; дробные, мелкие мазки динамично передают трепещущую листву и бегущие по небу облака. Ветер сгибает ветви деревьев, пробегает волной по траве, треплет гривы лошадей; набежавшая туча мгновенно меняет освещение: остается последний луч солнца.

Это одно из лучших произведений художника, относящееся к годам расцвета его творчества.

Ричард Бонингтон — английский художник-пейзажист, относящийся к кругу романтиков. Он обучался во Франции и дружил с Делакруа. Творческий и жизненный путь Бонингтона был очень недолгим, он умер от туберкулеза в 25 лет. Основные работы первой половины XIX века были посвящены туманным берегам Англии и Нормандии, прибрежным ландшафтам Италии. «Лодки у берегов» — одно из лучших реалистических произведений живописца, не лишенных при этом определенного романтического настроения. На небольшой картине изображен отлив у подножия меловых скал. Море отошло, обнажив дно небольшой гавани. В неустойчивом положении находятся баркасы, а запряженная лошадьми тяжелая повозка, около которой суетятся люди, почти въехала в море. В противоположность им легкие суда свободно скользят по воде у самого горизонта. Небо в работе особенное — просвечивающее через дымку тумана. Ярким солнцем освещены утесы, обрывающиеся в море. В отличие от многих художников, любивших изображать бури и шторма, Бонингтону нравилось писать обычное, спокойное состояние водной стихии и природы.

Творчество выдающегося немецкого художника Лукаса Кранаха Старшего особенно наглядно отражает своеобразие немецкого искусства XVI века, когда суровая доктрина Реформации находилась в гармонии с идеями гуманизма и национальным фольклором.

Кранах изобразил рыжеволосую Мадонну в образе прекрасной молодой женщины, напоминающей принцессу из немецких сказок. Она находится в яблоневом саду на фоне пейзажа с видом Саксонии — замком и горами. Одежда Мадонны соответствует одежде немецких аристократок. Цветовая гамма картины разнообразна и насыщена благородным красным, желтым, золотистым, зеленым и их оттенками. Мадонна и Младенец Иисус, с деликатно подчеркнутыми пропорциями детского тельца, внимательно смотрят на зрителя, словно давая понять, что им уже известна уготованная судьба и они готовы принять ее без тени сомнения. Взгляд удлиненных глаз Богоматери печален и задумчив — она знает, что должна потерять сына. Прямым намеком на это служат яблоко и хлеб в руках Младенца, символы искупления греха.

Ханс Аахен — представитель немецкого маньеризма в живописи, прославившийся своими аллегориями и картинами на мифологические и религиозные сюжеты. На крупноформатном полотне изображено торжественное празднество по случаю единения Мира, Искусства и Изобилия. Мир — обнаженная девушка в центре композиции, чье тело изображено по канонам маньеризма. У нее в руках — оливковая ветвь — символ мира. Персонифицированное Искусство обнимает Мир за плечо. Спиной к зрителю представлено Изобилие, которое протягивает Миру кубок с вином. Военная атрибутика попрана: барабаны, копья и латы лишние на этом празднике. Художник не зря поместил Мир в центр, ведь от него зависит благополучие искусства. Композиция не лишена театральности, которую подчеркивает красная материя-кулиса, обрамляющая действо.

Картина поступила в Эрмитаж из императорского дворца в Гатчине в 1925.

Христофер Паудисс, немецкий художник, один из крупнейших мастеров XVII века, писал жанровые и религиозные сценки. В портретной живописи Паудисс испытал влияние Рембрандта, поэтому гораздо более самобытны его натюрморты, исполненные в традициях поэтического реализма.

Представленная картина отличается изысканным золотисто-коричневым колоритом, в ней тонко передана световоздушная среда, которая окутывает простые предметы, поэтично повествующие о жизни человека. Обыденные, непритязательные вещи — связка лимонов, кувшин и висящая на светлой стене банка — составляют типичный «кухонный натюрморт». Контуры объектов лишены объема, они — часть окружающей, будто залитой золотистым светом среды.

Немецкий мастер Георг Гроот, много работавший в России, прожил всего 33 года, но на своих полотнах успел запечатлеть некоторых особ императорского двора и русской знати. На овальном портрете изображена 16-летняя Екатерина Алексеевна, будущая императрица Екатерина II, в ярком атласном платье с красной муаровой лентой и знаками ордена Святой Екатерины, учрежденного ее предшественницей-тезкой. В удлиненном лице модели лишь угадывается тонкий намек на то удивительное обаяние, которое, по свидетельству современников, отличало Екатерину II. Темный фон, избранный живописцем, великолепно контрастирует, подчеркивая мраморную кожу и светлое лимонно-желтое платье с затянутым корсетом. Спокойное, рассудительно лицо с сомкнутыми губами выражает решительный характер, которым обладала правительница Российской империи.

Антон Рафаэль Менгс, крупнейший немецкий представитель неоклассицизма XVIII века, обращался к античному наследию для поиска совершенных художественных форм. Он преклонялся перед античной скульптурой и часто цитировал на холсте лучшие мраморные образцы древнего искусства. Сюжет картины, заимствованный из греческой мифологии, повествует о подвиге Персея и спасении Андромеды от чудовища, в жертву которому ее должны были принести. Образ героя напоминает статую Аполлона Бельведерского, поза Андромеды списана с античного рельефа. Произведение рождает ассоциации с четко срежиссированной театральной сценой, где каждый персонаж застыл в определенной позе.

Интересна судьба полотна: написанное в Италии, оно было отправлено заказчику в Англию, но корабль захватили пираты. Они перепродали работу французскому морскому министру, а уже от него картина попала в собрание Екатерины II и в настоящее время украшает зал немецкого искусства в Эрмитаже.

Великий немецкий художник Каспар Давид Фридрих — один из лучших представителей романтического направления в живописи. В своих картинах он затрагивал проблему трагического одиночества и затерянности человека в огромном мире. Художник продолжает эту тему и в камерном полотне «Мечтатель». Его задумчивый герой, сидящий на основании окна готической руины, некогда прекрасного собора, погружен в себя, его одолевают мысли о прошлом и настоящем, о загадочном будущем своей судьбы. Безымянный мечтатель — своеобразный двойник зрителя, которому Фридрих предлагает мысленно занять его место. Для живописца священна природа, которую он понимает как носительницу глубоких религиозных переживаний, в его картинах она приобретает символическое значение, через нее он отображает свои глубокие эмоциональные переживания. Непризнанный при жизни, он оказал влияние на движение английских прерафаэлитов. Слава пришла к Фридриху в конце XIX века с возникновением символизма.

Франц Винтерхальтер, немец по происхождению, в 1834 обосновался в Париже и вскоре стал блестящим салонным мастером. Придворный портретист короля Луи Филиппа, а затем императора Наполеона III, он исполнял многочисленные заказы русского императора и петербургской знати.

Среди эрмитажных работ Винтерхальтера выделяется изысканный по своему необычному пастельному колориту «Портрет императрицы Марии Александровны», жены Александра II. Императрица изображена на серо-коричневом фоне в белом воздушном платье с лентами. Художник внимательно относился к передаче материи платья и досконально выписывал все аксессуары и украшения, поэтому нить тяжелых жемчужин, которая переплетает темные волосы, и жемчужная брошь на груди кажутся осязаемыми. Бледные болезненные черты тонкого лица и глубокий, печальный взгляд необычайно выразительных голубых глаз намекают на неизлечимую болезнь императрицы. В 1880 Мария Александровна умерла от туберкулеза.

Портрет имел большой успех, и впоследствии многие живописцы делали с него копии.

Нидерландский живописец Рогир ван дер Вейден по праву считается крупнейшим мастером раннего Северного Возрождения. В портретных произведениях он ставил своей целью с помощью изобразительных средств раскрыть индивидуальность личности, ее внутренний мир.

Согласно легенде, евангелист Лука был первым, кто написал портрет Богоматери, исполнив его с натуры. На этом основании он считается покровителем художников и иконописцев. В картине ван дер Вейдена действие происходит в открытой лоджии. Слева у подножия трона под красочным балдахином располагается Мадонна, одетая по нидерландской моде XV века. Она кормит грудью улыбающегося Младенца Христа. Трон намекает на ее будущую роль Царицы Небесной, он украшен маленькими скульптурными фигурками Адама и Евы, служащими напоминанием о первородном грехе, который искупил Христос. Напротив Мадонны святой Лука в красном одеянии запечатлевает облик Богоматери, почтительно преклонив колени. В образе евангелиста ван дер Вейден старается показать внутреннее состояние, сосредоточенность художника в момент творческого процесса. За спиной святого через приоткрытую дверь различимы книга и бык — его атрибуты как одного из авторов Евангелия и Деяний святых апостолов. Две фигуры, стоящие спиной к зрителю и созерцающие пейзаж, — вероятно, Иоаким и Анна, родители Марии.

Полотно предназначалось для капеллы живописцев Брюсселя.

В XVI веке в нидерландской портретной живописи возник групповой портрет, одним из основоположников которого являлся Дирк Якобс. «Групповой портрет корпорации амстердамских стрелков» — раннее произведение этого жанра. На полотне запечатлены члены стрелковой гильдии, основной функцией которой была охрана общественного порядка и защита города от внешних врагов. Стрелки облачены в одежду своей корпорации: красно-синий плащ и черную плоскую шапочку. Фигуры располагаются в три ряда, друг над другом. В центре выделяется глава гильдии, он одет в кирасу, а в руке держит мушкет. На плаще мужчины, представленного на переднем плане, изображен орлиный коготь — эмблема корпорации. На картине запечатлены разновозрастные люди, которых объединяет понимание своей социальной значимости, выраженной в борьбе за независимость страны. Стремление изобразить на одном холсте как можно больше фигур продиктовано практичностью заказчиков. Известно, что оплата групповых изображений производилась каждым портретируемым отдельно, а сумма напрямую зависела от места размещения на полотне, самым дорогим был первый план. Живописный талант Дирка Якобса проявился в умении дать индивидуальный психологический портрет каждого изображенного. Подобные портреты помещались в главной ратуше города, они редко встречаются в музейных собраниях.

Ученик Рубенса, Антонис Ван Дейк — прославленный фламандский живописец и график, мастер придворного портрета и религиозных сюжетов в стиле барокко.

«Автопортрет», написанный вскоре после возвращения Ван Дейка из Италии, является жемчужиной эрмитажного собрания. Он принадлежит к числу лучших произведений художника в своем жанре. Портрет передает изящество облика и своеобразие натуры «баловня судьбы», как называли живописца современники. Именно таким, похожим на светского кавалера с тонкими чертами лица и белыми холеными руками хотели видеть своего любимца европейские аристократы. Работу Ван Дейка отличает присущая его зрелому творчеству утонченность. Сочетанием ограниченного числа цветов — коричнево-розового, черного, серо-белого — мастеру удалось сохранить свежесть натурного этюда и достичь мощного живописного эффекта.

В облике изящного молодого человека отображено характерное для эпохи представление о художнике как артисте, причастном к миру гармонии и красоты.

Среди портретов великого фламандского живописца это полотно занимает особое место. Из мерцающего полумрака глядит молодая женщина XVII века в черном платье с белоснежным воротником — фрезой. Картина исполнена в сдержанных тонах, построена на неуловимых тончайших переходах цветов. Кисть Рубенса, обычно широко и активно создающая форму, здесь мягко касается создаваемого портрета. По-лисьи лукаво смотрят на зрителя зеленоватые глаза девушки. Светлые волоски, выбившиеся из прически, непокорно вьются у висков, образуя мягкий и светящийся ореол вокруг лица. Однако искусно написанные губы плотно сжаты, они скованы правилами этикета, из них не вылетит ни одного лишнего слова. Хозяйка этой ангельской, едва заметной улыбки умеет хранить дворцовые секреты. Это произведение не парадное, оно подчеркнуто камерное и простое по композиции. Портрет девушки выполнен по рисунку, написанному с натуры. Существует предположение, что черты лица камеристки сходны с обликом рано умершей дочери Рубенса — Клары-Серены.

Франс Снейдерс — крупнейший мастер натюрморта и художник-анималист Фландрии XVII века. Сюжет картины «Птичий концерт» восходит к басне Эзопа «Сова и птица». Под управлением совы, перед которой раскрыта нотная тетрадь, птицы пытаются петь. Живописец выбирает сюжет как предлог, чтобы продемонстрировать невероятное богатство пернатой фауны и свое мастерство анималиста. Точно переданы окрас, особенности строения и оперения разных птиц: от небольшого удода и голубя-дутыша до красочного амазонского попугая и павлина с прекрасным широким хвостом. На полотне представлены как населяющие европейские леса, поля и водные просторы, так и более экзотические, декоративные птицы. Несколько десятков больших и малых пернатых свободно размещены в пространстве, образуя на фоне светлых облаков яркий красочный ансамбль.

Под влиянием Снейдерса тема «Птичьего концерта» широко распространилась во фламандском искусстве XVII века. Исходя из крупного формата произведения, можно предположить, что оно предназначалось для десюдепорта — декоративной панели, расположенной над дверным проемом. Существует множество версий и копий картины.

Питер Пауль Рубенс — яркий представитель стиля барокко в живописи, плодовитый мастер, чье наследие составляет внушительный список работ. Глава фламандской художественной школы XVII века как ни один другой мастер сумел передать подвижность, безудержную жизненность и чувственность европейской живописи эпохи барокко. Он работал в мифологическом и религиозном жанрах, писал портреты, разнообразны его графические произведения.

Тема союза двух стихий в картине «Союз Земли и Воды» наполнена новым и актуальным смыслом. В масштабном полотне художник выразил надежды своих сограждан на выход к морю, чаяние мира и процветания страны. Союз пышнотелой и чувственной богини земли Кибелы и сильного, энергичного морского бога Нептуна современники воспринимали как жизненно важный союз моря и Фландрии, реки Шельды и города Антверпена. Картина поражает чистотой ярких красок, игрой света на обнаженном теле богини, динамикой мощных форм — качествами, характерными для творчества фламандского мастера.

Признанный шедевр нидерландского художника Рембрандта «Даная» был написан по мотивам мифа о Данае, матери Персея. Отец девушки узнал из пророчества, что умрет от руки сына Данаи, заключил ее в подземелье и приставил к ней служанку. Это не остановило верховного греческого бога Зевса, который проник к узнице в виде золотого дождя, после чего она родила сына. Картина привлекает внимание особым «рембрандтовским» колоритом. Сочетание мерцающих тонов занавеса, покрывала и скатерти с вкраплениями золотых бликов поражает своей красотой и изысканностью. Тело нагой женщины, лежащей в постели, выделено ярким льющимся солнечным светом, падающим благодаря сдвинутому служанкой пологу. Даная приподнялась и нерешительно вытянула руку навстречу свету. Вот-вот появится ее божественный возлюбленный. В образе Данаи Рембрандт запечатлел черты своей жены Саскии. После ее смерти они были изменены и дополнены чертами новой любимой женщины художника. Смеющегося ангелочка в изголовье кровати Рембрандт также переписал, теперь он плачет, очевидно, по усопшей.

Непростой оказалась и судьба произведения: в 1985 сумасшедший вандал, посетивший Эрмитаж, выплеснул из склянки серную кислоту на центр картины, а потом дважды ударил полотно ножом. Повреждения затронули почти 30 % произведения, а реставрация длилась двенадцать лет.

Фламандский художник Якоб Йордане — автор многих картин, подобных представленной, брызжущих весельем и задором. Мастер был плодовитым, его художественное наследие составляет почти 700 работ.

В произведении «Бобовый король» показан существующий до сих пор праздник «трех царей». По преданию, три царя-волхва пришли поклониться родившемуся Младенцу Христу. Одной из традиций, связанных с этим событием, является запекание в праздничный пирог боба. Тот, кто обнаружит его в своем куске, провозглашается «королем» и становится председателем пиршества, на него возлагается корона, он выбирает себе королеву, остальные участвующие — его придворные. Йордане изобразил момент пиршества, когда веселье достигло своего апогея. Каждый из присутствующих уже развлекается самостоятельно, один поет, другой играет на музыкальном инструменте, женщина поит вином маленькую дочку, мужчина в костюме шута пытается произнести речь, даже героиней на первом плане завладело хмельное настроение, и она совсем позабыла о своем разомлевшем младенце. А седовласый король уже нетвердой рукой поднимает еще один бокал. Художник пишет теплыми коричневыми и золотистыми красками, поэтому все его персонажи дышат здоровьем, а манера исполнения — свободная и быстрая.

Адриан ван Утрехт — фламандский художник эпохи барокко. Его привлекало написание дворов с домашними птицами, рыбных рынков. В натюрмортах с фруктами и овощами заметно влияние Снейдерса.

«Натюрморт с виноградом» представляет квинтэссенцию «фруктовых натюрмортов». Сочные и спелые фрукты, только что вымытые и аккуратно разложенные на столе, выписаны мастером так живо и натуралистично, что возникает желание протянуть руку и отломить веточку зеленого винограда, съесть мягкий персик. Утрехт прославляет природу и ее плоды, он восхищается роскошью и изяществом натуральных форм. Все в картине говорит об изобилии и достатке. Темно-зеленая бархатная ткань подчеркивает яркую красочность осеннего натюрморта. Интересная особенность — фрукты уложены на столе параллельно картинной плоскости. Полотно, вероятно, было заказано зажиточным бюргером для украшения интерьера своего дома.

«Десерт» голландского художника Виллема Калфа — прекрасный пример богатого, нарядного и красочного натюрморта, в котором отобразилось стремление разбогатевшего бюргерского класса к роскоши и помпезности. В картине чувствуется незримое присутствие человека — хозяина изображенных вещей. Композиция «Десерта» достаточно традиционна: на столе стоят два бокала, небольшой кувшин и фаянсовая тарелка со свежими фруктами. Стол застелен дорогим бархатным ковром, золоченый кубок на нем — тонко проработанное произведение ювелирного искусства. Калф мастерски передает тонкость стекла бокала и блики на серебряной тарелке. С любовью написаны фрукты, выделена фактура глянцевой неровной корочки разрезанного лимона, его сочная мякоть. Яркие цвета и оттенки фруктов придают полотну красочное звучание, обособляя его среди других произведений. Калф благодаря своим уникальным изобразительным способностям значительно расширил иллюзионные возможности натюрмортной живописи и отобразил вкусы аристократии второй половины XVII века.

Виллем Хеда — один из первых мастеров голландского натюрморта XVII века, чьи работы весьма ценились современниками. Особой популярностью в Голландии пользовался такой вид полотен, как «завтрак». Они создавались на любой вкус: от богатых до более скромных.

Картину «Завтрак с крабом» выделяет нехарактерный для голландского натюрморта большой размер. Общая гамма произведения холодная, серебристо-серая с немногочисленными розоватыми и коричневыми пятнами. Хеда изысканно изобразил сервированный стол, на котором в тщательно продуманном беспорядке расположены предметы, составляющие завтрак. На блюде лежит краб, выписанный со всеми особенностями, рядом желтеет лимон, изящно срезанная корка которого, закручиваясь, свисает вниз. Справа лежат зеленые оливки и аппетитная булочка с золотистой корочкой. Стеклянные и металлические сосуды добавляют натюрморту основательности, их цвет почти сливается с общей гаммой.

Фердинанд Бол — голландский художник и график, ученик Рембрандта, прекрасно усвоивший приемы его живописной манеры, в результате чего многие работы Бола ошибочно приписывались мастеру. Об обстоятельствах жизни Боля почти ничего не известно. Он прославился благодаря портретному жанру и по праву занимает одно из первых мест в ряду выдающихся портретистов голландской школы.

«Портрет ученого» выделяется уютной теплой коричневой гаммой, напоминающей камни янтаря. Пожилой мужчина с бородой в задумчивости подпирает голову рукой. Позади него на столе располагаются атрибуты исследователя — глобус и книги в толстых переплетах. Ученый, облик которого напоминает русского боярина, погружен в свои мысли, обдумывает будущие открытия.

В искусстве знаменитого голландского живописца Рембрандта в 1650-е центральное место занимал новый, ранее неизвестный в европейской живописи тип портрета-биографии. Моделями художника часто служили пожилые люди, воплощавшие жизненную мудрость, на чью долю выпали горестные испытания. Это десятилетие стало вершиной мастерства Рембрандта как портретиста. Через величавое спокойствие художник передает психологическое состояние пожилого человека, его переживания и раздумья. Особый живописный рембрандтовский свет и мягкий полумрак позволяют ощутить его развивающимся во временном потоке, который связывает прошлое, настоящее и будущее. Лицо и руки старика, форму которым художник придавал не только кистью, но и своими пальцами, кажутся озаренными неким духовным внутренним светом. Образ, созданный мастером, стал олицетворением стойкости и принятия своей участи.

Франс Халс являлся одним из самых известных живописцев голландского золотого века. Мастер портретного жанра создал более 900 работ, в которых представил детей, бедняков и аристократов, гвардейцев и собутыльников из различных кабачков. «Мужской портрет» относится к серии портретов, схожих по постановке модели: она представлена вполоборота на темном фоне, из которого яркими контрастными пятнами выступают лицо и элементы гардероба — перчатки, белый воротник. Возможно, изображенный на портрете мужчина — офицер, на это намекает его правая рука, лежащая на том месте, где обычно находится рукоять шпаги. Халс работает в новой свободной манере с широким осязаемым мазком, хорошо моделирующим форму. Спустя два столетия новаторская живописная манера Халса вдохновит целое объединение художников-импрессионистов.

Вероятно, «Бокал лимонада» — это самая знаменитая картина крупнейшего мастера голландской жанровой живописи Герарда Терборха. Произведения художников были небольшого размера и предназначались для украшения квартир обеспеченных горожан. Бытовой сюжет полотна, которое можно назвать «сценой у сводни», имеет прямое отношение к действительности, но разыгран весьма деликатно и тонко, без акцента на интимной теме. Нарядная девушка и молодой человек занимаются приготовлением лимонада; девушка держит в руке бокал, в то время как юноша, придерживая его одной рукой, размешивает содержимое другой. Однако приготовление напитка — лишь повод для их близости, что подтверждается красноречивым взглядом юноши и легким смущением молодой особы. Третье лицо — старуха, склонившаяся над героиней, — как бы молчаливо советует ей решиться на что-то определенное. Терборху удавалось мастерски выписывать переливы шелка и атласа, золотое шитье в отделке платьев, что способствовало его популярности у зажиточных бюргеров.

Одной из вершин творчества великого нидерландского художника считается картина «Возвращение блудного сына». Она была написана в последнее десятилетие жизни мастера, когда он был уже немощным, старым и нищенствовал, ведя полуголодное существование. До этого Рембрандт неоднократно обращался к сюжету «блудного сына» в своих графических работах. Темой для написания картины послужила известная евангельская притча, рассказывающая, как после долгих скитаний блудный сын вернулся с несбывшимися надеждами к покинутому им когда-то отцу. Живописная поверхность полотна буквально излучает тепло рембрандтовской палитры, мерцающая светотень подчеркивает фигуры главных героев. В образах склонившегося старика и его коленопреклоненного сына живописец выражает сложнейшую гамму чувств: раскаяние и милосердие, безграничную любовь к своему ребенку и горечь позднего прозрения. В картине «Возвращение блудного сына» психологический талант Рембрандта раскрылся в полной мере, ведь в нее он вложил весь свой творческий опыт.

Ян Стен — один из ярких мастеров голландской бытовой живописи XVII века. Тема веселья, развлечений и веселых пирушек Стену, владельцу кабачка, была знакома, как никому другому. Художник в своих картинах не стремится к психологическому анализу героев. Он изображает только то, что может увидеть любой зашедший в трактир, где была веселая пирушка. В образе улыбчивого добродушного гуляки Стен изобразил себя. Он как бы приглашает зрителя снисходительно посмеяться над ним и его женой Маргарет, которая сладко спит, не имея сил переменить неудобное положение. Повсюду господствует беспорядок, придающий дополнительный комизм ситуации: на полу валяются черепки разбитой трубки, на переднем плане — большая туфля, слетевшая с ноги хозяйки. Вся сцена до мельчайших деталей показана с большой теплотой и юмором.

Питер де Хох — один из ярких представителей делфтской школы живописи, традиционной темой изображения которой был интерьер. «Хозяйка и служанка» — образец голландского жанра, в котором сконцентрированы все достоинства делфтской школы. Де Хох с особой любовью выписал все детали интерьера: каждый кирпичик, аккуратную кладку плитки пола, деревянную балюстраду и вазон с гвоздикой. Картина восхваляет спокойную жизнь в тихом, немного замкнутом мирке крепкого и аккуратного дома. Хозяйка находится тут же, она в скромном костюме, на ее трудолюбие намекает рукоделие, лежащее на коленях. Хох находил и подчеркивал красоту в обыденных предметах — начищенном до блеска ведерке в руках служанки, прозрачной, почти кружевной плетеной корзине, буквально горящей на свету. Персонажи полотна естественно и уютно чувствуют себя в среде голландских обывателей, они существуют в атмосфере тихой гармонии.

Рейсдал был крупнейшим художником-пейзажистом своего времени. В голландской пейзажной школе есть самые разнообразные изображения природы, и всегда в них присутствуют люди. Маленькие шустрые фигурки нагружают или разгружают корабли, охотятся в лесах, наполняют собой улицы городов и деревень. Но есть и другие произведения пейзажной живописи, заключающие в себе момент философского обобщения. К числу таких полотен и относится «Болото».

На картине изображена пустынная часть леса, залитая водой. Мощные, немного скривленные деревья устремляют к небу свои пышные кроны, но часть этих гигантов — уже умершие стволы, лишенные листьев. Таков мощный, некогда прекрасный дуб, упавший в болото в правой части холста, еще пытается сопротивляться судьбе его сосед, а вокруг них развивается крепкая поросль. Темные воды болота неподвижны, но почти вся их поверхность покрыта светлой зеленью цветов водяных лилий. Только шумное семейство дикой утки нарушает спокойствие и тишину в старом лесу. Солнечные лучи едва проникают в сырую чащу, и лишь небольшие блики света играют на поверхности воды. Древние дубы и молодые деревья воплощают в себе отходящее, обреченное старое и нарождающееся новое поколение. Картина, таким образом, приобретает скрытый символический смысл, в котором и заключается ее философское содержание.

Никола Пуссен — крупнейший французский художник XVII века, яркий представитель классицизма. Живя в Италии, он изучал античное искусство и преклонялся перед красотой, четкостью и гармоничностью его форм. «Пейзаж с Полифемом» относится к так называемым классическим пейзажам. По устоявшейся традиции живописцы почти не запечатлевали природу с натуры, используя зарисовки в мастерской. Пейзаж строился по определенной схеме: три плана акцентировались цветом.

Природа у Пуссена — мир идеальной красоты, в отличие от работ многих современников произведения живописца наполнены глубоким философским содержанием. В представленном полотне заключена идея величия и мощи природы, ее связи с человеком. Герои произведения заимствованы из «Метаморфоз» Овидия. В центре картины на заднем плане сидит почти слившийся с горой циклоп Полифем. Полюбивший нимфу Галатею и тоскующий по ней, он вкладывает свое неразделенное чувство в песни, наигрываемые на свирели. Постепенно из пугающего всех чудовища Полифем превращается в любимца нимф, которые приходят послушать музыку. Кажется, что сама природа застыла и внимает нежным мелодиям гиганта. Яркий просвет справа открывает перспективу на далекое море и как бы освещает всю величественную картину земного мироздания.

Ленен — фамилия семьи художников-реалистов XVII века. Луи Ленен был старшим и самым одаренным из трех братьев, которые в своем творчестве интересовались жизнью и работой простого человека, окружающим его миром. В начале XVII столетия во Франции изображение крестьян считалось низменным для художника, современники избегали сюжетов, связанных с их бытом.

Картина «Семейство молочницы» показывает крестьянскую семью, отправляющуюся на рынок. На вершине холма собрались отец, мать и двое детей, равноправными членами семьи выступают смиренный навьюченный ослик и свернувшаяся калачиком собачка. Внимание приковывает фигура молочницы — одетая в грубую одежду немолодая крестьянка с уставшим, грустным лицом. Образы озарены внутренним достоинством, эти люди с честью исполняют свой жизненный долг. В изысканной серебристо-серой цветовой гамме запечатлены холмы и поля Северной Франции, передан ее сухой воздух. Мягкий свет озаряет суровые лица и крепкие тела крестьян, их немудреную утварь.

Представленное произведение — манифест нового гуманного восприятия жизни. Художник возвеличивает не абстрактного героя или божество, а живого рабочего человека. Искусство Ленена не нашло последователей в XVII веке, лишь спустя два столетия во Франции возродился интерес к простому человеку.

Французское искусство XVIII века начинается с произведений Антуана Ватто. Он первый выразил новое представление о красоте и естественности человеческих чувств и эмоций, ввел свежие темы и образы.

В основе картины «Савояр с сурком» лежит рисунок, сделанный с натуры. Маленький музыкант с открытым улыбчивым лицом одет в скромную, удобную в многочисленных путешествиях одежду. Уроженец горной Савойи, он отправился на заработки, взяв с собой флейту и ящик, из которого ученый сурок вытаскивает маленькие записочки «со счастьем». Лирический подход к сюжету, внутренняя теплота, с которой трактуется образ, очень характерны для картин Ватто. Он умело подчеркивает одиночество мальчика, стоящего на фоне холодного утреннего неба. Подобные зарисовки из жизни обычных людей в творчестве Ватто шли параллельно со знаменитыми галантными празднествами и театральными сценами.

Антуан Ватто был первым из французских художников XVIII столетия, который, отвергнув героическую патетику академизма, в своих так называемых галантных картинах стремился передать тончайшие оттенки человеческих переживаний и чувств. В основе каждого произведения живописца — зарисовки, которые он делал в светских салонах, театрах, садах и на улицах Парижа.

На полотне «Капризница» молодая женщина в элегантном темном платье, гордо подняв голову и капризно надув губы, оборачивается к своему кавалеру, который ей что-то вкрадчиво предлагает. Мастер точно передает сомнения героини, пытающейся решить: уйти ей или все же дослушать речь мужчины. Ватто стремится зафиксировать характер и реакцию дамы — едва заметную тревогу. Картина интересна по колориту, основанному на сочетании нежных розовых, бледно-зеленых и голубых тонов. Насыщенность цвета в фигурах персонажей подчеркивает мягкость цветовых решений, используемых художником для передачи пейзажного фона с его полупрозрачными деревьями и едва различимыми силуэтами гуляющих пар.

Никола Ланкре, один из талантливых последователей Антуана Ватто, унаследовал его легкую кисть, мягкость и поэтичность красочных соотношений, сюжеты. Французский мастер XVIII века также любил изображать актеров комедии дель арте в сценах спектаклей, концерты на лоне природы, галантные празднества. Его произведения — своеобразный художественный документ, в котором точно отражены театральные костюмы и жесты актеров, режиссерские находки и особенности постановок.

К подобным картинам относится и изящный камерный портрет Марии-Анны Кюпп де Камарго — известной танцовщицы своего времени. Она изобрела до сих пор используемые в балете туфли, укоротила юбку, что позволило ввести в танец новые па. Фактически Камарго является основоположницей балета в его классическом понимании. Танцовщица была весьма популярна и любима современниками, этим объясняется успех полотна и его многочисленные авторские повторения-варианты. Основная композиция в них оставалась прежней, менялся лишь партнер или цвет платья, увеличивалось или уменьшалось количество аккомпанирующих музыкантов среди декораций, изображающих парк. Портрет получился таким красивым благодаря мягкому золотисто-розовому колориту и легкому, изящному исполнению в стиле рококо.

Франсуа Буше, яркий представитель искусства французского барокко, был весьма разносторонним мастером: он работал как живописец, гравер, иллюстратор, декоратор, расписывал веера и сервизы. Буше был удостоен звания придворного художника, ему покровительствовала фаворитка Людовика XV — знаменитая маркиза де Помпадур. Творчество живописца лишено трагических и драматических коллизий, его искусству присущи легкость, веселье, яркая декоративность. Буше писал мифологические сюжеты для того, чтобы иметь возможность изобразить красивых, изящных, как статуэтки, обнаженных женщин в образах богинь и нимф.

В овальном по форме произведении «Туалет Венеры» богиня показана во всем блеске своей наготы. Она окружена проворными амурами, помогающими выполнять утренние ритуалы. Один держит зеркало, другой повязывает ей ленту на ногу, служанки разбирают драгоценности. Взоры всех персонажей обращены к Венере, выдвигая богиню на первый план, в центр композиции. Колорит характерен для стиля рококо, он построен на сочетании сияющих золотых, мягких розовых, зеленых и голубоватых оттенков цвета. В отличие от предшественника Антуана Ватто в работах Буше нет повествовательного элемента, сюжет присутствует исключительно как художественный повод.

Автор знаменитого памятника Петру I в Санкт-Петербурге — так называемого Медного всадника, — Фальконе создал и данное изящное произведение в стиле рококо. Первоначально «Амур» предназначался для садового павильона в поместье маркизы де Помпадур. Это обусловило композицию статуи: ее можно обойти и рассмотреть со всех сторон. Скульптура пользовалась большой популярностью у знатоков искусства XVIII века, с успехом экспонировалась на выставках. Фальконе многократно повторял своего «Амура», экземпляр, хранящийся в Эрмитаже, был заказан графом Строгановым. Шаловливый крылатый мальчик, бог любви, предостерегающе держит пальчик около губ, ведь украдкой он вытаскивает стрелу из лежащего рядом колчана. Его лукавая улыбка намекает, что никто не укроет свое сердце от этих метких стрел. Фальконе убедительно передал пухлое тельце ребенка, мягкие пушистые волосы, обрамляющие живое лицо, перышки крыльев. В его свободной и естественной позе, в том, как он сидит, свесив одну ножку, мастер показал непринужденность и обаяние, свойственные детям.

Жан-Батист Симеон Шарден — французский художник, писавший натюрморты и жанровые сценки, в которых воспевал повседневную домашнюю жизнь горожан, передавая ее в спокойной, реалистической манере. Натюрморты мастера тесно связаны с человеком, ведь он — хозяин изображенных вещей, и его присутствие чувствуется в каждом предмете.

Эрмитажное полотно — один из лучших аллегорических натюрмортов. Императрица Екатерина II заказала Шардену исполнить десюдепорт (наддверное живописное панно) для конференц-зала Академии художеств в Санкт-Петербурге. Картина изображает стол художника, на котором разбросаны вещи — атрибуты искусства. В центре композиции — статуэтка бога Меркурия работы Жана-Батиста Пигаля, она символизирует скульптуру. Искусство живописи представлено палитрой и ящиком для красок, архитектура — свитками чертежей и готовальней. Орденский крест, монеты и медали — это награды, которых художник удостоился в результате своего творчества. Все предметы Шарден писал исключительно с натуры, фигурка Меркурия реально принадлежала ему, как и кувшин, который можно обнаружить и на других полотнах. Книги, вероятно, — тоже автора, их присутствие в натюрморте как бы намекает, что художник должен быть образованным человеком.

Искусство Шардена как нельзя лучше отражает идеалы эпохи Просвещения.

Французский живописец Жан-Батист Грёз прославился как портретист и художник, писавший произведения на тему родственных отношений. В жанре семейного быта у него почти не было соперников во французской живописи.

Картина «Паралитик», характерный пример художественного искусства эпохи Просвещения, была главным событием парижской выставки 1763. Мастер представил многочисленное семейство, которое собралось вокруг разбитого параличом старика. Скромный тяжелобольной труженик окружен нежной заботой и всеобщей любовью. Недаром полотно имеет второе название — «Плоды хорошего воспитания». Грез стремился создавать произведения, побуждающие к добродетели. Основная мораль работы — превосходство простого человека над развращенностью французского дворянина. Живописец прекрасно группирует фигуры, однако сцена выглядит несколько сентиментально и театрально. Успех картины у зрителей был огромен. Благосклонность критики Денни Дидро, советника русской императрицы, способствовала приобретению в 1766 полотна Екатериной II у самого автора. В фондах Эрмитажа хранится множество подготовительных рисунков к этому произведению.

Виртуозный мастер стиля рококо, Жан Оноре Фрагонар был учеником прославленных художников — Франсуа Буше и Жана-Батиста Шардена. Живописец известен как автор полотен на «галантные» темы, он развивал направление, заданное Антуаном Ватто. Но в отличие от работ предшественника картины Фрагонара не ограничиваются платонизмом отношений между персонажами, его сцены очень чувственны, а порой даже откровенно эротичны.

«Поцелуй украдкой» — вершина «галантного» творчества мастера. В комнате, отделенной от залы полуоткрытой дверью, юноша «похищает» поцелуй у молодой девушки, ее правая рука сжата ладонями юноши, который удерживает героиню подле себя. Она тревожно смотрит на приоткрытую дверь, опасаясь, что кто-нибудь может войти и увидеть их. Поражают убедительность, с которой написаны фигуры, фактурность ткани, интерьер и светотень в комнате.

Картина имела также другое название — «Тайная страсть». Галантные сюжеты Фрагонара естественны в передаче земных чувств, они изящны, поэтичны и декоративны, так как выражают дух культуры XVIII века.

Французская художница Элизабет-Луиз Виже-Лебрен принадлежит к небольшому числу европейских живописцев, сумевших занять место на первом плане искусства своего времени. Любимая портретистка королевы Франции Марии-Антуанетты, она эмигрировала с началом революции и, объездив многие европейские столицы, на шесть лет обосновалась в России.

Портрет великих княжон Александры и Елены исполнен художницей в 1796, когда им шел тринадцатый-четырнадцатый год. Лица моделей несколько идеализированы, но каждое обладает особенным выражением. Старшая, Александра, похожа на брата, великого князя Александра Павловича, черты лица младшей, в розовом платье, более мелкие. Княжны изображены рядом друг с другом, они лишь на минуту подняли глаза на зрителя, оторвавшись от созерцания миниатюрного портрета бабушки, Екатерины II, в алмазном обрамлении. Изначально наряды княжон были иными. Слух о том, что картина показалась Екатерине II чересчур откровенной, побудил портретистку изменить одеяния девушек с греческих туник на платья с длинными рукавами. Работая при русском императорском дворе, Виже-Лебрен получала большое количество заказов от аристократии, что способствовало ее финансовому процветанию. По приглашению Наполеона художница вернулась во Францию, где так же плодотворно и успешно творила.

Французский живописец Луи Леопольд Буальи специализировался в основном на камерных жанровых сценах и портретах. Он настолько точно выписывал детали окружающего мира, что по его произведениям можно изучать интерьеры, моду и нравы времен Консульства, Директории и Первой империи.

После революции появилось множество кафе, недорогих ресторанчиков, где люди могли встретиться, завести новые знакомства, поговорить, обсудить последние новости. К числу таких заведений относились и бильярдные — просторные залы, в которых, выпив чашку чая и пообщавшись с друзьями, можно было развлечься ставшей чрезвычайно популярной после 1789 игрой. В зале, освещенном верхним светом, дающим художнику возможность сделать ряд акцентов, изображено весьма пестрое общество. Главные действующие лица — игроки и бильярд.

Внимание привлекает молодая дама в модном белом платье, собирающаяся сделать удар кием. За ней внимательно наблюдают люди, расположившиеся вокруг стола.

В правой части картины дамы флиртуют с кавалером, другая группа сконцентрировалась у кофейного столика, кормящие матери и играющие дети тоже заняты своими делами и не обращают внимания на игру. В колорите полотна преобладают нежные краски, женские фигуры в полупрозрачных платьях изящны и грациозны.

Интересно отметить, что бильярдом, любимой игрой казненного короля Людовика XVI, сначала увлекались исключительно мужчины. После революции нравы стали более свободными.

Основоположник французского неоклассицизма Жак-Луи Давид написал представленную картину по заказу князя Н. Б. Юсупова. Древнегреческая поэтесса Сафо была любимой героиней художников этого направления. Легенда повествует о том, что она влюбилась в красавца-моряка Фаона. Он каждый день на лодке уходил в море, а Сафо ждала его возвращения. Однажды возлюбленный не возвратился домой, и героиня в отчаянии покончила с собой, бросившись в волны бурного моря.

Картина от сюжета до одежд героев и мебели, которую живописец специально изучал по памятникам античного искусства, выдержана в духе классических образцов. Композиция полотна довольно статична и театральна, фигуры персонажей напоминают ожившие идеальные статуи. Мифологический элемент в произведении — Купидон, причем совсем не маленький пухлый мальчик, обычный для произведений барокко и рококо. Здесь в его фигуре явно читаются классицистические пропорции удлиненного тела. Крылатый бог любви протягивает Сафо лиру — символ поэтов, как бы намекая, что благодаря этому чувству создаются лучшие произведения.

Жан Огюст Доминик Энгр, общепризнанный лидер европейского академизма, вошел в историю французской живописи, прежде всего, как великолепный портретист.

В эрмитажном собрании Энгр представлен единственной работой — написанным во Флоренции портретом Николая Дмитриевича Гурьева, флигель-адъютанта Александра I, участника войны 1812, дипломата, чиновника Министерства иностранных дел.

Художник подчеркивает индивидуальность облика русского вельможи, выявляет в нем внутреннюю значительность и чувство собственного достоинства. Он акцентирует гордую позу и энергичный поворот головы, а эффектно перекинутый через плечо плащ делает портрет парадным. Точный рисунок в сочетании с тщательной моделировкой придает работе классическую чеканность форм. Однако необычная для академического портрета сложность личной характеристики модели, особое тревожное состояние, которое подчеркивает пейзажный фон со свинцовым предгрозовым небом, привносят в полотно черты романтизма, пришедшего на смену академизму и классицизму.

Густав Курбе — выдающийся французский художник, родоначальник реализма. В Эрмитаже среди других его работ выделяется «Пейзаж с мертвой лошадью». Курбе говорил, что живопись должна показывать те вещи, которые мастер видел или коснулся их.

Сюжет картины загадочен: в центре композиции на обочине дороги посреди чащи лежит туша мертвой белой лошади. Едва различима фигура человека, который убегает в глубь леса. Для зрителя случившееся остается тайной: было ли животное убито или человек здесь ни при чем, а просто является свидетелем несчастного случая? Современники отмечали смелость, с которой Курбе показал лошадь, совершенно не страшась шокировать публику. Мастер твердо решил отображать правду жизни, какой бы неприглядной она ни была.

Если мысленно убрать фигуры лошади и человека, пейзажный фон в представленной работе не потеряется, а, наоборот, будет пленить сочетанием теплых зеленых оттенков.

Эжен Делакруа — французский живописец и график, один из родоначальников романтического направления в европейском искусстве.

Полотно интересно сюжетом, новым для своего времени, необычайной красочностью и эмоциональностью изображения. Художник написал картину, в которой сумел живо передать свои впечатления от Марокко, через целых двадцать лет после путешествия в Африку.

Сцена охоты пронизана динамикой и энергией, буквально чувствуется напряженная атмосфера, царящая перед схваткой со львом. Делакруа выбирает не кульминацию события, а момент, предшествующий ей. Еще минута — грянет выстрел и начнется борьба. Цветовые соотношения наполнены контрастами красного, синего и зеленого. Природа, служащая фоном происходящему, не бесстрастна, она выступает одним из героев произведения. Во всем ощущается внутреннее движение: ствол дерева кажется перекрученным, бурлит и поднимается волнами даль, уходящая к горизонту, беспокойно переступает с ноги на ногу и вырывается лошадь. Подобная трактовка темы весьма показательна для художника-романтика. Путешествуя по Востоку, Африке, интересуясь культурой других стран, романтики привнесли в искусство новые, неизбитые сюжеты.

Оноре Домье — крупнейший французский художник-график, мастер политической карикатуры, живописец и скульптор. Если графические работы Домье наполнены иронией и сатирой, то в своих живописных произведениях он выступает как романтик, отдающий все симпатии своим героям.

Картина «Ноша» характеризуется истинно романтической напряженностью. Женщина и ее малолетний ребенок выбиваются из последних сил, преодолевая ярость стихии. Ветер почти сбивает их с ног, но они упорно продолжают идти вперед. Художник опускает лишние детали, оставляя лишь фигуры путников, объем которых подчеркнут широкой штриховкой. Живописец создает не иллюстрацию тяжести труда прачки, а монументальный образ драмы жизни. Женщина здесь — воплощение безысходности, а пейзаж суровым аккомпанементом вторит ее отчаянным движениям. Полотно выполнено в сумрачном, темном колорите, его характеризуют резкие контрасты светотени, обобщенные формы и экспрессивные линии. Сюжет был чрезвычайно важен для мастера. В различных музеях находится около десяти версий этого произведения.

Почти все творчество французского художника Жана-Франсуа Милле, как и братьев Ленен, посвящено крестьянам и их труду. Однако в персонажах живописца нет того спокойствия и уверенности, которыми обладали герои Лененов, их жизнь окрашена в более драматические и сумрачные тона. Обычно Милле пишет крестьян, занятых повседневной работой: они собирают в поле колосья и мотыжат землю, пасут стада или прядут шерсть. Автор неоднократно использовал сюжет с бедняком, согнувшимся под тяжестью вязанки с хворостом.

На картине «Крестьянки с хворостом» изображены две женские фигуры, медленно бредущие с огромными вязанками по лесной тропинке. Сумрачные тона определяют безрадостный настрой полотна. Окружающий пейзаж едва различим: темные вертикали деревьев, наваленные камни справа, ощущение холодного вечера — из этих деталей вырисовывается образ суровой природы. Крупные монументальные формы, обобщенный лаконичный рисунок, медленное и твердое движение — в работе нет и намека на сентиментальность, все выдержано в одном скорбном ключе.

Однажды Милле признался другу, что ему никогда не открывается светлая сторона жизни и он никогда не видел ее и не знает, что это. Именно эти слова художника невольно вспоминаются при взгляде на представленную картину.

Выдающийся художник-романтик Жан-Батист Коро был близок к барбизонской школе, хотя начал работать еще задолго до своих поездок в деревню Барбизон. Помимо пейзажей он писал картины на мифологические темы, декоративные панно, был прекрасным портретистом. Коро создал собственную живописную манеру, основанную на тонких соотношениях серебристо-серых и жемчужно-перламутровых тонов.

В картине «Пейзаж с озером» сквозь просвет в чаще леса открывается вид на озеро и далекую деревню. Ветви деревьев, сплетаясь, напоминают театральные кулисы. От краев холста по направлению к центру композиции изображены черные силуэты деревьев, которые постепенно становятся все более прозрачными и наконец растворяются в световом потоке. В этом пейзаже художник избегает всего, что может увести в сторону от созерцания красоты природы, он с удовольствием передает градации насыщенного зеленого цвета.

Пейзажам Коро свойственен искренний и тонкий лиризм. Каждое полотно мастер стремится наделить спокойствием и душевной чистотой. Его искусству чуждо состояние тревоги или грусти, произведения живописца композиционно уравновешенны и гармоничны.

Клод Моне — французский живописец второй половины XIX века, один из основателей направления импрессионизма в искусстве. В своих произведениях он стремился уловить неповторимость и изменчивость природы в определенный временной промежуток. Творчество Моне разнообразно, но любимой его темой являлись пейзажи, которые целиком создавались на пленэре.

«Дама в саду Сент-Андресс» относится к ранним работам Моне, в которых он любил изображать людей на фоне летнего пейзажа. Художник стремился сделать человеческую фигуру частью природы, то есть одного целого, окружить ее светом и воздухом. Живописец прекрасно передал ощущение яркого солнечного дня, под его кистью горят лепестки распустившихся цветов, сияет белый наряд женщины, переливается и колышется зеленая трава. В импрессионистической палитре мастера — исключительно чистые и звонкие цвета. Композиция картины не случайна, она предельно продумана для того, чтобы еще более усилить ощущение естественности запечатленного на холсте пейзажного мотива.

Один из самых знаменитых французских художников-импрессионистов, Эдгар Дега, как и его коллеги, был увлечен разнообразием и подвижностью городской жизни. Он стремился запечатлеть современный ему Париж в постоянно меняющихся видах и аспектах. Во многих произведениях живописца композиция обладает динамичной фрагментарностью кинокадра, ей свойственны неожиданные ракурсы, сочетания, кажущиеся случайностью с точным расчетом.

Картина «Площадь Согласия» была перевезена в Россию после Второй мировой войны из берлинского частного собрания. С одной стороны — это портрет, а с другой — типичная для импрессионистов жанровая зарисовка из жизни города. Главный герой — аристократ Людовик Лепик, художник и гравер, заядлый театрал, большой любитель собак и близкий друг Дега.

Мастер изобразил его вместе с двумя дочерьми и гончей. Персонажи пересекают площадь Согласия в Париже, за оградой, на заднем плане, видны сады Тюильри. Художник провокационно показал разнонаправленность движений отца и дочерей, как будто они не семья, а прохожие, случайно оказавшиеся рядом. В этом построении проявляется новаторство Дега: он мог написать движение, а позирование моделей ему было не нужно. Мастер поймал необычный ракурс, картина написана быстрыми и широкими мазками. Удивительное сочетание почти фотографически точного изображения момента и живописного воплощения движения создает образ вечности, стоящей за мгновением.

Крупнейший представитель французского импрессионизма, Пьер Огюст Ренуар очень много работал в области портрета. Его женские образы полны очарования и непосредственности. Блестящим примером является портрет актрисы театра «Комеди Франсез» Жанны Самари. Она изображена во весь рост на фоне японской ширмы, ковра и пальмы, специально принесенных художником в обычно пустую мастерскую для создания парадной обстановки. Ренуар едва наметил психологический рисунок своей модели, он с радостью перешел к передаче перламутровости ее кожи, пушистости легких рыжеватых волос, подведенных глаз и ярких приоткрытых губ. Как истинный импрессионист, Ренуар с удовольствием разбирает сложную цветовую гамму светлого платья актрисы, создает разнообразные по форме мазки золотистого, розоватого и сиреневатых тонов.

Эрмитажный портрет Жанны Самари не единственный в творчестве живописца, ее поясной портрет находится в ГМИИ им. А. С. Пушкина в Москве, а третий украшает фойе «Комеди Франсез».

Анри Фантен-Латур является известным французским художником и литографом второй половины XIX века. Его современниками были импрессионисты, однако живописец предпочитал работать в стиле, близком к реализму. Мастер известен групповыми портретами своих друзей — художников и писателей, а также цветочными натюрмортами. Фантен-Латур отдавал предпочтение «сочиненным» композициям.

Маленькая по размеру картина «Цветы в глиняной вазе» привлекает удивительной свежестью красок и непосредственностью восприятия автора. Полотно отличается точностью рисунка и утонченностью сочетаний приглушенных бело-серых и розовых тонов. Художник так мастерски выписал, буквально вылепил цветки, что они кажутся живыми. Несмотря на яркость и натуралистичность изображения, Фантен-Латур никогда не применял открытый цветной мазок, который использовали импрессионисты.

Живописец любил проводить лето в Бюре, а по возвращении в Париж привозил с собой любимые натюрморты с цветами. Представленная картина была написана как раз в один из таких летних сезонов. Художник подарил ее сестре, проживавшей в Варшаве. Она была замужем за русским офицером Яновским, а позже из его коллекции полотно оказалось в собрании Эрмитажа.

Эдгар Дега — один из представителей французского импрессионизма в живописи и графике. В противоположность своим коллегам он мало интересовался пленэром. Любимыми темами художника, в которых он очень узнаваем, были бега, скачки, жизнь балерин во время репетиций и выступлений, женщины за умыванием, певицы из кафешантанов. Через этих героев Дега решал свои художественные задачи: быструю смену движения, сложный ракурс и поворот силуэта, а также по-новому использовал технику пастели.

В Эрмитаже хранится одна из лучших «пастельных» работ мастера — «Причесывающаяся женщина» или «Женщина за туалетом». Молодая девушка, сидящая в сложной позе, изображена со спины. Тонкая моделировка тела, плавная, текучая линия силуэта и чистый светлый колорит картины пленяют зрителя. Дега использовал тончайшие нюансы однотонной, гладко растушеванной пастели, потом постепенно обогащал их другими оттенками и переходами, а под конец вводил яркие цветовые штрихи, подчеркивающие ту или иную форму.

Винсент Ван Гог — один из самых известных художников второй половины XIX века, представитель направления постимпрессионизма в живописи. При жизни он не был признан, фактически нищенствовал, а сегодня его полотна — гордость любого музея и удача для аукционного дома.

Второе название представленной картины относится к деревне Эттен в Голландии, где жили родители Ван Гога. Таким образом, на полотне появляется голландская крестьянка, ухаживающая за цветами, и капустное поле на заднем плане. Яркий цвет и красная тень на зонтике связаны с ослепительным светом Прованса. Полотно написано не с натуры, а по воображению. Все в нем плоскостно — и фигуры, и пейзаж. Пространство разворачивается не в глубину, оно идет параллельно плоскости холста отдельными зонами — творческий метод, заимствованный у японских художников. Внутри «зоны» насыщены стремительными осязаемыми мазками, создающими внутренний динамизм форм.

По эмоциональному строю «Арльские дамы» — произведение неоднозначное, весьма сложное. Несмотря на яркий колорит красок, картина вызывает у зрителя невольное чувство тревоги, усугубляемое печальными лицами идущих женщин. Работа написана в последние годы жизни художника, когда окружающий мир приносил ему только страдания.

Французский художник прославился как выдающийся мастер-постимпрессионист, работавший в области рекламного плаката и графики. Он принадлежал к старинному роду Тулуз-Лотреков. После детской травмы рост Лотрека прекратился по причине наследственного заболевания, возникшего из-за брака между родственниками. Не имея возможности вести полноценную жизнь, поступить на военную службу, молодой Лотрек нашел свое призвание в искусстве, начал заниматься графикой. Художник любил ярмарочные веселья, цирк, позже стал завсегдатаем монмартрских кабаре и публичных домов, обитатели которых были его моделями.

Картина «Женщина с зонтиком» имеет и другое название — «Глухая Берта в саду господина Фореста». Берта прибыла в Париж на заработки, но после неудачных поисков работы оказалась в публичном доме. Существует фотография, где она позирует художнику для этой работы. Одетая в нарядное муслиновое платье с кружевами, модель сидит в весеннем распускающемся саду. На ее голове — маленькая шляпка, в руках сжат зонт-трость. Произведение мастера отличается изысканным колоритом, здесь господствуют розовые, лиловые и голубые тона. Резко и графично изображено своеобразное лицо женщины. Картина написана экспрессивными мазками, положенными смело и свободно, но с чрезвычайной точностью.

Крупнейший представитель постимпрессионизма, французский художник Поль Гоген связал собственное творчество с далеким островом Таити. Свой идеал красоты он обрел в образе молодой таитянки с широкими плечами, сильным торсом, особенным абрисом лица, на котором выделяются пухлые губы, широкие крылья носа и удивительные миндалевидные глаза. Чтобы передать своеобразный мир, где человек и природа живут в гармонии, Гоген отошел от многих традиций европейской живописи. Он отказался от воздушной перспективы, светотеневой моделировки. Основными характеристиками его художественной манеры становятся декоративность и монументализм. В работах Гогена наблюдение за реальной жизнью и бытом народов Океании постепенно тесно сплетается с местными мифами. Держащая в руках плод манго таитянка написана красивым, изысканным золотисто-коричневым тоном. Возможно, моделью послужила первая таитянская жена Гогена, Техура. Пейзаж, как и фигура, трактован в картине весьма обобщенно. Пятна золотистого, красного, розового и зеленого цветов делают полотно похожим на декоративный красочный ковер.

Поль Сезанн — французский художник, ярчайший представитель постимпрессионизма. Несмотря на то что он творил одновременно с импрессионистами, живописцы шли разными путями. Мастера интересовали не только свет и цвет, он старался найти иные способы передачи форм и объектов. В отличие от импрессионистов Сезанн не стремился запечатлеть мгновение. Каждое свое произведение он писал чрезвычайно долго, неоднократно возвращаясь к определенным мотивам.

В последнее десятилетие жизни художник часто изображал сидящих моделей. Статичная, неподвижная поза была нужна ему, так как он относился к фигуре человека как к предмету. Его интересовал не характер модели, а ее форма и цветовое решение на холсте. Зеленоватым оттенком он, как скульптор, объемно лепит фигуру и расставляет рефлексы цвета на руках мужчины. Сезанн не прописывает глаза курильщика, оставляя вместо них темные пятна краски. Абстрагируясь от бытовых аспектов, он развивает тему отрешенности от повседневной суеты.

Французский художник-символист Морис Дени наряду с П. Боннаром и Э. Вюйаром являлся основателем группы «Наби» («Пророки») и ее основным теоретиком.

По совету Александра Бенуа эта картина была куплена Петром Щукиным для личной коллекции произведений искусства. На представленном полотне Дени запечатлел трех юных дев в прозрачном весеннем лесу. Две из них сбросили свои одежды и собирают букеты, третья еще облачена в белое платье. Подобные изображения молодых женщин в роще связывались с темой весны, пробуждающейся после зимы природы, будущего цветения и любви. Работы символистов не могут быть трактованы однозначно. Возможно, девушки — это три грации, олицетворяющие Красоту, Любовь и Удовольствие. Дени было свойственно преклонение перед женщиной, в его картинах они даже обнаженные выглядят целомудренными и идеализированными. Подобный подход к изображению женских образов служил основанием для сравнения полотен художника с фресками Фра Анджелико. Картина живописца отличается простыми формами, мягкостью линий и плавными красочными переливами розового и голубого тонов.

Французский живописец и график Одилон Редон является одним из самых интересных, ни на кого не похожих художников-символистов. В своих работах он неоднократно изображал цветы, но они — не просто натюрморт. У Редона цветы наделены душой, они живут и страдают. Каждый цветок, написанный мастером, — нечто живое, обладающее собственным характером, хранящее свою нежную тайну. Часто изображение букетов соседствует на его пастелях и рисунках с женскими образами.

В представленной картине радужные и дымчатые цвета пастели создают ощущение ирреальности, некой загадочности. Простые полевые растения и таинственное женское лицо составляют букет, они неотделимы друг от друга. Возможно, этот грустный лик и есть душа цветка, то ароматное существо, восхитительное порождение света? Редон заставляет зрителя задуматься, искать разгадку его искусства.

Мистическое направление символизма подразумевало множество толкований, а мир, нарисованный художником, и по сей день продолжает хранить свои секреты.

Основоположник кубизма, Пабло Пикассо много работал как график, скульптор, керамист. Своим творчеством он оказал большое влияние на развитие изобразительного искусства XX века и породил массу подражателей.

Представленная картина «голубого периода» была написана Пикассо во время повторной поездки в Париж. Тема одинокого, сидящего в кафе человека была заимствована мастером у Анри де Тулуз-Лотрека, но в работе испанца она звучит с особым драматизмом, выраженным в лаконичной форме. Одинокая женская фигура в голубом сидит за столиком в кафе перед штофом и рюмкой с абсентом. В позе любительницы абсента, выражении ее лица чувствуется отверженность. Смелая деформация в изображении фигуры, замкнутой в собственное объятие и задвинутой в угол, усиливает остроту образа. Стены грязновато-красного тона и голубоватый столик сжимают пространство вокруг женщины, замыкают ее в безысходном одиночестве. Пикассо наполняет образ внутренним напряжением, и суровая, холодная тональность полотна создает ощущение полной отрешенности от мира. Эта картина — не конкретный портрет, а обобщенный образ одинокого, смирившегося со своей судьбой человека.

Великий французский скульптор Огюст Роден в попытке запечатлеть мгновение был близок к импрессионистам, однако его искусство вполне вписывается в стилистику модерна.

Эрмитажная скульптура «Ромео и Джульетта» выполнена в духе знаменитых роденовских работ — «Вечная весна» и «Поцелуй». Экспрессия фигур влюбленных сравнима с легкими барочными скульптурами итальянца Джованни Бернини. Роден сумел зафиксировать момент, когда тела слившихся в прощальном поцелуе возлюбленных составляют одно целое. Еще секунда — и Ромео разорвет жаркие объятия, спрыгнет с балкона и скроется в ночной тьме. Скульптор не дает четкой границы формы, ясного перехода фигур. Он создает впечатление обволакивающей группу воздушной среды. Поражает обработка мрамора — он кажется легким, невесомым и одновременно живым, что достигается сочетанием разнообразных техник отделки поверхности скульптуры. Творчество Родена оказало значительное влияние на направление ар-нуво, предвосхитив его. Некоторые работы Рене Лалика в стекле навеяны шедеврами мастера.

Нидерландский художник Кес ван Донген большую часть жизни прожил во Франции. Он является одним из основоположников нового направления в живописи — фовизма. Произведения фовистов называли «дикими», такое впечатление на современников производил яркий, кричащий цвет, буквально вырывающийся с полотен.

«Красная танцовщица» относится к лучшим образцам раннего творчества ван Донгена. На картине изображена танцовщица Нини, выступавшая в кабаре «Фоли-Бержер». «Кричащий» оранжево-красный цвет, заливающий половину холста, придает ему особый эмоциональный настрой. Разные по размеру и форме динамичные мазки широко и обобщенно передают вихрь закрутившейся юбки.

Небольшое зеленое пятнышко на белой подвязке усиливает воздействие локального красного цвета. Помимо кабаре персонажей многих своих полотен живописец находил в цирке Медрано на Монмартре. Непризнанный широкой публикой в начале карьеры, в 1920-е ван Донген стал успешным художником. Свои портреты ему заказывали известные артисты, писатели и даже политические деятели.

Ученик знаменитого художника-символиста Густава Моро, Шарль Герен оттачивал собственное умение, занимаясь копированием картин старых мастеров в Лувре. В своих произведениях он не отходит от узнаваемых форм, не экспериментирует. Живописец изображает моделей в спокойной, часто камерной обстановке, палитра его работ мягкая и гармоничная, в ней нет кричащих цветов.

Обнаженная модель на представленной картине спокойно позирует художнику, совершенно не смущаясь обстановки и полного отсутствия одежды, кроме большой черной шляпы. Контурная линия синего цвета подчеркивает и выделяет бело-розовую кожу натурщицы. В этой работе Герена чувствуется влияние декоративных работ Мориса Дени, а цветовой строй полотна напоминает произведения Поля Сезанна с его изысканной сине-голубой тональностью. Известный любитель искусства С. И. Щукин неоднократно приобретал картины Герена в свое собрание.

Лидер течения фовистов, французский живописец и скульптор Анри Матисс в своих работах стремился через яркий цвет и упрощенную форму передать настоящие эмоции.

Монументальную композицию «Красная комната» мастер называл «декоративным панно». Оно было заказано для столовой московского особняка известного русского коллекционера и мецената Сергея Ивановича Щукина. Художник начинал писать полотно как «Гармонию в голубом», взяв за образец декоративную ткань с голубыми узорами. Однако накануне осеннего Салона 1908 в Париже Матисс неожиданно кардинально переписал его, объяснив это тем, что оно показалось ему недостаточно декоративным и в красном цвете все выглядит значительно красивее.

Ткань красно-малинового тона с энергичными изгибами синего узора спускается со стены и овладевает плоскостью стола, образуя с ним единое целое. Чистый красный цвет поглощает пространство комнаты и женскую фигуру, плоскость холста превращается в декоративную поверхность. Но художник углубляет холст, вводя мотив окна, за которым открывается зеленый сад с цветущими деревьями.

Картины Матисса похожи на яркие декоративные ковры. Цвет для него является основным выразительным средством, красный на полотне словно излучает жизненную энергию, несет заряд радости и оптимизма.

Панно «Танец» (вместе с «Музыкой») Анри Матиссу заказал С. И. Щукин для украшения лестницы особняка в Москве. Перед отправкой в Россию оно выставлялось на осеннем Салоне и вызвало скандал: устроители и зрители называли художника сумасшедшим, досталось и заказчику, которого обвинили, что он собирает мусор. Наставник Матисса Густав Моро предсказывал, что ученик «упростит живопись». Прием упрощения и схематизации фигур, где одна линия передает форму фигуры, наглядно присутствует в «Танце». На картине изображен хоровод пяти обнаженных людей, которые, взявшись за руки, танцуют на вершине холма. Яркое звучание трех цветов — красного, синего и зеленого — усиливает впечатление зрителя от монументального полотна, передает ощущение динамики. Художник кладет краски крупными пятнами, обводя их четкими контурами, отказываясь от светотеневой моделировки объемов и передачи глубины пространства. Композиционные ритмы картины безупречно отлажены и содержательны. Напор и мощь, заключенные в чистых красках, передают вырвавшиеся на поверхность чувства и страсти. Мотив хоровода многократно повторялся в европейском искусстве, у Матисса же он становится воплощением ритма и экспрессии XX века.

Глава группы «Наби» («Пророки»), французский живописец Пьер Боннар любил писать средиземноморские и парижские пейзажи, натюрморты, бытовые сценки и интерьеры в мягких, лирических цветах. Он выработал собственную манеру письма с ярко выраженной декоративностью, значительную роль в которой играет передача пространства, освещения и объема. В 1911 известный московский коллекционер И. А. Морозов заказал Боннару серию панно для парадной лестницы своего особняка на Пречистенке. Триптих занимал торцовую стену лестницы.

Согласно замыслу художника, композиция делилась белыми полуколоннами на три части. Перед зрителем раскрывается сверкающий средиземноморский пейзаж, видимый словно сквозь античный портик. Композиция построена по классической схеме — с тремя планами. Горячим ослепительным солнцем залита площадка перед виллой. Со всех сторон она окружена деревьями и лишь в глубине, в просвете между ними, виднеется лазурное море. В тени деревьев, скрываясь от зноя, девочка в белом платье играет с котенком (левая створка триптиха), женщина на правой створке разговаривает с попугаем, двое малышей на центральной копошатся в песке. Но фигуры не отвлекают внимания зрителя от главного героя — окружающей их роскошной и яркой южной природы. Большую часть композиции занимают громадные стволы и кроны деревьев, их буйная зелень салатных, желтых и серебристых тонов задает колорит триптиха. Работая над панно, художник обобщил цвет. Боннар использует десятки оттенков зеленого и желтого, лилового и розового, коричневого и голубого, но избегает пестроты. Мелкие раздельные мазки создают впечатление вибрации света. Средиземноморский триптих показывает выдающийся живописный талант мастера и раскрывает его как изумительного колориста.

Французский живописец Андре Дерен начал свой творческий путь на рубеже двух столетий. Он был одним из наиболее инициативных членов группы фовистов, увлекался сезаннизмом, дружил с Матиссом и Пикассо, приобщившим его к кубизму. Дерен также черпал вдохновение в работах старых мастеров и самой природе.

В «Пейзаже с лодкой у берега» художник возвращается к классической простоте композиции. Картина весьма условно передает пейзаж, но вместе с тем она вдохновлена им. Дома, построенные из местного камня, деревья, прибитые к берегу лодки передают характер местности приморских Альп. Художник специально уменьшил количество цветов на своей палитре, оставив лишь желтоватые, коричневые, серо-голубые и зеленые, чтобы воспроизвести гамму этой солнечной местности. В расположении домов, деревьев и даже травы чувствуется влияние кубизма. Однако более всего в картине ощущается воздействие старых мастеров — примитивистов итальянской сиенской школы.

Подвески были широко распространены в XVI–XVIII столетиях, являясь украшением костюма или служа амулетом.

Подвеска «Каравелла» — одно из интереснейших произведений ювелирного искусства Испании XVI века в собрании Эрмитажа. Пять изумрудов составляют крест, к которому золотыми цепочками прикреплена испанская каравелла. Ее корпус выточен из большого колумбийского изумруда глубокого зеленого цвета. Парус, мачты и контур корабля украшены белой и черной эмалью. На корме судна тонко прочеканены золотые арабесковые узоры. Общий вес всех использованных ювелиром изумрудов составляет 190 карат!

Мотив плывущего корабля выбран не случайно: в Европе и особенно в Испании это было связано с эпохой великих географических открытий.

В конце XVI столетия главным художественным центром Испании становится королевский двор с резиденциями в Мадриде и Эскориале. При нем начинает работать основоположник испанской живописи XVII века Франсиско Рибальта, впоследствии переехавший в Валенсию и прославившийся там. Работы мастера редко встречаются в музеях за пределами Испании.

В Эрмитаже находится самое раннее подписанное и датированное произведение художника — «Пригвождение к кресту». В изломанных фигурах, нарочитых жестах прослеживается влияние итальянского маньеризма. Драматизм событий подчеркивается мрачным сумрачным колоритом, а резкие светотеневые контрасты выделяют основных действующих лиц: полуобнаженную фигуру Христа, а также спины, руки, уродливые лица его мучителей. Пейзажный фон с тяжелым предгрозовым небом указывает на приближающуюся трагедию. Рибальта одним из первых испанских художников стал использовать световые находки Караваджо.

Придворный художник Алонсо Санчес Коэльо — родоначальник испанского парадного портрета. Персонажи его полотен статичны, они согласно традиции сдержанны и чуть надменны.

Каталина Микаэла была младшей дочерью короля Испании Филиппа II. Представленный портрет показывает еще совсем молодую, примерно шестнадцати лет, девушку на строгом темном фоне. Она холодна и спокойна, как и положено по правилам придворного этикета. Накрахмаленный кружевной воротник, тяжелое одеяние, расшитое золотом и серебром, сковывают движения, но тщательно выписанные детали костюма сочетаются с цельной характеристикой модели. За внешней замкнутостью художник смог разглядеть изящество и очаровательную женскую грацию.

Выйдя замуж за Карла Эммануила I Савойского, инфанта навсегда покинула родину. Родив мужу десятерых детей, Каталина Микаэла умерла, едва достигнув тридцати лет.

Талант испанского живописца Хуана Пантохи де ла Крус особенно проявился в области парадного портрета времен Габсбургов. Придворный живописец не должен был исследовать эмоции и передавать внутренние переживания изображенных на его полотнах людей, которые вальяжно позируют, показывая свое высокое положение и богатство.

Однако «Портрет Диего де Вильмайора» привлекает к себе внимание особой выразительностью и правдивой передачей образа. Семнадцатилетний юноша из знатной семьи предстает перед зрителем в изящных доспехах из вороненой стали с золотым орнаментом и в пышном плиссированном воротнике — явном признаке светского костюма, одетого для появления при дворе, а не военных походов. На груди героя висит рыцарский орден Алькантара. Драгоценности и нарядные мелочи подчеркивают правдивую характеристику уверенного в своей значимости испанского гранда. В его образе — вся аристократическая Испания времен Филиппа III Габсбурга.

Бартоломе Мурильо, видный мастер испанской школы XVII века, пользовался большим успехом у современников и даже был провозглашен капитулом Севильского собора лучшим живописцем города. Художник писал религиозные и небольшие бытовые сценки, но особенно любил изображать детей. Иногда он писал их группами или по двое, а иногда в одиночку, как на картине «Мальчик с собакой».

Художник не идеализирует своих персонажей, при всем обаянии мальчика его веселое лицо простонародно, а костюм — простой и бедный. Ребенок имеет ярко выраженные национальные черты, проявляющиеся в позах, движениях, жестах. Взгляд его плутоватых глаз, выражение лица и повадки дышат жизнью. Мурильо проявил себя и как прекрасный колорист: сочетание голубого неба и мягкого желтого тона жилета мальчика, темный глубокий цвет куртки и холодные, немного перламутровые тона кожи создают изысканную цветовую гамму. В отличие от произведений многих своих коллег работы живописца весьма ценились. Особенно нравились его жанровые сценки, которые сейчас хранятся во многих музеях мира.

Уроженец Крита, Эль Греко относится к испанской школе живописи. Узнаваемый стиль художника-маньериста отличают ослепительные вспышки света, подчеркивающие фактуру ткани и ее складки, удлиненные пропорции фигур, преувеличенная экспрессия поз и движений, драматическая острота образов, нервная линеарность рисунка, колористические диссонансы.

Изображение апостолов Петра и Павла в трактовке Эль Греко — это противопоставление двух натур и темпераментов. Павел умен, категоричен и беспощаден, решителен и эмоционален. Одна рука лежит на книге Святого Писания, указующий жест другой как бы подтверждает написанные им проповеди христианской веры. Контрастом ему выступает апостол Петр. Он — весь в сомнениях и размышлениях. Кроткий, нерешительный взгляд говорит о колебаниях и внутреннем разладе. Интересно сопоставление рук обоих апостолов — твердой сильной руки Павла и мягкой, просительной — Петра. Подобная трактовка образов евангелистов была находкой Эль Греко, она значительно отступала от норм существовавшей церковной традиции в Испании.

Придворный живописец короля, дон Диего де Сильва Веласкес наравне с портретами венценосных особ и высокородных грандов писал и простых людей: крестьян и солдат, завсегдатаев трактиров в жанре «бодегонес» («кабачок, трактир»). С особым чувством художник создает небольшие сценки из жизни народа, которые были характерны для раннего периода его творчества.

В картине «Завтрак» угадывается влияние итальянца Караваджо, что сказывается как в выборе сюжета, так и в использовании резкого контрастного освещения и светотеневой моделировке фигур. Веласкес изобразил двух веселых юношей, возможно, солдат, пригласивших в свою компанию старика-бродягу. Подобные сцены и типажи часто повторяются в творчестве художника. Произведение построено на контрасте молодых, полных энергии жестикулирующих юношей с более спокойным, умудренным жизнью стариком, внимательно их слушающим. Это сопоставление тем не менее подано весьма тактично и ненавязчиво. Натюрморт на переднем плане отличается строгостью и скупостью предметов, что было присуще испанским мастерам. Существует предположение, что в образе сидящего справа молодого человека художник изобразил себя.

Работая при дворе Филиппа IV, Веласкес неоднократно писал портреты короля и членов его семьи. Не раз позировал ему и главный министр двора, в чьих руках двадцать три года находилась почти неограниченная власть над Испанией. Дон Гаспаро де Гусман, граф Оливарес, герцог Сан-Лукар де Барракудо представлен Веласкесом на фоне серовато-оливкового фона, его костюм подчеркнуто скромен — черная одежда с белым воротничком. Из этого темного обрамления выступает мясистое лицо Оливареса, усы и бородка лишь частично закрывают оплывшие щеки и подбородок. Тяжелый, массивный нос нависает над сжатыми губами, а черные волосы подчеркивают большой выпуклый лоб. Совсем другое впечатление производят умные и проницательные глаза. Они выдают во внешне спокойном человеке натуру со стальным характером. Работа создана в 1630-е, когда Веласкес писал скромные погрудные изображения, уделяя в них особое внимание раскрытию внутреннего мира портретируемых.

Франсиско де Сурбаран относится к плеяде испанских художников XVII века. Его творчество, несмотря на религиозную тематику, весьма реалистично. В изображениях святых и монахов он передавал реальные человеческие переживания и чувства, которые подмечал у молящихся в соборах родной Севильи.

В «Отрочестве Мадонны» образ маленькой Богоматери притягивает своей необычайной чистотой и невинностью. Перед нами — испанская девочка с милыми чертами лица, но в образе Марии художник передал что-то отличающее ее от простого ребенка. Трогательная кротость, с которой она устремила глаза в небо, и лицо, озаренное сверху светом, говорят об ее избранности и покорности будущим испытаниям. Фигура Марии в ярком красном платье с зеленой накидкой выделяется на темном фоне, как будто луч божественного света указал на нее, выбрал среди других дев. Сюжет, известный так же как «Юность Марии», взят художником не из Евангелия, а заимствован из апокрифических сказаний о жизни Мадонны.

Антонио Переда — видный живописец мадридской школы, испытывавший влияние Веласкеса. Он писал картины на исторические и библейские сюжеты, но большую известность приобрел благодаря своим натюрмортам.

В представленной работе предметы расставлены так, чтобы зритель мог полюбоваться и как следует рассмотреть их формы и замысловатый декор. В произведении нет места случайности, почти обязательной во фламандском натюрморте, все разложено в определенном строгом порядке. Центральное место занимает большой ларец черного дерева, выложенный пластинками белой кости. Из открытого ящика ларца свешивается кусок пестрой ткани, затканной ярким народным орнаментом. Разнообразные керамические изделия расположены на ларце и вокруг него: красная ваза с лепным орнаментом, сосуд с орнаментальной росписью, в которой заметна крылатая женская фигура, и другие, менее парадные сосуды. Переда тщательно выписывал такие детали, как обломанный край у фаянсового кувшина или потертость поливы на расписном узоре, следы времени на ткани. Художник вводит в картину интересную деталь — пузатую стеклянную банку, наполненную прозрачной водой. Тут же лежат кусок сыра, бисквиты и пирожные, аккуратно разложенные на куске белой бумаги. Старательно передавая цвет каждого отдельного предмета, мастер не стремился прийти к одной общей гамме произведения в целом, однако это сделало натюрморт очень нарядным и привлекательным.

Испанский живописец и гравер Франсиско де Гойя — один из первых и наиболее ярких мастеров искусства эпохи романтизма. Будучи придворным художником короля, он неоднократно писал портреты венценосной семьи и высшую аристократию. Единственная картина работы Гойи в России находится в коллекции Эрмитажа.

На погрудном портрете мастер изобразил актрису Антонию Сарате в белой чалме, украшенной луной, вероятно, она представлена в одной из ролей. Тревожный взгляд усталых темных глаз приковывает внимание зрителя. Холодный свет подчеркивает бледность прекрасного лица, обрамленного густыми кудрями. Он озаряет светло-серебристое платье и легкую косынку актрисы, играет бликами на наброшенной на плечи накидке с горностаевым мехом. Портрет был написан незадолго до кончины Антонии Сарате, умершей от туберкулеза.

Это произведение по настроению и характеру передачи внутреннего состояния человека является одним из лучших портретов эпохи романтизма.

Святой Николай Чудотворец (Николай Угодник) с древности был одним из самых почитаемых на Руси святых, покровительствующих путешественникам, мореплавателям и детям.

Неизвестный русский мастер написал святого Николая в епископском облачении, с белым омофором и черными крестами на нем. Насыщенный красный цвет фона указывает на то, что икона была создана в Новгородской, северной иконописной школе. Левой рукой святой поддерживает Священное Писание, правая рука застыла в благословляющем жесте. Лик святого — образец духовной силы и христианского целомудрия. Особое значение имеют широко раскрытые глаза, через них иконописец показывает святость изображенного, его светоносность. Подобный акцент на глазах создает эффект, будто не зритель смотрит на икону, а наоборот.

Икона с изображениями ветхозаветных пророков Соломона и Иезекииля первоначально помещалась в иконостасе, который в русской православной церкви отделяет алтарь от основного помещения. В четвертом «пророческом» ряду, над «праздничным» рядом, находятся иконы ветхозаветных пророков со свитками в руках. Пророки — посредники между высшими силами и человечеством, они предсказывали появление Богородицы и рождение Иисуса Христа. В руках у Соломона и Иезекииля — свитки со священным текстом. Соломон изображен как царь, в нарядной одежде и с короной на голове. Золотофонная икона была написана московским мастером в начале XVI века. Трактовка лиц и фигур святых проповедников отличается мягкой линией, ей характерен особый лиризм, что является одной из особенностей иконописной школы того времени. Подобные изображения появились в русском искусстве в начале XV века и были во многом связаны с именем Андрея Рублева.

Выдающийся русский гравер Петровской эпохи Алексей Федорович Зубов учился и работал у Адриана Шхонебека в Оружейной палате в Москве.

Насыщенная деталями и персонажами гравюра со сценой свадьбы Петра I и Екатерины I представляет зрителю большой зал, стены и потолок которого украшены вытканными гобеленами, зеркалами и коврами. Многочисленные столы поставлены друг за другом в форме замкнутой буквы О. На первом плане между дамами в полуобороте сидит Екатерина I, на втором — Петр I и Александр Меншиков, бывший на свадьбе церемониймейстером. Все изображенные одеты по европейской моде, на западный манер. Дамы — в изящных платьях-робах с башнеобразными прическами, мужчины — в кафтанах и париках. Через открытые боковые двери видны другие столы, за которыми сидят остальные гости. Все представлено торжественно и парадно.

Гравюра не имела подписи, но была отпечатана в Петербургской типографии, где в это время работал единственный мастер — Алексей Зубов. Интересно, что в качестве образца он выбрал работу своего учителя «Свадьба Феофилакта Шанского во дворце Лефорта».

Ивана Никитича Никитина можно смело назвать основателем русской портретной школы XVIII века. Его ранние работы, к которым относится портрет дочери Петра I, Елизаветы, обнаруживают следы парсуны, бывшей единственным стилем портрета в России в XVII веке. Придворный художник Петра I одним из первых русских мастеров отошел от традиционного иконописного стиля русской живописи и начал писать картины с использованием перспективы.

В портрете будущей императрицы ощущается некоторая скованность в изображении фигуры, ярко выступающей на черном фоне — наследие парсунного портрета, плоскостность в передаче костюма. Однако образ трехлетней девочки полон обаяния. Ясно чувствуется стремление художника показать не только внешнее сходство, но и настроение, раскрыть внутренний мир модели. Пышный парадный костюм ребенка — тяжелое платье с декольте, горностаевая мантия на плечах и высокая прическа взрослой дамы — дань требованиям времени, которым при дворе должны были следовать даже малые дети.

Портреты Никитина представляют целую галерею людей и типов бурной Петровской эпохи.

Федор Степанович Рокотов — один из величайших русских художников-портретистов второй половины XVIII века. Парадный портрет императрицы Екатерины Алексеевны был написан им на основе портрета шведского художника Александра Рослина. По оригиналу Рокотов воссоздал образ императрицы в молодом возрасте: гладкое белое лицо, отсутствие морщин, глубокое декольте, прикрываемое в зрелом возрасте. У Рокотова Екатерина II — владычица империи и женщина в расцвете лет. Властно сжимая в руке скипетр, она повелительным жестом указывает в сторону императорских регалий и бюста Петра I с начертанным над ним девизом «Начатое совершает». Работа исполнена в серебристой гамме, градации цвета подчеркивают белизну и свежесть лица, выделяющегося на темном фоне. Портьеры торжественно-красного цвета указывают на особый статус модели.

До 1918 портрет находился в Романовской галерее Малого Эрмитажа.

Степан Семенович Щукин — один из крупнейших портретистов России конца XVIII — начала XIX века.

Портрет Павла I примечателен тем, что никто ранее не изображал так императорскую особу. В центре полотна на гладком пустом серо-зеленом фоне изображен царь в мундире Преображенского полка с голубой Андреевской лентой, на голове — большая черная треуголка. Отказавшись от театральной постановки с многочисленными аллегориями и атрибутами, Щукин выбрал единственно верный путь передачи внутреннего одиночества императора, скрытого под маской «сурового вестника власти». Сдержанный по исполнению портрет императора был написан в период траура по случаю кончины Екатерины II.

Правление Павла I было недолгим и завершилось 12 марта 1801, когда он был убит в Михайловском замке.

Искусство портретной миниатюры на кости достигло своего расцвета в XVIII — первой половине XIX века. Маленькие изображения — прообразы современной фотографии — были настолько популярны, что в Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге даже существовал отдельный класс, где обучали этому трудоемкому ремеслу. Павел Алексеевич Иванов сначала сам учился в Академии, а после почти десять лет возглавлял упомянутый класс.

На портрете изображен Михаил Михайлович Сперанский — юрист, государственный деятель времен Александра I, автор «Плана государственного образования». Он показан в трехчетвертном повороте на нейтральном голубоватом фоне одетым в черный сюртук. На ленте висит орден Владимира 3-й степени, в руках Сперанский держит книгу и всем своим немного надменным видом показывает, что оторвался от увлекательного чтения только ради этой работы художника.

При кажущейся простоте искусство портретной миниатюры требовало большой аккуратности и терпеливости, ведь изображение формировалось из сотен тонких, не видимых с расстояния мазочков кисти. Произведения, написанные на пластинке слоновой кости, чрезвычайно хрупки. Возможно, поэтому работ Иванова сохранилось немного.

Русский акварелист и литограф Василий Семенович Садовников в своих многочисленных работах изображал виды Санкт-Петербурга. Крепостной княгини Н. П. Голицыной, Садовников в числе домашней челяди жил в ее петербургском доме и наблюдал с детства жизнь столичного города.

Акварель «Арка Главного штаба» восхищает точностью, с которой художник запечатлел один из красивейших уголков Петербурга. Он выбрал интересный ракурс, показывающий вид с Большой Морской улицы через арки на Дворцовую площадь с колонной Михаила Архангела. В этой работе проявились главные особенности творчества мастера: точность и документальность в изображении городского пейзажа, не лишенного, однако, поэтического настроения. Но Садовников интересуется не только архитектурой, в его акварелях Петербург — живой город: прогуливаются нарядно одетые дамы, мчатся запряженные сани, точно переданы люди разных сословий. Творчество художника — прекрасный исторический документ, он живо и легко показал городскую жизнь эпохи правления Николая I.

Эдуард Гау — русский художник середины XIX века, уроженец Ревеля, прославившийся прекрасными акварельными портретами современников середины XIX века. Кисти Гау принадлежат и многочисленные акварельные изображения интерьеров Эрмитажа и Зимнего дворца, представляющие большую ценность для истории русской культуры. Работа «Виды залов Зимнего дворца. Кабинет императрицы Александры Федоровны» поражает легкостью и четкостью передачи всех деталей насыщенного интерьера. С фотографической точностью изображены росписи голубого потолка с женскими фигурами, обтянутые красным шелком стены с висящими на них копиями картин Рафаэля, замысловатый узор цветастого ковра и обивки мебели. «Кабинет императрицы» — пример частного жилого интерьера середины XIX века, полностью отображающий вкус венценосной хозяйки и модные веяния того времени. Работа художника служит наглядным пособием по оформлению пространства в стиле «бидермайер».

Широко распространившаяся во второй половине XIX века фотография постепенно вытеснила подобные акварельные произведения.

Прославленный художник-маринист и баталист Иван Константинович Айвазовский, армянин по происхождению (Айвазян), большую часть жизни работал в России. Его творческое наследие огромно, а популярность произведений лишь растет. В своих морских пейзажах живописцу удавалось воссоздать величественные картины борьбы кораблей со стихиями, грозные баталии, прелесть штиля и поэтичные ночные морские виды.

В картине «Корабль среди бурного моря» ясно читается романтический характер работы. Прошедшая буря нанесла непоправимый ущерб кораблю, его канаты перепутались и безвольно повисли среди мачт. Судно скрипит и стонет, еще держится на плаву, но жестокие волны постепенно сломят сопротивление и увлекут его ко дну. Осиротевший корабль в спешке покидают сидящие в шлюпке люди, отчаянно гребущие к берегу. Грозовое небо не до конца распогодилось, чуть проблескивают лучи солнца, озаряя холодную и пенящуюся поверхность морской глади. Зритель видит сквозь безбрежные просторы голубых волн обломки погибших кораблей. С каждым мазком мастера полотно становится все более драматичным.

Айвазовский — подлинный художник, влюбленный в природу и бескрайнее море.

Русский живописец и рисовальщик Иван Николаевич Крамской был разносторонне одарен. Он работал как мастер жанровой, исторической и портретной живописи, являлся видным художественным критиком. Обучаясь в Императорской Академии художеств, Крамской возглавил «Бунт четырнадцати» художников, отказавшихся писать выпускную работу на тему скандинавской мифологии и просивших выбрать тему самостоятельно. Позже он стал одним из основателей и идеологов Товарищества передвижных художественных выставок (Товарищества передвижников). Талант Крамского-портретиста высоко ценили и монаршие особы. В 1880-е ему был заказан портрет императрицы Марии Федоровны, супруги Александра III.

Великолепный парадный портрет показывает еще достаточно молодую, хрупкую императрицу в жемчужном уборе. Восхитительные драгоценности не затмевают тонко прописанное волевое лицо правительницы, на долю которой выпали и годы семейного счастья, и страшные потрясения, связанные с гибелью детей и внуков в революционное время.

Константин Егорович Маковский начинал свою художественную карьеру как участник Товарищества передвижников, выставляясь с картинами на тему повседневной жизни народа. Однако со временем его интересы поменялись, и с 1880-х он стал успешным салонным портретистом.

Образы детей, трогательные и нежные, — одна из наиболее сильных сторон творчества живописца. Мария Николаевна являлась третьей дочерью императора Николая II и императрицы Александры Федоровны. Четыре сестры были дружны между собой, но всеобщей любимицей считалась именно Мария. Глядя на картину Маковского, кажется, что девочка в легком белом платье, прижимающая к себе куклу, лишь на минуту присела попозировать художнику. Еще мгновение — и она соскользнет с большого кресла и помчится играть к своим сестрам. Воспитатель царских детей писал, что Мария отличалась крепким здоровьем и добросердечием, была красавицей, хотя немного крупной для своих лет, за что родственники в шутку называли ее «доброй толстой Туту». Однако княжна на них нисколько не обижалась.

Судьба юной девушки была трагична. В июле 1918 Мария вместе со всей императорской семьей была расстреляна большевиками в Екатеринбурге.

Первые навыки рисунка, основы живописи и фотографии Андрей Андреевич Карелин получил у отца, всемирно известного фотографа, мастера светописи Андрея Осиповича Карелина. Творческое наследие художника составляют преимущественно исторические полотна и портреты.

Митрополит Санкт-Петербургский и Ладожский, Антоний (в миру Александр Васильевич Вадковский) запечатлен художником в камерной, домашней обстановке, на религиозный статус модели намекает лишь мраморная голова Спасителя в терновом венце, стоящая в углу на колонне. С фотографической точностью Карелин выписывает лицо и задумчивые глаза митрополита, тщательно прорисовывает каждый волосок седой бороды. Светские и церковные награды — панагия, наперстный крест духовного лидера — свидетельствуют о признании и уважении его дел государством и церковью. Владыка отличался скромностью и трудолюбием, он был терпеливым и незлопамятным человеком, расположенным ко всем страждущим. Известны его многочисленные духовные книги. Митрополит также занимался описанием рукописей и старопечатных книг Соловецкого монастыря.

Чрезвычайно разнообразно творческое наследие Василия Васильевича Кандинского, основоположника абстракционизма, одного из создателей группы «Синий всадник». Он работал как живописец, график, оставил теоретические работы об изобразительном искусстве.

Композиция VI создана художником во время пребывания в Мюнхене, где он вместе с немецким живописцем Францем Марком основал упомянутое объединение. Кандинский хотел назвать картину «Потоп». Беспредметная живопись в этой работе раскрывается через драматическое воздействие линий и смягчается розовыми пятнами различных оттенков. Им противостоят глубокие коричневые формы (слева вверху), напоминая о безнадежности и бренности всего земного. Клубящиеся массы материи бурлят, словно волны штормового моря. Зеленые и желтые цвета освещают полотно, как зарницы, создавая впечатление грандиозной катастрофы вселенского масштаба. В полотне чередуются сочетания гладких и шероховатых участков.

Об авторе произведения — Елене Никандровне Клокачевой — известно немного: обучалась в Императорской Академии художеств, по окончании которой получила звание художника. Ее наследие известно в основном благодаря портрету «старца», Григория Ефимовича Распутина.

Распутин, происходивший из крестьян Тобольской губернии, имел неограниченное влияние на императрицу Александру Федоровну и Николая II, так как он, обладая силой внушения, единственный мог облегчить страдания наследника — цесаревича Алексея. Разгульный образ жизни Распутина дискредитировал императорскую семью, способствовал снижению ее популярности среди подданных, а вмешательство Распутина в государственные дела привело к сговору против него. Старец был убит в ночь на 18 декабря 1916 во дворце Юсуповых в Петербурге заговорщиками, среди которых были князь Феликс Юсупов и член императорской фамилии, великий князь Дмитрий Павлович.

Графический портрет работы Клокачевой помимо художественной ценности является редким документальным свидетельством эпохи, ведь облик Распутина известен в основном по фотографиям.

Датский художник Виргилиус Эриксен долго и плодотворно работал в России при дворе Екатерины II, создавая не только живописные и миниатюрные портреты, но и произведения в технике пастели.

Портрет Екатерины II необычен по своей композиции. Благодаря зеркалу императрица показана дважды: в трехчетвертном повороте и в профиль. Эриксен прекрасно обыграл натуру модели. С одной стороны она показана как императрица, чей гордый профиль отражается в зеркале, с другой — она предстает красивой молодой женщиной в изысканном платье со знаками ордена Святого Андрея Первозванного. В руке Екатерины — веер, а не скипетр, хотя им она указывает на царские регалии. Императрица как бы намекает, что нельзя быть правительницей и забыть при этом о своем женском начале.

Портрет был весьма благосклонно принят заказчицей. Об этом свидетельствуют его многочисленные повторения. Екатерина II даже приказала приобрести все ее портреты работы Эриксена, но полотна художника раскупались так быстро, что некоторая их часть все-таки осталась в частных собраниях.

Крупнейший представитель классицизма в скульптуре, один из лучших скульпторов в мире, Бертель Торвальдсен старался воссоздать классическое искусство Греции и Рима. Он черпал свое вдохновение в Италии, поэтому большую часть жизни провел в Риме, где возглавлял Академию святого Луки. Современники считали его наследником Кановы, называли «Датским Фидием». Торвальдсен входит в считаное число мастеров, получивших в распоряжение собственный музей еще при жизни.

Скульптор много раз обращался к образу прекрасного Ганимеда, заимствованному из древнегреческого мифа. Верховный бог Зевс был так пленен красотой юноши, что повелел своему орлу похитить его и принести на Олимп, где тот вскоре стал любимцем богов и их виночерпием на пирах.

Представленная статуя как раз изображает момент, когда Ганимед из амфоры наполняет сосуд для кого-то из сонма богов. Его фигура отличается классической завершенностью и грациозностью, которые ей придают несколько вытянутые пропорции юношеского тела. Статуя выделяется холодной отвлеченностью и бесстрастной идеализацией образа, подчеркнутой виртуозной обработкой мрамора.

Произведения Торвальдсена были хорошо известны в России, для многих русских аристократических семей он создавал скульптуры или запечатлевал их в мраморе.

Лауритс Регнер Туксен — датский портретист и исторический живописец. Художник неоднократно бывал в России, где создал портреты императора Александра III, императрицы Марии Федоровны, Николая II и других представителей царской фамилии.

Для создания полотна Туксен был специально приглашен Марией Федоровной, чтобы запечатлеть свадьбу и коронацию ее сына Николая II.

Коронация императора состоялась 14 (26) мая 1896 в Успенском соборе Московского Кремля. Перед тем как приступить к созданию произведения, Туксен написал ряд этюдов, что позволило наиболее реалистически передать атмосферу, царящую в древнем храме во время свершения обряда. Картина получилась торжественной и праздничной.

Ведущий датский портретист, выпускник Академии художеств в Копенгагене, Кристиан Иенсен много времени провел в Италии, где оттачивал собственный стиль, делая зарисовки и портреты своих друзей. Во время экономической депрессии 1820-х небольшие скромные картины Йенсена пользовались спросом, ведь они соответствовали запросам датчан.

Камерный «Портрет неизвестной дамы» привлекает внимание светлым, приятным глазу колоритом. Героиня одета в голубое платье с белыми кружевами, чепец с оборками и лентами по последней моде обрамляет ее мягкое миловидное лицо. Легкий мазок кисти художника подчеркивает все переливы и складки замысловатого наряда, передавая игру светотени на ткани.

Вероятно, на портрете изображена женщина из датского буржуазного класса. Подобные полотна часто заказывались как парные портреты супругов и размещались в гостиных или спальных комнатах.

В эпоху правления династии великих Моголов в Индии расцвела школа книжной миниатюры. Индийский мастер конца XVI века Манохар иллюстрировал книги, изображал сцены придворной жизни, даже копировал образцы европейской живописи, но особых успехов он достиг в искусстве портрета.

Эрмитажный портрет представляет падишаха Акбара Великого, правившего с 1556 по 1605. Изображение отличается тонким контурным рисунком, который выделяет фигуру на традиционном для могольской живописи зеленоватом фоне. При всей плоскостности рисунка мастер тщательно проработал лицо правителя, внимательно передал детали его костюма. Миниатюра отличается деликатным сочетанием теплых тонов.

Небольшая скульптура третьего далай-ламы — исключительный пример реалистического портрета в тибетском искусстве. Соднам Джамцо — один из крупнейших исторических деятелей средневекового Тибета — почти сразу после рождения был объявлен воплощением умершего настоятеля крупного монастыря Брайбун. Войдя в зрелый возраст, он стал значимым религиозным деятелем Тибета, способствовал распространению буддизма. Позднее далай-ламами стали называть все последующие воплощения. Учитывая два предыдущих перерождения, Соднам Джамцо стал считаться третьим далай-ламой.

Скульптор запечатлел плотную фигуру Джамцо, который сидит в позе лотоса на троне, его пьедестал обрамлен лепестками одноименного цветка. Руки ламы сложены в жест созерцания — одна лежит на другой, ладони обращены вверх. Одежда духовного лидера богато украшена тонким растительным орнаментом, ее пышные складки изящно спадают на трон, создавая дополнительный декоративный эффект.

Знаменитый японский художник XIX века Кацусика Хокусай написал десятки картин с видами горы Фудзиямы. Задуманная художником серия «Тридцать шесть видов Фудзи» включает одни из самых главных его произведений. Цветные гравюры разнообразны по стилю и содержанию: часть из них посвящена жанровым сценам из жизни простых ремесленников, и только на одном листе — «Красная Фудзи» — людей нет, а священная гора занимает всю его поверхность, являясь главным героем.

Для японцев Фудзияма — одновременно гора, божество и обитель богов. Ее чистый и ясный силуэт залит багряным закатным солнцем, легкие перистые облака плывут по голубому небу. В отличие от средневековых японских художников Хокусай показал Фудзи не с высокой, а с низкой точки зрения, с позиции идущего к ней путника, как бы преодолевающего взглядом ее высоту. Эта точка помогла живописцу показать масштабность горы, передать ее могущество и гармонию с природой. Образ Фудзи, повсюду сопровождавший мастера, вошел в его сознание как символ страны и красоты мироздания.

Андо Хиросигэ — один из крупнейших японских графиков XIX века. Раннее обучение иероглифической письменности способствовало его прекрасным познаниям о свойствах бумаги, кисти и туши — основных материалов восточной живописи.

Образы рыб и морских обитателей наряду с птицами и цветами в восточном искусстве имеют особое значение. Морской лещ высоко ценится в Японии как символ процветания, богатства и удачи. Эту рыбу всегда подают на свадьбах, празднованиях Дня рождения и Нового года. Считается, что она отгоняет злых духов.

На цветной ксилографии Хиросигэ красный морской лещ написан натуралистично и линеарно одновременно. На теле рыбы тщательно проработаны все чешуйки, анатомически верно показаны плавники и голова. Красный лещ запечатлен не плывущим в морских водах, он помещен над условной водяной гладью, находится в неком ирреальном пространстве. Иероглифические надписи вокруг содержат пожелания удачи и счастья. Изображение связано с ритмом и каллиграфическим стилем текста, который нередко вводился прямо в произведение, являясь его составной частью.

Это поздняя работа японского мастера Андо Хиросигэ. Город Эдо — старинное название современного Токио, в котором родился художник.

В ксилографии на первый план выдвигается мост с идущими по нему людьми, пейзаж с горой отодвинут вправо, кажется, что он мало занимает художника. Композиция построена так, что создается эффект присутствия: зритель словно входит в пейзаж, нижняя кромка листа становится точкой, с которой он рассматривает происходящее. С помощью противопоставления планов передается и глубина пространства. В основе работы лежит актуальная для японского искусства идея пути и перемещения в пространстве. В картушах начертаны название серии, краткое описание и подпись Хиросигэ.

Дрезденская картинная галерея — всемирно известное собрание европейской живописи XIV–XVIII веков. Сохранившиеся после англо-американских бомбардировок и находившиеся в плачевном состоянии картины были спасены советскими реставраторами и возвращены в Дрезден после их демонстрации в московском Музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. Сегодня Дрезденская картинная галерея — художественный музей, располагающий уникальными произведениями художников Италии и Нидерландов.