Спустя более полувека, в правление Густава II Адольфа, значительно увеличилась коллекция полотен нидерландцев, многие художники были приглашены ко двору монарха. Также король тратил значительные суммы на приобретение книг. Для хранения этих ценностей он отвел замок Тре Крунур, построенный в 1626.

Лепту в собрание внесла и королева Кристина, дочь Густава II и Марии Элеоноры Бранденбургской. Она получила хорошее образование, знала семь языков, изучала труды греческих философов и историков, астрономию и другие науки. Правительница неоднократно отправляла доверенных лиц за границу, в частности в Германию, Голландию, Италию и Грецию, для приобретения произведений искусства. В ходе Тридцатилетней войны Швеция завладела дорогим трофеем — коллекцией собранных эрцгерцогом Австрийским Рудольфом произведений. Для ее размещения по приказу королевы Н. Тессен расширил Тре Крунур.

В 1654 королева отреклась от престола, покинула Швецию и отправилась в Рим, где приняла католичество. В Италии Мария Александра, такое имя Кристина получила при крещении, изучала литературу и искусство, коллекционировала редкие вещи, картины и книги. Через некоторое время она ненадолго вернулась на родину, привезя с собой ряд произведений мастеров итальянского Возрождения.

К сожалению, в 1697 в результате пожара в замке большая часть полотен, собранных к этому времени шведскими монархами, сгорела.

Большой вклад в пополнение королевской коллекции внес посол Швеции в Париже Карл Густав Тиссин. В 1740-х он покупал во Франции картины ведущих современных художников, которые стали подлинным украшением собрания.

В 1771–1792 — период правления Густава III, двоюродного брата императрицы Екатерины II, который современники называли «веком просвещения», коллекция произведений искусства значительно увеличилась. Будучи очень образованным человеком, Густав III имел яркий литературный талант. Во время дипломатического визита во Францию он познакомился с известными поэтами и философами, со многими из них впоследствии переписывался. Собрание постоянно пополнялось работами лучших европейских художников.

Во время бала-маскарада в Шведской королевской опере, 16 марта 1792, Густав III был смертельно ранен заговорщиком Якобом Юханом Анкарстрёмом и через несколько дней скончался. В память о монархе коллекция произведений искусства оказалась передана в государственную собственность и стала достоянием общественности, но ее комплектование не прекратилось.

Национальный музей Швеции — не только крупнейшее художественное собрание в стране, но и достопримечательность ее столицы. Его нынешнее здание стало настоящим украшением Стокгольма. Оно было открыто в 1866, именно тогда музей получил статус национального. Сооружение спроектировано известным немецким архитектором Фридрихом Августом Шлютером (автором проекта Национального музея в Берлине) и возведено напротив королевского дворца.

Музей был построен в стиле венецианских палаццо эпохи Возрождения, что выгодно подчеркнуло и украсило место его расположения. В оформлении экстерьера и интерьера здания применены известняк из Борхольма и каррарский мрамор. По замыслу Шлютера, для каждого зала необходим определенный декор, чтобы достичь гармонии художественных ценностей и помещения. Однако впоследствии концепцию изменили.

В собрании Национального музея Швеции — около 16 000 картин и скульптур, более 30 000 произведений декоративно-прикладного искусства и крупная коллекция рисунков средневековых мастеров. В его основе лежат полотна немецких, голландских, французских и итальянских художников. Помимо этого здесь находится крупнейшее в Европе собрание русских икон XV–XVIII веков. Украшением экспозиции являются творения таких известных мастеров, как П. Перуджино, Рембрандт, Эль Греко, П. Рубенс, Дж. Тьеполо, Ф. Гойя, Т. Гейнсборо, Ж. Фрагонар, Ж.-Б. Шарден, Ф. Буше, К. Коро, К. Писсарро, А. Тулуз-Лотрек, О. Ренуар, Э. Мане, Э. Дега, П. Сезанн, В. Ван Гог, П. Гоген, а также полотна шведских живописцев.

Музей предоставляет своим посетителям уникальную возможность — рассмотреть экспонаты в определенных витринах и залах при разных сценариях освещения (поменять направленность света и его интенсивность). Это позволяет взглянуть на произведения по-новому, буквально увидеть их в ином свете. Так, например, небо на одной и той же картине может казаться как бесконечно глубоким, наполненным последними лучами заходящего солнца, так и грозовым.

В состав Национального музея Швеции входят и коллекции, находящиеся в замках Грипсхольм, Дроттингхольм, Стрёмсхольм, Русенберг, Ульриксдаль.

С февраля 2013 по 2017 музей закрыт на реконструкцию. Основные экспонаты собрания в этот период можно увидеть в Академии изящных искусств в Стокгольме.

Фламандский художник Ян Массейс получил образование в мастерской своего отца Квентина Массейса. В 1531 он вступил в антверпенскую гильдию Святого Луки, но в 1543 был изгнан из города из-за своих религиозных взглядов. Долгие 15 лет живописец скитался по Европе. Предположительно, большую часть этого времени он провел в Италии и Франции, в Антверпен вернулся в 49 лет.

Полотна Массейса, отличающиеся изысканной декоративностью, гармоничным колоритом и тонкой проработкой деталей, плохо продавались, однако гобелены, созданные по эскизам художника, пользовались большой популярностью у фламандцев.

Национальный музей Швеции располагает пятью картинами мастера. Особенно внимание зрителей привлекает произведение «Веселая встреча». Изображено общество, расположившееся вокруг покрытого дорогой скатертью стола. Две молодые дамы музицируют, им подыгрывает мужчина зрелого возраста, исполняя партию на флейте. Рядом с ними сидит пара: дева благосклонно принимает ухаживания кавалера. На заднем плане стоят две уже немолодые женщины, одна из них указывает на флиртующих, а другая в порыве веселья поднимает вверх руку и тем самым переводит взгляд зрителя в сторону музыкантов, которые в свою очередь внимательно смотрят на зрителей, словно пытаясь им понравиться. В стилистическом отношении смеющаяся женщина смотрится достаточно инородно, это заставляет предполагать, что она была написана другим художником.

Фламандский художник Лукас ван Фалькенборх изучал живопись в Мюнхене у неизвестного мастера. Будучи протестантом по вероисповеданию, в 1566 он вместе с братом Мартином был вынужден покинуть родной католический Лёвен и уехать сначала в Ахен, затем в Льеж и далее в Антверпен. В 1579 Лукас поступил на службу к эрцгерцогу Маттиасу. В период 1592–1593 он переехал во Франкфурт-на-Майне, сюда же перевел и свою мастерскую. Среди учеников художника были сыновья Гиллис и Федерик, Георг Флагель, Яспар ван дер Линден и другие.

Фалькенборх предпочитал писать пейзажи, изображая разнообразные сцены из сельской или городской жизни. Реже в его творчестве встречаются рыночные сюжеты и портреты.

В данном полотне живописец мастерски сочетает жанры, в которых любил работать. Главные герои представлены на первом плане. Мужчина в одежде, подбитой мехом, сидит за столом, накрытым для трапезы, куда жена ставит корзину с фруктами: яблоками, виноградом, персиками и грушами. Здесь на оловянной посуде лежат жареная курица, кусок приготовленного мяса, в плетеной корзине — чистые стаканы, а за ней стоит кувшин с вином. На маленьком столике, находящемся рядом, — уже использованные столовые приборы, тарелки, кувшин, салфетки и оставшиеся от предыдущего приема пищи булочки. За спиной женщины открывается вид на площадь и улицу. Из-за отсутствия теней фигуры горожан, облаченных в черные костюмы, кажутся ирреальными. В целом же пейзаж воспринимается как картина, помещенная в интерьер, где собираются трапезничать супруги.

До настоящего времени сюжет этого полотна Яна Массейса точно не установлен. Женщина, изображенная на первом плане, довольно часто интерпретируется как Флора, потому что держит в руке букет (из белых и красных гвоздик), или Венера — из-за изысканных бус, украшающих ее шею и грудь. В пользу последней догадки говорит пейзаж с морем, из пены которого, согласно мифу, и появилась богиня любви. Рядом с ней стоит ваза с цветами, среди них есть белые и красные розы, вероятно, являющиеся здесь символом любви. За фигурой этой прекрасной девы, на балюстрадах, лежат мраморные сферы, которые в эпоху Возрождения считались совершенной геометрической формой. Возможно, шары — намек на божественную красоту героини. Чтобы подчеркнуть значимость изящества и чувственной притягательности женщины, художник изобразил павлина, символа богини брака и материнства Юноны. Справа, в саду, Массейс поместил влюбленную пару. Молодой человек, сняв шляпу, придерживая шпагу, припадает на колено перед своей дамой.

Главная героиня, которой принадлежит большая часть холста, поражает удивительной красотой, тонкими чертами лица, чарующими миндалевидными глазами, изящными пальцами, прекрасной прической. Все эти черты характерны для так называемой школы Фонтенбло.

Полотна выдающегося итальянского живописца, рисовальщика и декоратора Джузеппе Арчимбольдо неизменно привлекают внимание зрителей своей затейливостью и необычностью. Работ мастера сохранилось относительно немного. Чаще всего это небольшие погрудные портреты, где герои представлены в профиль или анфас. Особенность картин состоит в том, что лица и одежду персонажей Арчимбольдо составлял из фруктов, овощей, музыкальных инструментов, цветов, книг, рыб и прочего.

На данном портрете изображен юрист, его образ «собран» из книг, папки с бумагами, одежды, снеди: приготовленных тушек цыплят и рыб. Используя все эти элементы, художник стремился передать сущность представителей профессии, которые благодаря своим знаниям получают прибыль, дающую им возможность безбедно жить.

Фламандец Отто ван Веен был не только живописцем и рисовальщиком, но и поэтом. Он занимался сначала в лейденской мастерской Исаака Клааса Сванненбюрха, а затем в Льеже у Д. Лампсониуса и Ж. де Рамея. Ван Веен с 1575 жил и работал в Италии, где изучал искусство Возрождения, с 1585 — в Брюсселе в качестве придворного живописца Алессандро Фанрезе. В 1592 он переехал в Антверпен, вступил в гильдию Святого Луки. Здесь в 1594 творец организовал мастерскую, набрал учеников. Самым знаменитым из них был выдающийся представитель и глава фламандской школы живописи Питер Пауль Рубенс. В 1612 ван Веен возвратился в Брюссель, где получил должность хранителя монетного двора.

На протяжении своей творческой деятельности художник создавал картины на религиозные и исторические сюжеты, аллегории и портреты.

Представленное полотно является прекрасным образцом его живописного мастерства. Классическое диагональное построение композиции позволяет зрителю безошибочно выделить главную группу. Колорит произведения основан на сочетании различных оттенков розового, желтого, голубого и красного, которые дополняются звучными белыми акцентами.

Выставленное в экспозиции музея полотно известного испанского художника (грека по происхождению) является прекрасным образцом его творчества. Внимание автора направлено на раскрытие личности и передачу одухотворенности апостолов. Сопоставление в одном произведении Петра и Павла неслучайно. Павел до принятия христианства был гонителем представителей этого вероисповедания, но после приобщения к учению Христа стал его фанатичным поборником. Петр, один из любимых учеников Иисуса, наоборот, не отличался силой духа, часто колебался.

Главное место в композиции принадлежит Павлу, который одной рукой опирается на раскрытую книгу. Его решительность подчеркнута насыщенным цветом плаща и жестами. Седовласый Петр в золотистом плаще кажется слабым. В его позе, жесте, выражении лица читаются переживание и сожаление. Живописец наполнил картину множеством эмоциональных оттенков.

Фамилия нидерландской художницы Юдит Лейстер, происходит от названия пивоварни, в которой она родилась, и переводится как «Путеводная звезда» (Ley-ster). Существует предположение, что Юдит обучалась в мастерской Франса Халса. Композиционное построение ее работ и их колорит напоминают произведения этого выдающегося творца. В 1633 художница была принята в гильдию Святого Луки Харлема и стала первой женщиной — членом этой организации. Она предпочитала писать веселые жанровые сценки, часто обращалась к образам музыкантов, также исполняла натюрморты и портреты.

Полотно «Мальчик, играющий на флейте» является украшением экспозиции музея. Ребенок изображен на фоне стены, на которой висят музыкальные инструменты. Колорит работы строится на сочетании разных оттенков серого и коричневого, дополненных акцентами белого и красного.

В 1636 Лейстер вышла замуж за своего коллегу Яна Майсне Моленара. Вскоре они переехали в Амстердам, где прожили до 1648. После замужества Юдит редко обращалась к живописи, занимаясь воспитанием пятерых детей.

Испанский художник Франсиско Сурбаран является представителем севильской школы живописи. Образование он получил в школе Хуана де Роэласа. С начала 1620-х Сурбаран приобретает широкую известность, ему поступает большое количество заказов от храмов и монастырей, мастер пишет полотна на религиозные сюжеты. В 1634 он получил титул придворного художника. Однако в самом конце жизни популярность Сурбарана пошла на спад, он стал испытывать значительные материальные трудности.

Данное полотно было написано в период творческого подъема. Считается, что Вероника подала свой платок Христу, чтобы Он мог утереть лицо во время тяжелого пути на Голгофу. На ткани чудесным образом проявился лик Иисуса. Обычно, запечатлевая этот сюжет, художники изображали святую, которая держит в руках плат с ликом. Сурбаран же представил только материю, на которой проступил образ Спасителя. Мастерски выполненная светотеневая моделировка создает впечатление реального плата, приколотого на черный фон и помещенного в раму.

Данное полотно создано выдающимся портретистом Франсом Халсом, представителем золотого века голландского искусства. Этот портрет был написан в период наивысшей популярности мастера. Изображен уже немолодой человек в широкополой шляпе, наигрывающий веселый мотив. Плечи героя покрывает широкий белоснежный воротник, отороченный прекрасным тонким кружевом — данный элемент одежды является практически единственным украшением картины. В своих работах Халс никогда не стремился польстить модели, показать ее в более привлекательном виде. Вот и здесь он запечатлел реальный облик Даниэля ван Акена: крупный нос, небольшие глаза, второй подбородок, короткая шея, более темная кожа рук. Но при этом образ полон искренности, доброты, веселья.

Французский художник и гравер XVII века Клод Виньон был известен и пользовался у современников заслуженной популярностью. Его отец являлся камердинером королей Генриха III и Генриха IV, что дало возможность будущему мастеру получить хорошее образование сначала в Париже, а затем в Риме. Он испытывал множественные влияния, однако, заимствуя, подражая работам других живописцев, мог блистательно подчинять различные элементы из вдохновлявших его произведений своей творческой фантазии. Виньон — хороший знаток искусства, довольно часто выступавший в качестве эксперта и помогавший многим царствующим особам закупать картины для коллекций.

Живописец создавал полотна на мифологические, религиозные, аллегорические темы, портреты и жанровые сцены. Представленная работа «Моисей со скрижалями» демонстрирует, насколько хорошо он умел передавать фактуру ткани, кожи, камня.

Жорж де Латур — один из крупнейших представителей лотарингской школы живописи XVII века, обладающий яркой индивидуальностью. Его творческая манера сложилась под влиянием утрехтских караваджистов (Дирка ван Бабюрена, Герарда ван Хонтхорста и других) и произведений итальянских последователей Микеланджело Караваджо. Однако художественный стиль де Латура является самостоятельным и оригинальным.

Он писал произведения большого формата на бытовые и религиозные темы, в которых преобладали профильные изображения персонажей в полный рост. Своих героев автор (как и караваджисты) изображал на нейтральном фоне, мастерски выделяя светом. Для его работ характерно реалистическое запечатление жизненных явлений и предметов быта. На полотне «Кающийся святой Иероним» Латур изобразил одного из самых популярных в Европе святых. Коленопреклоненный отец церкви находится в небольшой келье, за его спиной — кардинальская шляпа, входящая в число главных атрибутов святого. Раскрытая книга знаменует собой тот факт, что герой является создателем канонического текста Библии на латинском языке. Череп, лежащий за ней, — символ победы духа над плотью, камни, находящиеся в помещении, — епитимьи, которую Иероним наложил сам на себя. Обычно кающегося святого изображали с камнем в руке, которым он бил себя в грудь, но здесь Латур «дал» ему плеть, ею герой бичует себя, о чем свидетельствует ее окровавленный конец. Колорит произведения строится на сочетании красного, различных оттенков охры и умбры и белого, что придает ему гармоничность.

Никола Пуссен является одним из мастеров, входящих в число лучших представителей европейской живописи, он был признанным главой национальной французской школы. Художник совершил множество путешествий, изучая опыт своих предшественников.

Он писал произведения на мифологические и религиозные сюжеты, а также сцены из древней истории. В творчестве Пуссена преобладала античная тематика. Древняя Греция представлялась ему как прекрасный мир, в котором живут и действуют идеальные люди.

В данном полотне центральное место принадлежит главному герою, вокруг суетятся очаровательные пухлые путти. Один, взлетев, венчает его лавровым венком, другой подает виноградную лозу, третий старательно завязывает Дионисию сандалию. В некотором отдалении от молодого мужчины сидит прекрасная пастушка, облаченная в гиматий горчично-золотистого цвета. Под столом, в нижнем левом углу картины, лежат театральные маски как намек на то, что развитие культа именно этого древнегреческого бога привело к возникновению театра.

Рембрандт Харменс ван Рейн — едва ли не самый известный среди мировых мастеров кисти. Крупнейший представитель золотого голландского века живописи, он не только писал картины на религиозные, исторические и мифологические сюжеты, групповые и индивидуальные портреты, но и был великолепным рисовальщиком и гравером.

На представленном полотне — библейский сюжет, рассказывающий о том, что по истечении сорока дней Мария и Иосиф пришли из Вифлиема в иерусалимский храм. Старец Симеон около трехсот лет жил в ожидании этого момента. И когда он получил знак от Святого Духа, то пришел в храм, где встретил Святое Семейство и взял на руки Сына Божьего — свершилось пророчество Исайи.

Рембрандт изобразил Симеона дряхлым старцем, который неумело держит Ребенка на руках. Его взгляд направлен не на Младенца, праведник, скорее, придается размышлениям, осознавая важность произошедшей встречи. Темный колорит полотна позволяет мастеру сфокусировать внимание зрителей на действующих лицах сюжета, выгодно подчеркнув их сияющими мазками прозрачного света.

Уроженец Гамбурга Давид Клёккер Эренстрахль занялся живописью довольно поздно. В 1648, чтобы посвятить себя ее изучению, он отправился в Голландию. В 1651 автор уже находился на службе у шведской королевы Марии Элеоноры. Через несколько лет он поехал в Италию совершенствовать мастерство. В Риме Эренстрахль учился у Пьетро да Кортоны. В 1661 он вернулся в Швецию, был назначен придворным живописцем, а в 1674 получил дворянское звание. Кисти мастера принадлежат полотна на исторические, аллегорические сюжеты, портреты. Он много работал в области анималистического жанра, изображая лошадей из конюшни Карла XII, собак с королевской псарни и других животных, например белого медведя, белку, попугаев.

На данной картине чернокожий юноша стоит, опираясь на балюстраду, наблюдая за тем, как маленькая обезьянка поднимается по шесту к кольцам, в которых сидят два попугая. Еще одна птица — на руке героя, а другая обезьяна, на плече, положила руки ему на голову. В этом полотне Эренстрахль стремился показать не только экзотических животных и птиц, но и человека, чей цвет кожи был диковинкой при шведском дворе.

Жан Антуан Ватто — один из ведущих французских художников XVIII века. Он родился и вырос на северо-востоке страны, в Валансьене, провинции, где наиболее сильны связи с фламандской культурой, это нашло отражение в творчестве мастера. В столицу живописец приехал в 1702, где стал учиться у Клода Жилло и Клода Одрана. Ватто очень любил театр и музыку.

Большинство полотен, созданных им, считают «галантными празднествами», которые не являются буквальным отражением времяпрепровождения аристократии. Художник стремился передать симфонию человеческих отношений, хрупкий мир души. Сложность и неопределенность сюжетов мастера заключаются в переплетении фантазии и реальности, что придает его картинам интонацию театральности. Атмосфера светлой грусти и меланхолической иронии связана с мироощущением Ватто. Удивительный колорит работ, который строится на тончайших лессировках, противоречит академической традиции. Избегая ярких красок, художник предпочитал использовать изысканные, смягченные оттенки. Все это отличает его творчество от официального придворного искусства.

Характерный пример произведений мастера — картина «Урок любви». Изображена группа молодых людей, расположившихся в уютном уголке парка, рядом со статуей нимфы. Юных дев развлекают кавалеры, один, стоя на тропинке, ведущей из деревни, играет на испанской гитаре. Удивительная красота пейзажа, его тонкий колорит сообщают картине особую лиричность.

На данной картине Жана Антуана Ватто изображена жанровая сценка. Группа из шести человек расположилась на лесной полянке. Прекрасная девушка в приглушенно-розовом платье, сложив руки, кротко внимает пению своих спутников. Рядом с ней сидит молодой человек, облаченный в костюм актера комедии дель арте, и исполняет на испанской гитаре мелодию. Ему очень важно произвести впечатление на даму, это видно из позы: он, подавшись вперед, ловит ее благосклонный взгляд. Товарищи героя, как и он одетые в костюмы, принимают участие в действе. Один поддерживает мелодию, играя на бубне, двое других, читая текст с листа, готовятся к исполнению серенады. Темные стволы деревьев служат прекрасным фоном, гармонично оттеняющим персонажей. Стоит отметить, что одни фигуры практически слиты с ним, другие, напротив, озарены светом и хорошо читаются, это позволяет безошибочно определить главных действующих лиц. Представленная картина, как и большинство других, принадлежащих кисти Ватто, отличается камерностью, интимностью и поэтичностью.

Никола Ланкре, известный французский художник и коллекционер, — представитель стиля рококо. Образование он получил в мастерской П. Дюрена, а затем у жанрового и театрального живописца К. Жилло. Как и А. Ватто, Ланкре создавал «галантные», а также жанровые и театральные сцены и картины, иллюстрирующие произведения французских драматургов. Они отличаются изысканным, но несколько блеклым колоритом, мягкой манерой и декоративностью.

В полотне «Обувание коньков» Ланкре изобразил зимний пейзаж. На первом плане, облокотившись на парковую скульптуру, стоит девушка. Приподняв подол платья, она позволяет спутнику надеть на свою ножку, обутую в изящную туфельку, конек. Мужчина, опустившись на одно колено, бережно обвязывает ее розовыми лентами. Молодые люди обмениваются нежными взглядами. Композиция работы напоминает театральную мизансцену, где персонажи действуют на фоне декораций. Усиливает зрительное деление на планы колористическое решение холста. В костюме красавицы преобладают теплые оттенки, на фоне пейзажа в холодных тонах фигура начинает доминировать. Камерность сценки Ланкре подчеркивает, помещая на первый план фрагмент дерева, словно обособляя ее героев.

Жан Батист Симеон Шарден — известный французский живописец, один из главных представителей реалистического направления в европейском искусстве XVIII века. Он учился у художника исторического жанра П. Ж. Каза, а затем у Н. Н. Каупеля и Ж. Б. ван Лоо. Начиная с 1737 Шарден регулярно экспонировал на французском Салоне свои произведения, однако широкую известность приобрел только после смерти. Современники же ценили его за реалистические, полные искренности, мастерски написанные образы.

Одной из знаменитых картин художника является «Прачка». Изображена молодая женщина, стирающая белье в высокой кадке, для удобства поставленной на небольшой табурет. Выполняя рутинную, каждодневную работу, она смотрит в сторону, погрузившись в собственные мысли или мечты. Комната, в которой находится прачка, очень просто обставлена. На первом плане, рядом с баком, на низком стульчике сидит маленький мальчик в бедной одежонке с заплатками. Чтобы хоть как-то развлечь себя, он пускает через тонкую соломинку мыльные пузыри. Позади, в дверном проеме, видна фигура другой прачки, развешивающей постиранное.

Колористическое решение строится на сочетании различных оттенков коричневого, однако произведение не смотрится монохромным, яркие акценты белого, красного и синего придают полотну особую выразительность.

Представленная в экспозиции музея работа Жана Батиста Симеона Шардена «Вышивальщица» относится к серии полотен с жанровыми сценками. Считается, что она является парной к картине «Юный рисовальщик», созданной в тот же период. Известно, что оба произведения выставлялись на парижском Салоне в 1738. Однако до нашего времени сохранилась только «Вышивальщица», причем в двух вариантах. Второй холст (практически точное повторение стокгольмского) был продан в январе 2013 на аукционе «Christie's» за 4 250 000 долларов.

На небольшом полотне изображена женщина в сером платье и длинном белоснежном переднике, ее волосы аккуратно убраны под чепец. Она на минуту прервала свою работу, о чем-то задумавшись. Перед вышивальщицей стоит раскрытый короб с клубками разноцветных ниток, она вот-вот положит в него голубой моток.

Эта нехитрая композиция, виртуозно написанная Шарденом, отличается особой интимностью и камерностью.

Известный французский живописец, миниатюрист, рисовальщик и гравер XVIII века Франсуа Буше был одним из ярчайших представителей стиля рококо.

Разносторонне одаренный художник работал во многих жанрах, создавал картины на религиозные, мифологические и бытовые сюжеты, портреты, пейзажи, пасторальные сцены, миниатюры, выполнял росписи плафонов, делал эскизы театральных костюмов и декораций. Он довольно быстро приобрел широкую известность и сделал успешную карьеру: в 1755 возглавил Королевскую мануфактуру гобеленов, в 1761 стал ректором, а в 1765 — директором Королевской академии живописи и скульптуры и первым художником короля.

В числе лучших работ мастера из экспозиции Национального музея Швеции — полотно «Триумф Венеры». Согласно мифу, богиня любви и красоты, дочь Зевса и Дионы, родилась из морской пены. Автор изобразил Венеру около острова Кифера, с которого она, по преданию, правит любовью богов и людей. Прекрасную деву окружают обнаженные тритоны и наяды, возлежащие на больших причудливых рыбах. Маленькие путти несут юной богине покрывало, раздуваемое ветром. Асимметричная композиция, развевающаяся ткань, вздымающиеся волны, летающие малыши, колорит, построенный на сочетании голубого, розового и белого, — характерные элементы стиля рококо.

Шведский художник Лоренц Паш Младший был сыном портретиста Лоренца Паша Старшего. Он получил богословское образование в Уппсале, но после возвращения в Стокгольм стал изучать искусство в мастерской своего отца. В 1752 молодой человек отправился в Копенгаген, где проходил обучение в Датской королевской академии изящных искусств у Карла Густава Пило, Жака Франсуа Жозефа Сали и Иоганна Мартина Прайслера. В 1757 Паш уехал в Париж, где учился в Школе изящных искусств у Александра Рослина, Жана-Батиста Пьера, Луи-Мишеля ван Лоо, Франсуа Буше. На родине художник оказался в 1766. С этого момента началась его блистательная карьера портретиста.

Живописец испытывал влияние французских учителей и представителей английской школы. В 1770-1780-х он исполнил большое количество изображений членов королевской семьи. Для произведений мастера характерны колористическая утонченность, четкая проработанность деталей и аксессуаров. Он хорошо умел передавать фактуру дорогих тканей: блеск шелка, мерцание атласа и глубину бархата. Прекрасным примером его творчества может служить полотно «Танцующие дети».

Джошуа Рейнольдс — один из ярчайших портретистов английской школы живописи XVIII века, первый президент Королевской академии художеств. В 1740 он поступил в лондонскую мастерскую к Т. Хадсону, который владел большой коллекцией полотен и гравюр с картин старых мастеров. Через несколько лет Рейнольдс стал работать самостоятельно. За свою жизнь он совершил много поездок по Европе с целью изучения произведений искусства представителей разных художественных школ, многие из них автор приобретал для личной коллекции, которая считалась одной из лучших в Британии.

Рейнольдс очень интересовался, а в начале творческого пути и сам занимался исторической живописью, но из-за пристрастий современников развивал свой талант в области портретного жанра, подняв его до высоты исторического. На данном полотне, предположительно, изображена миссис Пижотт из Четвинда. Пожилая женщина представлена на нейтральном фоне, внимательно смотрящей на зрителя. Ее голову покрывает черная шляпа, под которой белый чепец, на плечах лежит темный платок, сквозь него просвечивается серое платье. Рейнольдс очень тактично трактует образ своей героини.

Шведский художник-портретист Александр Рослин родился в городе Мальме. В возрасте пятнадцати лет он переехал в Стокгольм, где поступил в обучение к придворному живописцу Георгу Шредеру. После его окончания молодой человек покинул страну в поисках лучшей жизни. В середине 1740-х он занимал должность придворного художника в княжестве Байрейт. В 1752 Рослин уехал в Париж, где прожил до конца своих дней, за исключением 1776–1777, когда состоял на службе у Екатерины II и работал в Санкт-Петербурге.

Украшение экспозиции Национального музея Швеции — картина мастера «Дама под вуалью». Она является портретом его жены, художницы Сюзанны Рослин, с которой творец сочетался браком в 1759. Вместе они воспитывали шестерых детей. Из-под черной шелковой вуали Сюзанны видны напудренный парик и розовое праздничное платье. Держа в руке красивый сложенный веер, она отодвигает ткань, приоткрывая лицо. Эта игривость, даже некоторая театральность, портрета служит хорошей иллюстрацией любимого времяпрепровождения аристократии XVIII века — посещения представлений.

Будучи известным мастером портрета, Рослин изобразил многих представителей европейской знати. Современников восхищало умение художника передавать разнообразные фактуры тканей и аксессуаров.

На данном полотне — успешный предприниматель Джон Дженнингс вместе с братом и сестрой. Эсквайр, облаченный в красный костюм, сидит около музыкального инструмента и указывает рукой на женщину, расположившуюся за ним. За спиной красавицы, облокотившись на спинку ее стула, стоит молодой человек. Он смотрит на своего старшего брата, и его жест возвращает взгляд зрителя на первый план, словно приглашая изучить модные и дорогие костюмы персонажей.

Жестам в портрете художник придал важное значение. В XVIII веке были очень сильны театральные традиции при дворах европейских монархов. Это связано в первую очередь с проведением многочисленных маскарадов и представлений. Все аристократы постоянно практиковались в танцах и старались на публике демонстрировать изящество своих движений. Поэтому герои данного полотна так изящны, а их жесты даже причудливы.

Карл Фридрих фон Бреда — известный шведский портретист. Родившись в семье знаменитого коллекционера произведений искусства и одного из первых писателей страны Лукаса фон Бреды, он получил хорошее образование. Молодой человек учился у Лоренца Паша Младшего в Королевской академии изящных искусств в Стокгольме, а завершил образование в Великобритании, где в 1787 поступил в лондонскую мастерскую Джошуа Рейнольдса.

Работы фон Бреды обнаруживают влияние представителей английской школы живописи, в частности Рейнольдса и Томаса Гейнсборо. Подобно им, художник часто изображал своих моделей на открытом воздухе, в пейзаже, пронизанном солнечным светом.

Портрет Терезы Вандони был создан после возвращения мастера в Стокгольм (1796). Молодая красивая актриса стоит на фоне ландшафта в окрестностях шведской столицы. Она одета в платье, соответствующее последней моде. Одной рукой дива держит маленькую пушистую собачку, другой — венок из роз. На дальнем плане среди кустов и деревьев виднеются фермерские постройки. В целом это произведение отражает новейшие тенденции своего времени — интерес к природе и классическим древностям, выразившийся в фасоне платья.

В 1798 данный портрет был показан на выставке в академии и хорошо принят публикой.

Кристофер Вильгельм Эккерсберг — мастер, которого нередко называют «отцом датской живописи». В период с 1803 по 1809 он успешно обучался в художественной академии в Копенгагене. После окончания этого заведения с золотой медалью Эккерсберг получил возможность совершить поездку в Париж для совершенствования своего искусства. Здесь он посещал мастерскую Жака Луи Давида. В 1813 творец переехал в Рим, где прожил до 1816. После возвращения он занял пост профессора в своей альма-матер.

Во время пребывания в Италии художник написал портрет друга — известного датского скульптора Бертеля Торвальдсена (1770–1844), в творчестве придерживавшегося традиций позднего классицизма. Уже немолодой ваятель изображен на фоне рельефа «Въезд Александра Македонского в Вавилон» — одного из лучших его произведений. Облаченный в черное скульптор сидит на стуле, положив ногу на ногу. Нейтральный светлый фон позволяет считать четкий и графичный силуэт его фигуры. Наброшенный на плечи героя шелковый плащ привносит в портрет романтичный акцент. Тонко прописанные детали костюма и аксессуаров свидетельствуют о влиянии французских мастеров, с искусством которых Эккерсберг познакомился во время путешествия.

Современники называли пейзажиста Маркуса Ларсона «наиболее выдающимся из шведских художников Дюссельдорфа». Он был выходцем из сельской местности, после смерти отца переехал в Стокгольм. Здесь у молодого человека появилась возможность пройти обучение на вечерних курсах в Королевской академии изящных искусств, чем он не преминул воспользоваться. Очень скоро Ларсон понял, что хочет посвятить себя живописи. После окончания обучения художник неоднократно брал уроки у разных мастеров, совершенствуя навыки и развивая природные данные. Он много путешествовал, посетил Германию, Францию, Англию, Финляндию, Россию в поисках красивых видов, принимал участие в выставках.

«Горный пейзаж с водопадом в Смоланде» был создан во время поездки по названной шведской провинции. Темные густые облака заволокли все небо. С высоких скал с грохотом низвергается водопад. Романтический скалистый вид поражает неистовым буйством природы, ее мощью и первобытной силой. Подобные сюжеты с разыгравшейся стихией довольно часты в произведениях автора.

Известно, что большинство своих картин Ларсон писал не с натуры, а в мастерской, используя зарисовки и фотографические снимки. Однако это не умаляет искусства художника.

Шведский художник Август Мальмстрем — мастер исторической и жанровой живописи. Он создавал произведения на сюжеты из скандинавской мифологии. Первоначальное образование Мальмстрем получил у отца, резчика по дереву. Благодаря своему таланту и самоотверженности родителей, которые помогли сыну отправиться в Стокгольм, Август в 1849 поступил в Королевскую академию изящных искусств. В 1856 он успешно завершил обучение.

С 1867 художник начал преподавать в альма-матер, а с 1887 по 1893 занимал пост ее директора.

В экспозиции музея находятся несколько полотен кисти этого мастера. На данной картине изображены дети, играющие в широко распространенную на территории Швеции в 1800-х игру «Последняя пара». Ее участники становятся по двое друг за другом. Впереди находится «охотник», который выкрикивает: «Последняя пара!» Стоящие позади всех должны разбежаться в разные стороны, чтобы воссоединиться, в то время как «охотник» стремится схватить одного из них и образовать новую пару. Тот, кто остался один, становится «охотником».

В солнечный день, стоя на тропинке за околицей, дети наблюдают, как «охотник» пытается поймать убегающую от него девочку. Тем временем другая девочка играет на дудочке, а еще одна, облокотившись на друга, наблюдает за мальчишкой, вышедшим вперед, чтобы увидеть происходящее. Каждый ребенок наделен мастером индивидуальностью.

По окончании стокгольмской академии Август Мальмстрем путешествовал — в 1856-1857 посетил Дюссельдорф, в 1857–1859 Париж, в 1859–1860 Рим, совершенствуя свое искусство, копируя картины старых мастеров.

В 1867 он представил на выставке полотно «Танец эльфов», которое имело у публики большой успех, автор получил звание профессора.

Перед зрителем — пейзаж с медленно текущей между пригорков речкой. Холодный свет луны озаряет ее берега и гладь. Темными силуэтами на фоне предутреннего неба смотрятся деревья. Поднимающийся от реки туман приобретает форму лент, окутывает низины. Постепенно он занимает все пространство ландшафта. Внутри него, рука об руку, словно в хороводе, движутся эльфы с распущенными волосами. Один из них, с венком на голове, почти вплотную подлетев к воде, любуется своим отражением.

Согласно шведскому фольклору, в природе живут эльфы, и они часто танцуют над холмами, реками, горами и лесами. Этот сказочный сюжет стал основным мотивом данной картины, проникнутой романтическими интонациями.

Представленное произведение мастера очень часто использовалось в качестве иллюстрации и репродуцировалось в журналах, что обеспечило ему популярность.

Пейзажист, портретист и мастер жанровых сцен Гюстав Курбе — ключевая фигура французского реализма XIX века. Художник утверждал, что живопись — это предельно конкретное искусство, нужно изображать лишь реально существующие вещи и предметы, которые можно увидеть и которых можно коснуться.

Считается, что на данном полотне представлена одна из самых красивых женщин, когда-либо запечатленных Курбе. Для него позировала Джоанна Хефферман — возлюбленная и модель его друга, известного художника Джеймса Уистлера. Живописец познакомился с ней на побережье Нормандии в Трувиле в 1865.

Курбе показал девушку с зеркалом в левой руке. Она, рассматривая свое отражение, теребит правой рыжие кудри, именно они притягивают внимание зрителя. Композиция строится таким образом, что практически вся плоскость холста занята максимально приближенной к первому плану героиней, это рождает ощущение непосредственности и интимности происходящего. Манера, тонко написанные аксессуары и элементы одежды — все полно чувственности.

Существуют четыре авторские копии данного полотна, они украшают коллекции мировых музеев.

Французский живописец, график и скульптор Пьер Огюст Ренуар является одним из основателей стиля импрессионизм. С 1862 он начал посещать занятия в Школе изящных искусств и мастерскую Глейера, в это время познакомился с Клодом Моне, Альфредом Сислеем, Фредериком Базилем, Камилем Писарро и другими творцами.

Очень часто Ренуар работал с Моне, они вместе выходили на этюды — так родились два одноименных полотна «Лягушатник» с практически одним и тем же сюжетом. В некотором отдалении от берега находится небольшое кафе на воде, которое соединено с землей мостиками. Собралось шумное общество. Свое название это место получило из-за того, что здесь часто появлялись «лягушки» — женщины легкого поведения, они специально приезжали сюда в поисках клиентов. Работая над произведением, Ренуар стремился передать атмосферу веселья и беззаботности теплого летнего дня. Он темпераментно наносил краски на холст, отражая блики на воде и рефлексы на платьях отдыхающих дам. В полотне нет выверенной композиции, из-за этого возникает впечатление эскиза, а не законченной картины. Некоторая фрагментарность, какую использовал живописец при построении работы, рождает ощущение случайности, сиюминутности.

Георг Розен — шведский художник, изображавший сцены из национальной истории и скандинавской мифологии. Он окончил Королевскую академию изящных искусств, жил в Лондоне, в 1863 в Антверпене и поступил в ученики к бельгийскому живописцу А. Лейсу. Позже Розен путешествовал, посетил Египет, Сирию, Палестину, Грецию, Турцию, Германию. В Швецию он вернулся в 1865 с большим количеством этюдов. Со временем мастер занял пост директора своей альма-матер.

К числу лучших работ художника относится «Шведский король Эрик XIV». Монарх правил с 1560 по 1568. Уже с самого начала властвования в его поведении и поступках обнаружились признаки психического расстройства. Король был чрезвычайно подозрительным, это переросло в настоящую манию преследования. Многочисленные конфликты между ним и аристократами привели к кровавой драме, правитель казнил всех, кого подозревал в неблагонадежности.

В 1568 Юхон, брат Эрика, стал во главе мятежа против сумасшедшего короля и заточил его в темницу, где тот спустя несколько лет погиб. Однако такие радикальные меры были приняты не сразу: сначала Юхон предлагал брату добровольно оставить престол и удалиться на остров Аланд, также ему отдавались в управление Борговские земли и Финляндия, однако Эрик отверг предложение. Момент, когда в королевские покои принесли ультиматум, и изобразил на своем полотне Розен.

Эрик XIV в исступлении сидит на медвежьей шкуре у ног своей возлюбленной Катрин Моне (она имела крестьянское происхождение, родила королю сына и дочь, их многолетние отношения со временем были узаконены). Молодая женщина с испугом смотрит на Йорана Перссона — одного из надежных советников мужа. Будучи умным политиком, он призывает Катрин уговорить Эрика подписать ультиматум, чтобы всем им сохранить жизнь. Колористическими средствами художник намекает, как сложатся события, после отказа монарха подписывать бумаги.

Эдуард Мане — один из выдающихся французских художников второй половины XIX века. Родившись в буржуазной семье, он получил хорошее образование. Перед тем, как заняться живописью, Мане отправился в плавание на парусном судне «Гавр и Гваделупа». Из этой поездки он вернулся с твердым намерением посвятить себя искусству. В 1850 молодой человек поступил в мастерскую Тома Кутюра, но вскоре покинул учителя и уехал в Италию. Впоследствии он неоднократно будет путешествовать по Европе, знакомясь с различными художественными школами.

В Национальной галерее Швеции представлено несколько работ живописца, среди них выделяется полотно «Парижанка». На нейтральном сером фоне изображена молодая женщина в черном длинном платье и шляпке. Мастер очень темпераментно наносит краску на холст, благодаря чему в произведении, практически монохромном по колориту, появляется ощущение внутреннего движения. Образ парижанки довольно часто встречается в картинах Мане. Он стремился показать уникальность красоты своих соотечественниц.

Известный шведский художник Юлиус Кронберг учился в Королевской академии изящных искусств в Стокгольме, а также в Дюссельдорфе и Мюнхене, испытал влияние австрийского исторического живописца Ганса Макарта.

Полотно «Нимфа и фавны» впервые было показано публике в Мюнхене сразу после создания и принесло своему автору успех. Когда же Кронберг привез его в Стокгольм, то мнения зрителей разделились: одни считали картину слишком эротичной и чувственной, другие приняли ее как безусловный шедевр. Сюжет этой работы очень прост. Прекрасная нимфа после удачной охоты прилегла отдохнуть на берегу ручья и заснула. Спрятавшись в зарослях, фавны любуются обнаженной девой. Рядом с красавицей — битая дичь, букет благоухающих роз, раковина и лук со стрелами. Все детали и мельчайшие элементы написаны с большой виртуозностью и вниманием — Кронберг демонстрирует свои талант и мастерство.

Шведский пейзажист и карикатурист Карл Фредерик Хилл родился в семье профессора математики. Как и большинство соотечественников, он окончил Королевскую академию изящных искусств. После живописец отправился во Францию. Здесь он пытался найти свой собственный язык и стиль. В 1875 один из холстов мастера был выставлен на Салоне. На следующий год он совершил путешествие по Нормандии, где написал ряд пейзажей.

В 1877 Хилл создал восемнадцать больших полотен, предназначавшихся для Всемирной выставки, однако в это же время тяжело заболел и был вынужден пройти лечение в психиатрической клинике в Пасси. Вскоре художника поместили в дом для душевнобольных, находившийся в его родном Лунде с тяжелым диагнозом — шизофрения параноидального характера, но мастер не переставал работать.

Пейзаж «Дерево и река III» имеет второе название — «Сена в Буа-ле-Руа». Живописец изобразил Сену, извилистой лентой протекающей мимо полей и пашен, между невысоких холмов. На первом плане на крутом берегу растет одинокое молодое дерево. Колорит картины очень выразителен. Акцент сделан на голубых оттенках, которые словно пронизывают все другие цвета, тем самым собирая их в единую гамму.

Талантливая французская художница Берта Моризо входила в группу импрессионистов и принимала участие в их первой выставке. Начиная с 1864 и на протяжении почти десяти лет она выставляла свои работы на одной из самых престижных выставок в стране — Салоне.

Моризо родилась в состоятельной семье, которая не противостояла ее решению заниматься живописью. Свои первые уроки она брала у известного французского мастера Камиля Коро. В Париже девушка познакомилась Эдуардом Мане, а впоследствии вышла замуж за его брата Эжена.

В 1880 на очередной выставке импрессионистов она представила двенадцать полотен, одним из которых было «В Булонском лесу», подписанное «В саду». Отклик критики на экспозицию в целом оказался довольно негативным, однако о произведениях Моризо отзывались хорошо. Отмечали творческий темперамент, свободное нанесение красочного слоя, приверженность к изначальным импрессионистическим новациям — вниманию к цвету, акценту на сиюминутном, мимолетном впечатлении.

Эрнст Юсефсон — известный шведский живописец, график и поэт. В период с 1867 по 1876 он обучался в Королевской академии изящных искусств, при этом много путешествовал, занимаясь у местных мастеров. Художник изображал интерьеры замков и крестьянских жилищ, национальные пейзажи, портреты современников.

Представленная работа на библейский сюжет относится к раннему периоду творчества мастера. Саул — основатель объединенного Израильского царства. Давид — ловкий и отважный юноша, славившийся умением играть на арфе. В тяжелый для Саула период приближенные дали ему совет развлечь себя музыкой и рассказали, что в Вифлееме есть превосходный музыкант, Давида призвали во дворец. Когда правитель внимал ему, плохие мысли отступали.

Саул изображен сидящим в кресле, поддерживая голову правой рукой, алый плащ окутывает практически всю его фигуру. Перед властителем на первом плане расположен небольшой столик, на нем — сосуд с цветком, меч и стрела. Рядом с царем стоит Давид, играющий на музыкальном инструменте. Взгляд юноши устремлен вверх, комнату наполняют звуки. Композиционное построение полотна достаточно просто и основано на противопоставлении образов героев, на это же направлено и колористическое решение.

С 1879 художник жил и работал во Франции, сначала в Париже, затем перебрался в сельскую местность. В 1888 у него резко ухудшилось психическое здоровье (был поставлен диагноз преждевременное слабоумие, разновидность шизофрении), уехав на лечение в Стокгольм, Юсефсон не перестал писать. Его произведения близки стилю символизм, а некоторые предвосхитили течения, которые появились только в XX веке — экспрессионизм и модернизм.

В начале 1880-х Эрнст Юсефсон несколько раз обращался к образам духов воды. Согласно скандинавскому мифу, русалки играют на скрипках, чтобы, искушая людей, заманить их в воду, где те, потеряв бдительность, утонут.

На этом полотне художник изобразил эльфа, музицирующего в лунном свете. Исполнение сопровождается звуками водопада, находящегося за спиной героя. Обнаженную фигуру юного существа окружают тонкие стебли травинок. Склонив голову и закрыв глаза, оно наслаждается мелодией, которой вторит сама природа.

Колорит полотна построен на сочетании различных приглушенных оттенков коричневого, охры, белого и зеленого, что создает мистическую атмосферу.

Карл Густаф Хеллквист — один из самых известных шведских живописцев. Он учился в Стокгольме, в 1875 отправился в Париж, с 1877 жил и работал в Мюнхене, путешествовал по Германии, Бельгии, Италии и Норвегии. В 1886 творец был назначен профессором Берлинской академии искусств, однако в 1889 вынужденно отказался от преподавания из-за сильных головных болей. С этого момента он почти все свое время проводил в больнице, где лечился при помощи электрошоковой терапии. Хеллквист скончался 19 ноября 1890 в Мюнхене в возрасте 39 лет.

Кисти мастера принадлежат преимущественно большие исторические полотна, отличающиеся романтическими интонациями и детализацией. К числу его лучших картин относится представленная, живописующая давние трагические события. Город Висбю находился на острове Готланд (Балтийское море). Еще со времен викингов его жители вели активную торговлю. Поэтому он был лакомым куском для завоевателей. В 1361 на остров высадился датский король Вальдемар Аттердаг со своей армией. Крестьяне, собравшись в дружины, дали отпор неприятелю у стен Висбю, но из-за плохого вооружения и предательства горожан (которые не открыли им крепостные ворота в нужный момент) потерпели поражение. В результате этого сражения погибло около половины всего мужского населения сельских районов острова. Жители же Висбю заключили с датчанами соглашение, согласно которому они должны были впустить армию и заплатить большой выкуп.

Момент сбора дани и изобразил живописец. На площади установлены три огромные бочки, их горожанам надлежит заполнить золотом, чтобы сохранить свою жизнь и независимость. Из разных уголков люди несут ценности. В правой части картины, около собора, на высоком постаменте сидит Вальдемар Аттердаг, наблюдая за свершающимся. На дальнем плане виден отряд датчан, входящий в Висбю. На первом художник представил богатую семью, которая уже отдала все, что имела. Мужчина в красном головном уборе с ненавистью взирает на короля, в бессилии сжимая кулаки. Его жена, держа на руках малыша, со слезами отвлеченно смотрит куда-то вверх.

Хеллквист разрабатывал образы героев, желал сделать их максимально выразительными и психологически объемными. Много внимания он уделил и деталям, стремясь к исторической точности и соответствию костюмов и аксессуаров эпохе. Однако в картину закралось несколько ошибок. Например, горожанин (его можно увидеть за женщиной с ребенком на руках) носит шляпу по французской моде конца XIX века. Около одной из бочек изображена собака — такса. Формирование этой породы началось примерно в XVI столетии в Южной Германии, а в Швецию ее завезли только в XVII веке. Тем не менее досадные курьезы не умаляют достоинств большого многофигурного полотна и блестящего таланта Хеллквиста.

Карл Ларссон — один из самых известных шведских мастеров второй половины XIX — начала XX века. Родился он в бедной семье, но уже в 13 лет поступил в подготовительную школу при Королевской академии изящных искусств, окончив ее, стал студентом этого заведения. Все время учебы молодой человек был вынужден подрабатывать художником в газете. С 1877 Ларссон несколько лет жил во Франции. В этот период он увлекся импрессионизмом, писал на пленэре, часто использовал акварель. В 1879 мастер на некоторое время уехал в Швецию, чтобы заключить брак с Карин Бергьо (1859–1929), с которой познакомился в Париже. От их союза родились восемь малышей.

Ларссон очень любил членов своей семьи, они часто становились персонажами его полотен. В 1885 он написал двойной портрет жены и дочери Сюзанны, ей на тот момент было три года. Карин, уютно расположившись в кресле-качалке, держит на руках засыпающего ребенка. За ее спиной — подоконник, на котором разбросаны разные художественные принадлежности, бумаги, стоят эскизы и гравюры. Колорит работы, выполненной пастелью, очень мягкий, что рождает ощущение нежности, материнской заботы и покоя.

Бруно Андреас Лильефорс — известный шведский художник, писавший сцены из жизни представителей дикой природы в их естественной среде обитания. Он любил сюжеты, показывающие животных и птиц, занятых охотой, но при этом в картинах никогда не было сентиментальности — мастер стремился к объективности. Интерес к животным и охоте он унаследовал от отца.

Лильефорс учился в Королевской академии изящных искусств с 1879, но в 1882 переехал в Дюссельдорф, где продолжил образование. Затем он посетил Италию, в 1884 присоединился к колонии шведских художников во Франции, в Грез-сюр-Лауне. Живописец неоднократно выставлял свои картины на парижском Салоне. Вернувшись на родину, он поселился в местечке Кварнбо.

К созданию произведений мастер подходил крайне тщательно. Перед тем, как начинать работать над тем или иным сюжетом, он долгое время наблюдал животных в природе, изучая их повадки, делая зарисовки и наброски. Немаловажную роль в картинах Лильефорса играет пейзаж, в исполнении которого можно заметить влияние импрессионистов, большое внимание уделявших различным цветовым и световым эффектам.

На полотне «Семья лис» — зеленая поляна, где среди нежных белых цветов расположилась лиса со своими щенками. Она принесла детенышам утку, чтобы не только покормить их, но и привить начальные навыки охоты. Каждый из лисят по-своему реагирует на дичь: один тянет ее за крыло, те, что находятся рядом с матерью, с удовольствием едят; другие, расположившиеся в некотором отдалении от них, играючи, дерутся за птичье перо, а один, возможно, самый маленький, спрятавшись под лисицей, наблюдает за своими братьями и сестрами.

Пронизанный солнцем луг, легкие одуванчики и милая возня лис создают ощущение хорошего летнего дня.

Шведка Ханна Паули (девичья фамилия Хирш) в детстве училась в художественной школе Мальмстрема, затем в техническом училище в Стокгольме, а в 1881 поступила в Королевскую академию изящных искусств. В 1885 она уехала в Париж и через два года стала выставлять произведения на Салоне, тогда же вошла в ассоциацию шведских художников. В 1887 Ханна сочеталась браком со своим коллегой Георгом Паули, и супруги обосновались в Стокгольме. У них родилось трое детей.

К этому периоду относится написание полотна «Завтрак», проникнутого атмосферой семейного уюта. В тени деревьев прислуга накрывает стол. Уже стоят большой чайник, чашки с блюдцами, подставка с различными соусами, сахарница, роза в рюмке, разложены салфетки, скрепленные кольцами, — все готово и ждет прихода семьи. Пейзаж, являющийся фоном для этого натюрморта, пронизан светом: солнечные зайчики искристыми пятнами ложатся на стул, белоснежную скатерть, покрывающую стол, скамью, создают мажорное настроение, передавая тепло летнего утра.

Винсент Ван Гог — один из самых известных голландских художников в мировой истории искусства, представитель постимпрессионизма, не только живописец, но и график. В молодости творец был продавцом картин и проповедником. Заниматься искусством он начал в 1880. На протяжении ряда лет Ван Гог брал уроки у разных художников, но, по его словам, истинное мастерство пришло с помощью «непрестанного изучения натуры и сражения с ней». Жизнь творца была наполнена тяжелыми испытаниями, часто непониманием. Живопись являлась спасением для него, он рисовал всегда, даже когда его сразило тяжелое душевное расстройство и Ван Гог оказался вынужден проходить лечение в психиатрической клинике. На всем пути, особенно во времена невзгод, художника поддерживал родной брат Тео.

В экспозиции Национального музея Швеции находится полотно «Стога». На нем изображено пшеничное поле, часть урожая уже сжата, связана в снопы и сложена в стога. Под одним из них отдыхает женщина, в то время как мужчина продолжает трудиться. Теплый охристо-желтый цвет пашни Ван Гог заставляет звучать в полную силу, обрамляя его нежными оттенками теплого зеленого и подчеркивая холодными — синего. Чтобы на первом плане цвета не сливались, художник кое-где ограничивает их черной линией.

Поль Гоген — выдающийся французский живописец, скульптор и график, представитель постимпрессионизма. Перед тем, как заняться искусством, он был моряком, работал в банке. Являясь главой большого семейства с пятью детьми, Гоген увлекся импрессионизмом, стал собирать картины и сам попробовал писать. Он даже демонстрировал свои полотна на выставках, положительные отклики критики на его творчество подвигли мужчину в 1883 уйти из банка и полностью посвятить себя новому увлечению. Занявшись живописью, он неустанно работал, словно стремился наверстать упущенные годы.

В апреле 1887, чтобы прокормить семью, Гоген отправился на заработки на Мартинику, потом нанялся рабочим на строительство Панамского канала, но, заболев болотной лихорадкой, с большим трудом добрался до Франции. Здесь он направил все свои творческие усилия на создание собственного художественного стиля.

На полотне из экспозиции Национального музея Швеции «Пейзаж в окрестностях Арля» изображена сельская дорога, идущая вдоль построек. Общий светлый, теплый колорит, сопоставление теплых и холодных локальных пятен, небольшие параллельные мазки — основные выразительные средства, которыми мастер пользовался на этом этапе творчества. Стоит отметить, что при написании представленной работы он практически не применял один из излюбленных приемов данного периода — черный контур, которым обводил объекты композиции. Он присутствует только на первом плане, благодаря чему тело лежащей собаки обретает объем.

Нильс Крюгер — шведский художник, иллюстратор, мастер монументальной живописи. В 1874 он поступил в Королевскую академию изящных искусств, в 1878 продолжил обучение в частной художественной школе Эдварда Персея, после окончания которой переехал в Париж. Здесь под влиянием французского импрессионизма Крюгер обратился к жанру пейзажа. Он часто работал на пленэре, запечатлевал виды столицы и ее окрестностей. В 1883 автор успешно дебютировал на Салоне. Он предпочитал изображать ландшафты, на которые уже спустилась завеса сумерек или, напротив, только забрезжил рассвет, идет дождь или снег.

В 1886 художник женился на Берте фон Эссен, после рождения дочери Бесси семья вернулась в Швецию и поселились в Варберге на западном побережье. В качестве сюжетов для своих картин живописец выбирал виды этого прекрасного местечка, часто изображал пасущиеся стада. Именно здесь была создана данная. Запечатлевая позднюю осень, мастер выбрал очень простой, непритязательный мотив. На первом плане — небольшой кусочек сада с молодыми деревьями, отгороженный от улицы невысоким деревянным забором. По размытой дождями дороге идет одинокая фигура. Колорит построен на сочетании холодных тонов серого и охристо-красных оттенков. Ощущение промозглости, влажности воздуха и одиночества становится лейтмотивом работы.

В 1893 на выставке в Копенгагене Крюгер увидел полотна Поля Гогена и Ван Гога, это произвело на него огромное впечатление и положило начало новому этапу поисков. Картины автора становятся эмоциональнее, для большей выразительности он начинает прописывать их черными точками.

Полное имя датского художника Фрица Сюберга — Кристиан Фридрих Вильгельм Генрих Сюберг. Он родился в бедной семье, отец умер очень рано, поэтому с малых лет Фриц был вынужден работать, сначала сторожем, а потом ассистентом художника, чтобы помогать матери и сестре. В 1878 молодой человек поступил в техническую школу Фаборга, в мастерскую Петра Сюрака Хансена, в 1884 — в Датскую королевскую академию изящных искусств, однако довольно скоро оставил обучение и стал посещать занятия в Школе Сартмана. Начиная с 1885 Сюберг выставлял свои произведения в Копенгагене. Написанные в реалистической манере, они довольно скоро привлекли внимание критики и публики. В их колорите видно влияние последнего учителя художника.

К раннему периоду творчества мастера относится полотно «Любовная встреча на проселочной дороге», ныне экспонирующееся в Национальном музее Швеции. Оно было написано под впечатлением студенческих поездок по окрестностям Фаборга и Сваннинге. На холсте изображена широкая сельская дорога, пролегающая по холмистому ландшафту. На первом плане стоит мужчина, ведущий неспешную беседу с молодой женщиной. В некотором отдалении от них находится компания парней и девушек. В ожидании отставшей парочки они шутят и смеются. Сюберг не стремится приукрасить незатейливую сценку из жизни простых обывателей. Приглушенный колорит привносит в нее ощущение теплого вечера. Надвигающиеся сумерки сглаживают все яркие оттенки в пейзаже и одежде героев, приводя их к единому тону. Работая над картиной, художник довольно деликатно и даже где-то меланхолично наносит краски на холст, но при этом создается впечатление динамичной внутренней жизни пейзажа.

Шведский художник Юхан Тирен родился в городке Овикен. Художественное образование он получил, посещая Техническую школу, а затем Королевскую академию изящных искусств, окончив учреждение в 1880 с золотой медалью, дающей право пройти обучение за границей. Тирен совершил ряд путешествий по Европе, посетил Германию, Италию, Францию. В 1883 он уехал в Париж совершенствовать мастерство. Здесь же сочетался браком с Гердой Ридберг, с которой познакомился еще в академии в Стокгольме. Молодая семья в 1884 вернулась на родину, где поселилась сначала в Овикене, а затем в Пеннингби.

Полотна Тирена в большинстве посвящены образам северной природы. При этом он также писал картины жанровой тематики, изображая сценки из жизни суоми: охотников, рыбаков, пастухов. В них нередко встречаются этнографические и бытовые темы. Прекрасным образцом творчества мастера является полотно из собрания Национального музея Швеции «Саамка, потрошащая оленя». Изображены представители малочисленного финно-угорского народа, занятые своими традиционными делами и заботами. Жизнь этих людей неразрывно связана с оленями, они — одно из главных средств существования.

Шведский живописец Карл Фридрих Нордстрём являлся одним из основателей варбергской пейзажной школы, президентом шведской Ассоциации художников. Он родился на острове Готланд в семье судебного пристава. Отец мечтал, что сын пойдет по его стопам, но в возрасте двадцати лет Нордстрём уехал в Стокгольм, чтобы стать художником. Здесь он сначала обучался в школе при Королевской академии изящных искусств, а затем в частной школе Эдварда Персеуса. Молодой человек много занимался самообразованием. В 1880 он отправился в Париж, где изучал творчество импрессионистов, посетил различные уголки Франции. Через несколько лет живописец приехал в маленькую деревеньку Грез-сюр-Луан, где уже сложилась колония американских и скандинавских художников. Здесь же мастер познакомился со своей будущей женой — графиком и фотографом Теклой Линдестрём. Нордстрём написал множество пейзажей, пронизанных французским солнцем. После успеха на парижском Салоне он получил признание и на родине.

В 1886 супруги вернулись в Швецию. В 1888-1892 они путешествовали, посетили Скансен, Стокгольм, Висби, Варберг и другие города.

В 1892 семья переехала в Аппельвик, в 1893 к ним присоединился друг, художник Ричард Берг. Вместе с товарищем Нордстрём организовал так называемую варбергскую школу. В этот период мастер увлекся творчеством постимпрессионистов — Поля Гогена и Винсента Ван Гога. Под их влиянием он создал целый ряд произведений, в частности данное. Здесь живописец изобразил две одинаковые и симметричные друг другу постройки, расположенные на берегу озера. К окруженным деревьями домам с растущим между ними большим цветущим кустом ведет дорога. Все объекты композиции отличаются обобщенностью форм и условностью колорита. Темпераментные и несколько хаотичные мазки, которыми Нордстрём наносил красочный слой, привносят в работу динамизм.

Живописец, график и скульптор Андрес Цорн является, пожалуй, самым известным художником Швеции. Как и большинство соотечественников, он получил образование в Королевской академии изящных искусств, до этого окончив Художественно-промышленную школу. В разное время автор совершил поездки в Великобританию, Францию, Италию, Испанию, Россию, Соединенные штаты Америки.

Представленное в экспозиции музея полотно относится к французскому периоду творчества мастера. Он часто бывал в Париже в 1888–1896, испытывал влияние импрессионистов, что, несомненно, заметно в данной работе. К этому времени относится создание картин, главными героинями которых являлись прекрасные купальщицы, только что вышедшие из воды. Отметим, что красивые обнаженные женщины не позируют художнику, не демонстрируют себя зрителю, они, не замечая чужого присутствия, вытирают волосы, отдыхают, прогуливаются вдоль берега. Цорн делает акцент не на эротическом подтексте композиции, а на воздействии солнечного света и световоздушной среды на человеческое тело и пейзаж.

Известный шведский художник Эжен Янсон родился в бедной семье и был вынужден, чтобы помогать отцу ее содержать, пойти работать после окончания школы. Мальчик постоянно увлеченно рисовал. Видя горячую любовь сына к искусству, родитель разрешил ему учиться. В 1879 Эжен поступил в Техническую школу искусства и дизайна, затем в период с 1881 по 1883 занимался в Королевской академии изящных искусств. В 1886 Янсон стал одним из учредителей Ассоциации художников, которая сделалась альтернативой Академии, поощряя развитие и появление новых течений в живописи.

В начале творческой деятельности мастер благодаря другу, Карлу Фридриху Нордстрёму, писал преимущественно пейзажи. Однако его работы не пользовались большим успехом у зрителей из-за непривычной техники исполнения и крупных размеров. Художник испытывал материальные трудности. В его пейзажах появляются меланхолические интонации, в колорите начинают доминировать холодные синие и серые оттенки. С 1894 под влиянием Эдварда Мунка и Винсента Ван Гога Янсон стал привносить в свои полотна текучие контуры, фактурные разнонаправленные штрихи. В этот период он создал ряд картин, изображающих залив Риддар-фьорд, в них можно видеть новую живописную систему, которой воспользовался мастер.

Датский живописец и иллюстратор Эйнар Нильсон является одним из известнейших представителей национальной художественной школы. Он родился в Копенгагене, здесь же получил образование в Датской королевской академии изящных искусств. В 1894 мастер совершил поездку по центральной части Ютландии, много рисуя, создавая портреты современников, пейзажи родной страны, занимаясь разработкой станковых композиций. В произведениях этого периода заметно тяготение автора к символизму. В реалистической манере он писал сюжеты, где часто одной из героинь является смерть. Причем Нильсон необязательно изображал ее на полотне, в некоторых холстах ее присутствие только подразумевается. Во многих картинах художника ощущаются яркие меланхолические интонации.

В 1900–1901 творец жил и работал в Париже (в 1902, 1905–1911 — в Италии). Здесь был написан портрет скульптора Андреса Хансена и его жены. Пара сидит на балконе, за спинами супругов открывается вид на город. Хансен, расположившись у ног избранницы, держит на ладони глиняную фигурку. Герои погружены в свои мысли, в свой мир. Тонкие прутья решетки отделяют их от пейзажа. Колорит картины построен на сочетании светлых, неярких тонов. Печальное настроение людей усиливает меланхолическую атмосферу этой композиции.

Норвежец Харальд Оскар Сольберг является известным мастером символистического пейзажа. Первоначально он получил профессию художника-декоратора, затем посещал занятия в Королевской школе искусств в Кристинии, при этом брал частные уроки у разных живописцев, например в 1892 учился у Кристиана Зартманна.

Стиль Сольберга сформировался под влиянием представителя немецкого романтизма Каспара Давида Фридриха. Однако мастер всегда отрицал какие-либо воздействия на свое творчество. В произведениях он с большим вниманием относится к рисунку, выполняя иногда причудливые линии, но главным выразительным средством является свет, подчиняющий себе все элементы. Такова и картина «Зимняя ночь в горах». Темные, деформированные лавинами деревья создают причудливый узор на первом плане. Их цвет противопоставляется цвету неба и тем самым объединяет композицию, центром которой являются покрытые снегом горы. Изломы гряды, изгибы деревьев, непроницаемое небо — все это роднит работу с японскими гравюрами.

Шведская художница Фанни Брэйт получила широкую известность благодаря картинам с изображением уютных интерьеров. Их часто воспроизводят в качестве открыток и на различной рекламной продукции.

В 1885 Брэйт получила стипендию от Королевской академии изящных искусств, в которой обучалась, и смогла совершить поездку в Париж для совершенствования мастерства. После возвращения на родину он вышла замуж за филолога Эрика Брэйта. Появление на свет четырех детей и семейные заботы не помешали художнице сделать успешную карьеру.

На полотне «Именины» зритель видит просторную комнату. За окнами, сквозь которые льется солнечный свет, — сельский пейзаж. В центре помещения — большой круглый стол, застеленный белой скатертью. Две девочки накрывают его к празднику, уже стоят ваза с полевыми цветами и чашки. Старшая несет к чаепитию тарелку со сладкой выпечкой. Ее сестра аккуратно раскладывает листочки по краю стола, украшая его.

Светлый колорит картины создан на сопоставлении различных оттенков белого и голубого, немногочисленные яркие акценты синего, зеленого, охры и черного позволяют мастеру внести в произведение радостное, приподнятое настроение, передать ощущение и предвкушение праздника.

Известный шведский художник, график и иллюстратор Ивар Аросениус — один из ярчайших представителей национального символизма. В 1896 он поступил в школу в Гётеборге, а через два года был принят в Королевскую академию изящных искусств, которую оставил через год обучения и вернулся в родной город.

В 1903–1905 Аросениус посетил Германию, Францию, где познакомился с различными художественными течениями. Весной 1905 он представил на Салоне Независимых более пятидесяти акварелей, они получили хорошие отклики критики и публики. В том же году в Стокгольме прошла первая персональная выставка мастера, было показано 173 работы. Героями его произведений становились не столько реальные люди, сколько фантастичные видения. Подобная трактовка образов свойственна и при создании иллюстраций к легендам и сказкам, и картин, изображающих современную действительность или библейские и мифологические сюжеты. Довольно часто в произведениях Аросениуса звучат интонации созерцания смерти и радости бытия.

Представленный автопортрет написан в 1906, в год женитьбы на художнице Иде Адлер и рождения дочери. Мастер изобразил себя в венке из полевых цветов на фоне пейзажа. Он одет в простую кофту, застегивающуюся на плече. Творец с интересом и сомнением смотрит на зрителей, словно пытаясь понять, достойны ли они того, чтобы войти в его мир.

Аросениус очень любил жену и ребенка, им посвящена большая часть произведений позднего периода. Особенно остро в это время звучат интонации одиночества, тоски и тревоги за будущее близких людей. Художник скончался 2 января 1909 в возрасте тридцати лет от гемофилии.

Кристиан Крог — известный норвежский живописец, иллюстратор и писатель. Он родился в состоятельной семье юриста Георга Антона Крога, поэтому сначала получил образование в Университете Христиании (ныне Осло) в области права, после учился в школе искусств в Карлсруэ. Побывав в начале 1880-х в Париже, Крог с большим интересом отнесся к полотнам реалистов, вдохновленный, придерживался их идей в своем творчестве. Героями его работ стали рыбаки, городские обыватели, крестьяне. Как правило, они заняты обычными делами: купают детей, вяжут, расчесывают волосы, отдыхают, обедают и прочее. Особенно выразительны образы моряков. Практически все они показаны в какой-то напряженный момент, когда, сосредоточенно глядя на бушующее море, пытаются удержать свое судно на плаву. Их движения полны напряженного динамизма. Точность в воспроизведении деталей и аксессуаров придает этим картинам максимальную правдоподобность.

На полотне «Человек за бортом» изображен шторм. Большую часть композиции занимает фигура моряка. Замахиваясь, он собирается бросить за борт спасательный круг. Герой представлен со спины, но характеристик, «сообщенных» художником, достаточно, чтобы представить облик. Не виден и выпавший за борт человек. Таким образом, главным в произведении становятся то стремительное движение, непоколебимая мощь и решительность, с которой мужчина устремляется на спасение товарища.

Шведский художник Хельмар Осслунд стал заниматься рисованием и живописью довольно поздно, около 1889. Он расписывал фарфор компании «Густавсберг», через некоторое время за ее счет совершил поездку во Францию. Здесь творец учился в Академии Коларосси, а также посещал занятия в мастерской Поля Гогена. В этот период он писал пейзажи, портреты, жанровые композиции. Вернувшись на родину, художник много ездил по стране, выбирая интересные виды. Его особенно привлекали яркие краски осени, этому времени года посвящены многие полотна.

После персональной выставки, прошедшей в 1906 в мэрии города Евле, Осслунд получил заказ от промышленника Эмиля Маттона на серию произведений «Времена года». В 1907 мастер его исполнил. До 1979 работы находились в собственности Маттона, после три из них оказались в частных собраниях, а «Осень» украсила экспозицию Национального музея Швеции и стала «визитной карточкой» Осслунда.

На данном полотне живописец изобразил невысокие горы, отражающиеся в озерной глади, окаймленные пылающей осенними красками растительностью. Декоративность картины строится не только на сочетании ярких красных, желтых, зеленых, белых и насыщенных коричневых оттенков, но и за счет некоторой стилизации и обобщенности форм. Интересный выразительный эффект придает работе узор, образуемый изогнутыми стволами берез с тонкими, почти нагими ветвями.

Представленное полотно художник создал во время пребывания в Нордигра. Первоначально оно было написано на восьми листах пергаментной бумаги, которые он затем наклеил на холст. Осслунд запечатлел в своей работе одну из самых протяженных рек Швеции — Онгерманэльвен. С высокого берега мастер показывает красоту водной глади, плавно изгибающейся между холмов, образовывая небольшие островки, постепенно теряющейся из виду. Пламенеющий закат венчает этот ландшафт, озаряя его последними лучами солнца. Вид настолько понравился живописцу, что он неоднократно обращался к его изображению, исполняя в других цветах, несколько изменяя композиционное решение. Однако только данный вариант был создан непосредственно с натуры, все последующие — в мастерской.

За это полотно в 1915 на Всемирной выставке, проходившей в Сан-Франциско, Осслунд получил золотую медаль.

Швед Отто Хесселбом перед тем, как заняться живописью, работал разносчиком книг и переписчиком в музее. В период с 1888 по 1895 он учился в Королевской академии изящных искусств у пейзажиста П. Хольма и в этом жанре дебютировал в 1897. Впоследствии он также создавал портреты.

Хесселбом любил писать виды с озерами, лесистыми холмами, открытыми широкими пространствами. В представленном произведении «За лесом и озерами» художник воплотил все эти мотивы. Он изобразил огромное пространство с рекой на первом плане и несколькими небольшими озерами, чередой уходящими к горизонту. Но край не безжизнен — на ближнем к зрителю, высоком, берегу реки стоят несколько домиков, а по ее руслу плывут корабли. Мягкий гармоничный колорит, построенный на сочетании голубого, зеленого и белого цветов, создает атмосферу спокойствия и отдохновения.

В предыдущей главе уже было представлено произведение Эжена Янсона. Данный автопортрет относится к позднему периоду творчества. Большинство полотен, созданных в это время, посвящено изображению красивых обнаженных мужчин, занятых различными гимнастическими упражнениями. Главный акцент в работах сделан на здоровье и гармоническое развитие личности.

Янсон изобразил себя в общественной бане. Он стоит около бассейна в белом летнем костюме, который дополняют желтый галстук и широкий синий пояс, а также шляпа с такими же цветными полосами. За спиной художника — обнаженные юноши. Солнечный, светлый колорит портрета передает атмосферу молодости, неги и отдыха.

Шведский художник Йон Бауэр с детства любил рисовать. В 18 лет он поступил в Королевскую академию изящных искусств, где познакомился со своей будущей женой Эстер Эллквист. В 1908–1910 супруги совершили поездку в Германию и Италию. В период с 1907 по 1915 мастер работал над иллюстрациями к антологии сказок «Среди эльфов и троллей». Благодаря его рисункам представление о принцессах, рыцарях, троллях и других персонажах сложилось у многих поколений шведских детей. Сборник оказался столь популярен, что Бауэр стал известен по всей стране.

Данное произведение с принцессой и двумя троллями — одно из нескольких, сделанных мастером для сказки Хелены Нюблум «Подменыши». Это история о тролле, который похитил из колыбели маленькую принцессу Бьянку Марию, а положил в нее собственную дочь. Дети росли, но не были счастливы в новых семьях. В день своих свадеб они сбежали в родные дома.

Фон приглушенных тонов создает атмосферу сказки и контрастирует с первым планом, более подробным и ярким. Как и литературный источник, Бауэр акцентирует противоположности — мрачность троллей и красоту принцессы, сумрак и свет. При разработке образа Бьянки Марии автор в качестве модели использовал жену.

В 1918 отношения в семье разладились, и, чтобы сохранить брак, супруги с малолетним сыном Бенгтом решили переехать в Стокгольм. В том году, 1 октября, в Швеции произошла железнодорожная катастрофа, поэтому они взяли билеты на паром. По трагическому стечению обстоятельств он потерпел крушение, Бауэры погибли.

Следующим том

Музей Дж. Пола Гетти является самым крупным художественным музеем американского штата Калифорния. В экспозиции залов, находящихся на первом этаже, представлены рисунки, рукописи, скульптуры. Остальное пространство музея отдано живописи, полотна расположены в хронологическом порядке, что позволяет проследить, какие этапы развития прошел этот вид искусства. В музее хранится богатая коллекция произведений декоративно-прикладного искусства.