Иллюстрации Екатерины Ореховой

© Е. Адинцова, В. Семибратская, текст, 2024

© Е. Орехова, иллюстрации, 2024

© Н. Хромова, иллюстрации, 2024

© Оформление. ООО «Издательство «Эксмо», 2024

Под новым именем, полученным при постриге, и вошёл в историю монах-иконописец. Впервые в летописи Андрей Рублёв был упомянут в 1405 году, когда вместе с Феофаном Греком он расписывал Благовещенский собор в Московском Кремле.

Роспись не дошла до наших дней, но в соборном иконостасе сохранилось семь икон кисти мастера.

Три года спустя Андрей Рублёв и Даниил Чёрный приступили к росписи церкви во Владимире, позже и Успенского собора под Звенигородом.

В 1425 году Андрей Рублёв с товарищами трудился над росписью Троицкого собора. Холод сковывал пальцы художника, но никакие тяготы не могли помешать ему.

– Помоги мне, Господи, – молился и взывал иконописец.

Под лёгкими мазками кисти мастера проступали образы ангелов. Прошли столетия, икону «Троица» искусствоведы всего мира назвали шедевром.

Картина Андрея Рублёва «Святая Троица» считается главной иконой праздника Дня Святой Троицы. Академик Раушенбах назвал работу художника «взрывоподобной» из-за того, что Андрей Рублёв первым осмелился изменить сюжет картины.

На иконе изображены три ангела, сидящие у дуба Мамврийского. Сам художник пытался передать с помощью своих кистей представление о божественном – о таинственном единстве в Троице, о любви, которая объединяет Отца, Сына и Святого Духа.

«Одним из самых высших культурных достижений Древней Руси явился идеал человека, созданный в живописных произведениях Андрея Рублёва и художников его круга».

Дмитрий Лихачёв о Рублёве

– Книга – бесценное сокровище для души человека, – напоминали духовные наставники инокам, поручая переписывать и украшать книги. Этой мыслью и укреплялся Андрей, создавая листы и заставки «Евангелия Хитрово». Он не только писал иконы и фрески, но и занимался книжной миниатюрой. Последние годы жизни Андрей Рублёв провёл в Спасо-Андрониковом монастыре.

Старец стоял у стрельчатого окна своей кельи. Ночью прошёл первый снег. Монах поднял взгляд к небу. Ни облачка. Разлилась драгоценная синь. Слёзы покатились по впалым щекам старца.

– Спасибо, Господи, за эту красоту, за милость Твою, позволившую мне лицезреть её. Я сын своего времени и народа, – беззвучно шептали губы старца, – но сначала я Твой сын, Боже. Прости мне вольные и невольные согрешения мои, кои я совершил.

Белоснежный голубь сорвался с купола храма и подлетел к окну, где стоял монах.

– Суди меня, Господи, как обещал.

В памяти иконописца воскресли его фрески «Страшный Суд» Успенского собора во Владимире. Тогда ему явилось видение о безграничной милости Бога. Таким он и запечатлел свет радости от Встречи с Христом. Подобного до него не писал никто. Своим творением он не хотел никого устрашать, только напомнить: для Бога каждый человек любимое дитя, только нужно сохранить веру и надежду.

Неожиданный порыв ветра смахнул голубя с узкого каменного выступа. Птица взмыла высоко в небо.

– Скоро уже, скоро я приду к Тебе, Господи, – сотворил крестное знамение старик, – Ты даровал мне долгую жизнь и каждый её миг наполнил смыслом.

Зимой 1428 года в преклонном возрасте великий иконописец окончил свой земной путь. Судьба его сложилась счастливо. Его имя на века сохранили летописи. Андрей Рублёв был причислен к лику святых преподобных.

«Чем же Рублёв так захватывает нашего современника? Конечно, не только своим личным очарованием, счастливым даром колориста, совершенным мастерством, но и доступной ему какой-то высшей правдой в искусстве. Эта правда – нечто совсем иное, чем правдоподобие, сходство с тем, что каждый видит в окружающем его реальном мире. В образах Рублёва много небывалого, невиданного, невероятного, несбыточного, и, тем не менее, его мечты, невыполнимые желания, светлые сновидения необходимы человеку, без них ему было бы недоступно великое и возвышенное».

Михаил Алпатов о Рублёве

Один шаг отделял Алексея от мечты всей жизни. И этот шаг был сделан. Для получения звания академика художнику поручили написать портрет инспектора Воспитательного училища академии Кирилла Головачевского.

Алексей справился блестяще: изобразил его в окружении трёх мальчиков, символизирующих «три знатнейших искусства» – живопись, скульптуру и архитектуру.

Постепенно Алексею, теперь уже признанному художнику, начали поступать заказы. Наряду с портретами он начал писать жанровые картины на бытовые сюжеты из дворянской и крестьянской жизни.

На события периода Отечественной войны 1812 года художник откликнулся карикатурами на французов.

Близкие люди говорили об Алексее как о «добром, умном, деликатном и скромном» человеке. И это не пустая похвала. Художник был современником декабристов, но избрал другой путь преобразования общества. Он верил, что великая сила искусства способна улучшить мир.

Живые, наполненные чувствами образы крестьян разительно отличались от общепринятых канонов живописи того времени. «Гумно», «На пашне. Весна», «На жатве. Лето», «Спящий пастушок» – именно эти полотна принесли Венецианову славу.

Неудивительно, что, получив долгожданное признание своих художественных талантов, Венецианов оставил службу и вместе с семьёй, женой Марфой Афанасьевной и двумя дочерями, переехал в деревню Сафонково Тверской губернии.

Именно там, вдалеке от суетного света, он продолжил развивать и совершенствовать «крестьянский» жанр.

– Щедра земля наша талантами. Думаю, школу надо открывать, учить детей видеть и запечатлевать красоту. Что скажешь, Прохорыч?

Дядько, теперь уже глубокий старик, по-прежнему был рядом со своим воспитанником.

– Так среди крепостных крестьян талантов, поди, не меньше, чем среди вольных, – отвечал Прохорыч.

– Всех выкупать и учить буду, вольные давать, лишь бы было желание служить искусству и России.

Прохорыч слушал его и кивал: нет, не зря молодой барин полюбился ему ещё мальчишкой. Большой души человек вырос.

Алексей Гаврилович Венецианов, основавший так называемую Венециановскую школу живописи, за двадцать лет её работы дал путёвку в жизнь более 70 художникам. Кого-то приходилось выкупать у хозяев, кого-то помещики отдавали в школу сами. Венецианов учил их лично.

В 1847 году по пути в Тверь произошёл несчастный случай – Алексей Гаврилович Венецианов погиб. Он был похоронен в деревне Дубровское, которую позднее переименовали в Венецианово.

«Он много произвёл прекраснейших вещей сухими красками. Его произведения нравятся верностью и приятностью красок и чрезвычайной точностью исполнения света и тени».

Василий Григорович о Венецианове

В 1809 году Орест Кипренский перебрался в Москву и продолжил активно работать. Появилась целая плеяда прекрасных картин, самые значимые из них – портреты Екатерины Ростопчиной, Евграфа Давыдова, Алексея Томилова, Петра Оленина. Художник передал своё видение современников, патриотический дух того времени.

В 1816 году исполнилась мечта Ореста Кипренского: наконец снова стали возможны творческие поездки в Европу. Уже через год из Рима он прислал первую свою картину – «Молодой садовник». Объём и реалистичность картины до мельчайших деталей восхитили зрителей.

В Италии художник также получил заслуженное признание. Даже галерея Уффици во Флоренции заказала мастеру автопортрет, что было великой честью для любого художника.

Одна из известных картин «итальянского» цикла – «Девочка в маковом венке, с гвоздикой в руке (Мариучча)» – сейчас хранится в Третьяковской галерее в Москве. На ней изображена десятилетняя Анна-Мария. Интересна история создания шедевра: желая заработать немного денег, нищенка привела дочь позировать для новой картины Кипренского. Мастера тронула бедность, в которой жила малышка, и он оставил девочку у себя и заботился о ней как отец. Возвращаясь в Россию, он оплатил содержание и обучение девочки в пансионе при монастыре.

Встреча с Родиной оказалась нерадостной. Все труды Кипренского, посланные из Италии и Парижа, сильно задерживались, и художник не мог оправдать своё длительное пребывание в Европе. Общество от него отвернулось, считая обманщиком.

Ореста Кипренского поддержал известный благотворитель Дмитрий Николаевич Шереметев, предоставив свою мастерскую и сделав первые заказы.

Спустя время Антон Антонович Дельвиг заказал у мастера портрет своего друга – Александра Сергеевича Пушкина, которым впоследствии восхищался и отец поэта. Сам же Александр Сергеевич позже написал стихотворение «Кипренскому».

«Себя как в зеркале я вижу. Но это зеркало мне льстит».

Александр Пушкин о своём портрете в стихотворении «Кипренскому»

В 1828 году Орест Кипренский вернулся в Италию, где с большим трудом отыскал свою воспитанницу. Анна-Мария за годы разлуки превратилась в прекрасную женщину. Встреча потрясла обоих, и художник сделал ей предложение.

Умер Орест Адамович в 1836 году от воспаления лёгких, оставив в наследие великолепные картины, обогатившие русское искусство.

Карл был эмоционально потрясен увиденным. Древнеримский город, скрытый от человеческих глаз долгие восемнадцать веков, предстал перед ним в своём первозданном виде, каким был в день катастрофы. Улицы, дома, останки людей, погибших при извержении Везувия.

– Что ты чувствуешь? – спросила художника сопровождавшая его графиня Юлия Самойлова.

– Страх, ужас горожан, оказавшихся бессильными перед стихией, – задумчиво произнёс Карл. – Но я также ощущаю величие духа, человеческое достоинство при встрече со смертельной опасностью, – помолчав добавил он.

– Напиши картину, покажи миру трагедию народа, – попросила графиня.

Художник ничего не ответил. Но эмоции, которые он испытал на раскопках, побудили его взяться за кисть. Сотни зарисовок, шесть лет напряжённого труда и, как итог, ошеломительный успех. Осенью 1833 года картина «Последний день Помпеи» была представлена итальянской публике.

«Декорацию сию я взял с натуры, не отступая нисколько и не прибавляя, стоя к городским воротам спиною, чтобы видеть часть Везувия как главную причину».

Брюллов был избран почётным членом в художественные академии Болоньи, Пармы и Флоренции, а также в римскую Академию святого Луки. В России он был удостоен ордена Святой Анны III степени и звания почётного вольного общника Петербургской Академии художеств.

Он путешествовал, писал картины, расписывал изнутри главный купол Исаакиевского собора, преподавал в Академии художеств. Непрерывная работа сказалась на слабом с детства здоровье художника. Летом 1852 года сердце Карла Павловича Брюллова остановилось, он ушёл из жизни в расцвете славы, навечно вписав своё имя в золотые страницы русской живописи.

Родители не оставили наследства, но разве бедность может стать препятствием, если без творчества невозможно жить? Первое время барон Клодт продолжал учиться самостоятельно: наблюдал, рисовал, вырезал из дерева лошадей. Необычайно красивые фигурки охотно раскупали, но это приносило мизерный доход, денег едва хватало на еду.

Спустя два года Пётр поступил вольнослушателем в Императорскую Академию художеств. Даровитого и старательного ученика сразу заметили и взяли под своё крыло известные скульпторы Борис Орловский и Иван Мартос. Барон снял крошечную квартирку, расположенную в подвале академии, там же продолжал эксперименты с ваянием и рисунком. На окошке всегда стояли для продажи вырезанные фигурки лошадей.

Шёл 1831 год, когда однажды дождливым днём в дверь квартиры начинающего скульптора постучали.

– Здесь живёт барон Клодт? – подтянутый военный удивлённо рассматривал жилище.

Навстречу гостю вышел худой бледный брюнет в ветхой одежде и грязных сапогах.

– Я барон Пётр Яков Клодт фон Юргенсбург. Чем могу служить? – горделивая осанка не позволяла усомниться в правдивости его слов.

– В таком случае, господин барон, извольте завтра прибыть в императорские конюшни по приглашению императора.

На следующий день Пётр Карлович беседовал с императором. Государь вскоре предложил ему поучаствовать в коллективной работе вместе с известными скульпторами Пименовым и Демут-Малиновским над «Колесницей Славы», расположенной на Нарвских Триумфальных воротах. Шестёрка коней, несущая колесницу, принесла признание начинающему скульптору.

После выставки в 1833 году Пётр Карлович получил звание «назначенного в академики» благодаря скульптурной группе «Укрощение коня человеком». Решено было использовать её для украшения нового моста через Фонтанку на Невском проспекте.

С 1838 года Клодт работал над двумя одинаковыми скульптурными группами. Ими украсили Аничков мост, после чего Николай I отправил две из них в подарок прусскому королю Фридриху Вильгельму IV. Заменившие их скульптуры были также презентованы императором королю обеих Сицилий Фердинанду II. В 1850 году он сам отлил две совершенно новые группы и установил на мосту. Так родилась композиция «Укрощение коня человеком».

По задумке скульптора, нельзя одновременно рассмотреть весь ансамбль, можно только постепенно переходить от одной фигуры к другой. Перед зрителем разворачиваются картины обуздания коня, символ борьбы человека с непокорными силами природы. Сегодня невозможно представить Невский проспект в Санкт-Петербурге без знаменитых на весь мир коней.

Есть и другие известные работы Петра Клодта, установленные в его родном городе. Памятник Николаю I перед Мариинским дворцом имеет сложную конструкцию, опирается всего на две точки. Особой любовью горожан пользуется памятник Ивану Андреевичу Крылову в Летнем саду.

Профессор, преподаватель академии, заведующий литейной мастерской до старости занимался любимым делом. А ушёл из жизни Пётр Клодт внезапно, во время работы над фигуркой лошадки для своей маленькой внучки.

«Барон, твои кони лучше моих жеребцов!»

Николай I о скульптурах Клодта

Как вольноприходящий ученик, Иванов не мог рассчитывать на помощь академии в дальнейшем обучении за границей, однако своё покровительство молодому живописцу оказало Общество поощрения художников. Весной 1830 года он отправился в Италию. В Риме Александр старательно изучал памятники итальянского искусства, копировал фрески Микеланджело в Сикстинской капелле. Вдохновлённый творчеством великих мастеров прошлого, он пишет картины «Аполлон, Гиацинт и Кипарис, занимающиеся музыкой и пением» и «Явление Христа Марии Магдалине после воскресения».

В 1837 году художник решился приступить к работе, в которой хотел изобразить важнейшее событие всей человеческой истории. Огромный размер полотна – более 7 метров в длину и более 5 метров в высоту – соответствовал грандиозности идеи, овладевшей художником.

Александр Иванов выбрал один из самых значительных библейских сюжетов – явление Иисуса Христа в тот момент, когда Иоанн Креститель (Предтеча) проповедует людям учение Христа. При этом художник хотел показать определяющий момент ожидания чуда не через образ Христа, а через реакцию увидевших его людей. Для воплощения этого замысла живописец решил создать монументальное многофигурное полотно. Художник мечтал создать картину, увидев которую люди станут менее жестокими и более справедливым, а значит, их жизнь изменится к лучшему. Весь жар своей души Иванов вложил в картину «Явление Христа народу».

Он трудился над полотном с перерывами долгих 20 лет, ведя полунищенское существование и отдавая все силы работе. Александр мог бы стать богатым и знаменитым, если бы согласился писать на заказ. Но это означало для него отступить от своего видения роли художника в обществе.

С неимоверной художественной силой Александру Иванову удалось передать чувства и эмоции людей, впервые услышавших о милосердии Бога. Спаситель является к безутешным и скорбящим простым людям, собравшимся на берегу Иордана послушать проповедь пророка Иоанна Крестителя. На переднем плане картины множество людей. В центре пророк Иоанн указывает на Христа. Каждый образ из многочисленных персонажей картины многократно переписывался художником, дабы достичь максимально совершенства. На заднем плане полотна виднеются затуманенные горы в сочетании с розоватым оттенком неба и синими водами. Кажется, сама природа замерла в ожидании чудесного преображения.

Долгие годы Иванов трудился над картиной, ради неё пренебрёг славой и личным счастьем. Трудно найти живопись, более исполненную состраданием к угнетённому человеку и в то же время дарящую надежду и утешение.

В 1858 году после 27-летнего отсутствия художник с законченной картиной возвратился в Россию.

Выставленное на суд общественности в академии полотно вызвало небывалый резонанс. Часть зрителей были потрясены и прониклись высоким гуманистическим посылом картины до слёз. Иные возмутились смелости почерка, третьи сочли картину чрезмерно пафосной не ко времени.

Александр Иванов привёз с собой на Родину не только художественное произведение, но и грандиозные планы. В толстых папках лежали акварельные рисунки, получившие всемирную известность под названием «Библейские эскизы». По ним художник мечтал написать картины на стенах открытого в будущем «Храма мудрости». Увы, его планам не суждено было сбыться.

3 июля 1858 года во время эпидемии холеры Александр Иванов ушёл из жизни.

«В нем жила детская, ангельская, пытливая душа, настоящая душа пророка, жаждавшая истины и не боявшаяся мученичества…»

Александр Бенуа об Иванове

Яков Христианович стал заниматься с мальчиком рисованием, подарил ему бумагу и краски, которые семье были не по карману. Некоторое время спустя архитектор показал рисунки Ованеса градоначальнику Феодосии, Александру Ивановичу Казначееву, а после мальчик сыграл для него на скрипке. Казначеев, тонкий ценитель музыки, пришёл в восторг от даровитости ребёнка. Вскоре градоначальника назначили губернатором Таврическим, и он забрал Ованеса с собой в Симферополь и устроил в гимназию.

В шестнадцать лет, по окончании гимназии, юноша поступил в Императорскую Академию художеств в Петербурге. Там он сменил имя и фамилию с Ованеса Айвазяна на благозвучные – Иван Айвазовский. Первым наставником начинающего художника стал признанный мастер пейзажа, заслуженный профессор Художественной академии Максим Никифорович Воробьёв. Он оказал важное влияние на всё дальнейшее творчество Айвазовского. Между педагогом и учеником сложились тёплые отношения. Иван постигал всё новые премудрости живописи, которыми щедро делился учитель. Однажды Воробьёв позвал юношу к себе и объявил, что научил его всему, что умел сам. Настало время передать его другому наставнику.

Новый преподаватель, француз Филипп Таннер, сразу оценил, что мастерство Ивана Айвазовского многократно превосходит его собственное, из-за чего тот невзлюбил ученика. Он начал заваливать юношу черновой работой, но упорство и любовь к искусству побуждали юного Ивана жертвовать сном и работать над собственными полотнами.

Однажды в 1836 году Таннер не включил картины талантливого ученика в экспозицию выставки, ссылаясь на то, что юноша ещё не готов. Айвазовский, понимая творящуюся несправедливость, без разрешения представил на выставке свои полотна. Таннер был в бешенстве, он тут же написал донос Николаю I о дерзости ученика. За него вступились выдающиеся современники – Жуковский, Оленев, Крылов. Решающий голос был за придворным учителем живописи императорских детей Александром Ивановичем Зауервейдом.

Конфликт пошёл на пользу Ивану Айвазовскому, он познакомился с великим князем и цесаревичем Константином и уехал с ним на Балтийский флот. Художник оказался в своей стихии, он изучал корабли и с упоением писал море.

В 1837 году за картину «Штиль» Айвазовский получил золотую медаль. Посовещавшись, руководители Академии художеств приняли решение выпустить талантливого художника, так как больше ничему научить его не могли. В 20 лет он окончил курс и навсегда остался самым молодым выпускником академии.

Иван Айвазовский трудился в Венеции, Флоренции, Риме, Голландии, Швейцарии, Португалии. Он был знаком и дружил с Гоголем, Глинкой, Пушкиным, Брюлловым, Кипренским.

Непревзойдённый маринист неустанно писал море. Одна из самых известных его картин – «Девятый вал». Существует поверье, что во время шторма девятая волна наиболее мощная, именно она может нанести роковой удар.

На полотне изображены люди, пытающиеся спастись после гибели корабля на обломке мачты. На них надвигается самая высокая волна. Берег не виден, зато вдали появились проблески солнца как надежда на спасение.

Став известным и обеспеченным человеком, Айвазовский занялся обустройством Феодосии. Он построил и подарил галерею, школу искусств, питьевой фонтан, начал строить железную дорогу и водопровод.

Иван Айвазовский умер в Феодосии во сне, в 82 года. У него остались четыре дочери, много внуков и более 6000 картин.

«В его буре есть упоение, есть та вечная красота, которая поражает зрителя в живой, настоящей буре… в изображении бесконечного разнообразия бури никакой эффект не может казаться преувеличенным».

Фёдор Достоевский о картине Айвазовского

В 1844 году Алексей успешно сдал экзамены в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Он самостоятельно оплатил первые месяцы обучения. Юноше казалось, что в его жизни наступил счастливый период, у него есть возможность постигать тайны мастерства живописи, его хвалят учителя и уважают товарищи. Но дома, в семье, сгустились тучи: после тяжёлой болезни умерла мать. Отец нуждался в помощи сына, и Алёше пришлось на несколько лет оставить учёбу. Только в 1848 году Алексей смог вернуться в училище. Молодой человек попал в пейзажный класс к замечательному мастеру – Карлу Ивановичу Рабусу. Он был таким учителем, который умеет распознать природный потенциал молодого дарования и указать верное направление для развития. Он вёл практические занятия, читал лекции по теории живописи, рассказывал о творчестве Леонардо да Винчи, Рафаэля, Гёте. Заметив умение Алексея Саврасова видеть и чувствовать красоту в окружающем его мире, Рабус помог юноше овладеть секретами создания пейзажа. В 1849 году Рабус выхлопотал у мецената Николая Лихачёва поездку для Алексея на юг России. Это путешествие было наградой лучшему ученику. «Украинский пейзаж» – картина Алексея Саврасова показала его профессиональную зрелость. Алексей смог передать очарование природы.

«Передал момент чрезвычайно верно и жизненно. Видишь движение туч и слышишь шум ветвей дерева и замотавшейся травы – быть ливню».

Николай Рамазанов о Саврасове

Прошёл всего год, и картины «Вид Московского Кремля при луне» и «Камень в лесу у „Разлива“» принесли Алексею Саврасову высокое звание художника. Мастерство оттачивается трудом. Настоящие известность и признание пришли к Саврасову в 1851 году, после представления картины «Вид на Кремль от Крымского моста в ненастную погоду».

Лето 1854 года для Алексея выдалось особым, художник был приглашён великой княгиней Марией Николаевной, дочерью Николая I, пожить и поработать в её имении Сергиевка на берегу Финского залива.

– Да как такое возможно?! – княгиня Мария Николаевна не скрывала восторга.

Молодой художник стоял возле мольберта и скромно молчал. Представленная картина «Морской берег в окрестностях Ораниенбаума» и впрямь была хороша.

– От пейзажа не отвести взгляда! – княгиня всматривалась в полотно, отмечая каждую деталь. – Красиво и грустно, но это светлая грусть, она полезна душе и сердцу, – задумчиво произнесла княгиня.

Осенью того же года, в возрасте 24 лет, Алексей Саврасов стал самым молодым академиком за всю историю Академии художеств. Когда любимый учитель Алексея Карл Рабус ушёл из жизни, Саврасову предложили возглавить пейзажный класс. Ученики полюбили нового преподавателя. Саврасов никогда не спорил, не ругался, он воодушевлял, пробуждая любовь к родной земле, учил видеть красоту в самых обыденных вещах.

За 24 года службы в училище он воспитал плеяду выдающихся художников, среди которых Лев Каменев, Сергей Светославский, Исаак Левитан, Константин Коровин, Михаил Нестеров. Параллельно Саврасов творил. На выставке Общества любителей художеств его полотна «Вечер» и «Вид в селе Архангельском» произвели фурор. А картина «Грачи прилетели», написанная в 1871 году, вошла во все учебники и хрестоматии как образец русского пейзажа.

В 1897 году великий художник Алексей Саврасов окончил свой жизненный путь, оставив наследство – картины мирового значения, учеников и чистую, прозрачную, как весенний воздух, непроходящую любовь к русской земле.

«…С Саврасова появилась лирика в живописи пейзажа и безграничная любовь к своей родной земле…»

Исаак Левитан о Саврасове

Следующие четыре года прошли в классе наставника, известного портретиста Аполлона Мокрицкого. Юноша усердно учился, выполнял задания. Пейзаж оставался приоритетным направлением его работ, природа манила и не отпускала. Он кропотливо зарисовывал детали, долго работал над мельчайшими штрихами. Со временем о тихом и скромном ученике узнала вся школа. Сокурсники шли за помощью к Ивану, а преподаватели отмечали его несомненную даровитость.

Однажды на выставке он увидел картину «Девятый вал» Ивана Айвазовского. Это стало настоящим потрясением для Шишкина и стимулом продолжать неустанно учиться. Мокрицкий всячески поддерживал ученика в его увлечении пейзажной живописью. Нарисовать лес, реку, луг Иван мог настолько детально и правдиво, что среди однокашников равных ему не было.

«Шишкин – верстовой столб в развитии русского пейзажа, это человек-школа, но живая школа».

Иван Крамской о Шишкине

Пролетели ещё четыре года, по окончании училища Иван Шишкин продолжил обучение в Императорской Академии художеств. Его называли не иначе как блестящим студентом, трудолюбивым, с добрым нравом и ярким талантом. А летняя поездка на Валаам пришлась по сердцу молодому художнику. Совершенная природа вдохновила Ивана Шишкина на создание этюда «Сосна на Валааме», за что он получил серебряную медаль.

В 1860 году Иван Шишкин окончил академию с большой золотой медалью. Высокая награда давала право поехать за границу для совершенствования художественного мастерства за счёт государства. Он побывал в Женеве, Цюрихе, Мюнхене. Картина «Вид в окрестностях Дюссельдорфа», написанная во время проживания в Дюссельдорфе, принесла художнику европейское признание и звание академика.

По окончании пенсионерской поездки Иван Иванович Шишкин вернулся в Россию и сразу влился в художественную жизнь Москвы и Санкт-Петербурга. Он продолжал писать неподражаемые пейзажи. Родная Елабуга вдохновляла художника. В окрестностях города было написано немало полотен. В 1868 году великая княгиня Мария Николаевна, сестра императора Александра II и президент Императорской Академии художеств, лично наградила Шишкина орденом Святого Станислава III степени.

Иван Иванович продолжал развиваться и как художник-гравёр, состоял в Обществе русских аквафортистов. Стал профессором Академии художеств, преподавал, руководил пейзажной мастерской, работал преподавателем Высшего художественного училища при академии.

В Третьяковской галерее в Москве экспонируется один из самых известных шедевров, картина, написанная маслом в 1889 году, «Утро в сосновом лесу». Картина создана Иваном Шишкиным в соавторстве с Константином Савицким. Шишкин сомневался, достаточно ли он убедителен в своём мастерстве изображать животных. Поэтому нарисовать семейство медведей он пригласил своего друга Константина Аполлоновича. Спустя годы эту картину купил Третьяков для своей галереи и, решив, что роль Савицкого незначительна, удалил его подпись с полотна.

Художник кондитерской фабрики «Эйнем» (сейчас «Красный Октябрь») Мануил Андреевич Андреев создал обёртку для конфет «Мишка косолапый» с картины Шишкина.

«Утро в сосновом лесу – для меня это утро есть и утро человеческой жизни, утро ожиданий, надежд».

Русский живописец, рисовальщик и гравёр-офортист – один из главных мастеров реалистического пейзажа второй половины XIX века. Академик, профессор, руководитель пейзажной мастерской Императорской Академии художеств скончался у мольберта 8 марта 1898 года, работая над картиной «Лесное царство».

Шёл 1867 год, Василий вернулся в Россию и подал прошение определить его художником к вновь назначенному генерал-губернатору, командующему войсками Туркестанского военного округа, Константину Петровичу фон Кауфману. Художнику едва исполнилось 24 года, в чине прапорщика он был принят на службу.

Военные опасности и трудности его не страшили, наоборот, душа жаждала подвигов и славы. Вскоре случился и повод. За мужество, проявленное при обороне Самарканда, Верещагин был награждён орденом Святого Георгия IV степени. Единственная награда, принятая им. Упрямый гордец с обострённым чувством справедливости, Василий отказывался от любых почётных званий и чинов, будь то звание академика или профессора.

Окинув придирчивым взглядом холст, художник подошёл к огромному панорамному окну мастерской. За стеклом текла мирная жизнь горожан.

– Они думают, что варварство где-то далеко в прошлом, но оно рядом, пока существуют войны, – вздохнул он и повернулся к картине.

На переднем плане полотна на раскалённом песке пустыни гора черепов, сложенных в пирамиду. Палящее солнце взирает с синего неба на полное запустение некогда цветущего края. Сухие стволы деревьев, руины города. Ни одного живого существа, кроме чёрных воронов.

– Всё может повториться в любой момент, – вздохнул художник.

Картина «Апофеоз войны» вошла в серию «Туркестанская» – итог поездок художника в Среднюю Азию. Кроме неё в серию вошли 81 этюд, 133 рисунка, 12 картин. Среди них широко известные полотна «Двери Тимура (Тамерлана)» и «Продажа ребёнка-невольника».

Любовь к путешествиям в 1874 году привела Василия в Индию, где началась работа над «Индийской» серией. Позже она была прервана развязавшейся Русско-турецкой войной.

Василий Верещагин отправился на неё добровольцем. Участвовал в боях, проявляя героизм и смелость. Художник едва не погиб, получив тяжёлое ранение, но поправившись, Василий тут же поспешил обратно на фронт. Кто, как не он, с документальной достоверностью мог запечатлеть исторические события?

Во время штурма Плевны погиб младший брат художника, Сергей. Никогда не любивший войну, Василий стал её ярым противником. В 1878 году он начал работу над серией картин «Балканская», рисуя с холодной правдивостью трагическую повседневность войны.

В 1896 году художник приступил к новой крупной работе – серии, посвящённой Отечественной войне 1812 года. Отобразить «великий национальный дух русского народа, его самоотверженность и героизм в борьбе с врагом» – так сам Василий Верещагин определял поставленную перед собой задачу. События от Бородинского сражения до момента гибели французской армии в снегах России нашли отображение в 17 полотнах. На трёх картинах Верещагин запечатлел подвиг русского народа в партизанской войне.

С началом Русско-японской войны Василий Верещагин снова добровольно поехал к месту боевых действий. 31 марта 1904 великий русский живописец трагически погиб.

«Путешествие признаю великою школою – много видел и слышал и имею сказать много. Говорил, рисовал и писал с искренним намерением поведать другим то, что узнал сам».

Илюша оправдывался:

– Маменька, я только большие картины хотел рассмотреть.

Заметив страсть сына к живописи, родители в 1855 году отдали его в школу топографов. Через два года школу закрыли, и Илья отправился учеником в иконописную мастерскую. Ему едва исполнилось 16, когда он начал работать самостоятельно. Вскоре Илье повезло, удалось выполнить крупный заказ – роспись храма в окрестностях Чугуева. Мечта выучиться на «настоящего художника» стала на шаг ближе. Уже осенью 1863 года Илья приступил к занятиям в Петербургской рисовальной школе. Однажды на одном из классов случилась самая важная встреча в его жизни – он познакомился с Иваном Крамским. Известный художник, глава передвижников, Крамской стал не просто наставником Илье, а настоящим другом. До конца жизни Илья Репин считал Крамского своим главным учителем.

Через год Илью приняли в Академию художеств. За восемь лет обучения его работы не раз отмечали наградами: в 1865 году малой серебряной медалью за эскиз «Ангел смерти истребляет первенцев египетских»; в 1869 году малой золотой медалью за работу «Иов и его друзья» и большой золотой медалью академии за картину «Воскрешение дочери Иаира» в 1871-м.

После первого показа картины «Бурлаки на Волге» о Репине заговорили ценители искусства и критики. Необычный для того времени сюжет вызвал противоречивые оценки и жаркие споры. Обращение к современной жизни простого народа было совершенно новаторским шагом. И Репин сделал этот шаг, положив начало новой эпохе в истории российского искусства – эпохе реализма.

Идея полотна возникла ещё в пору студенчества, когда он в 1869 году отправился на этюды в Усть-Ижору и увидел на Неве бурлаков, наёмных рабочих, которые в сезоны «большой воды» тянули на себе судна против течения с помощью бечевы. Зрелище поразило воображение молодого художника. Лето 1870 года он провёл на Волге, рисуя эскизы, и в итоге создал уникальное полотно. Тщательно прорисованные образы одиннадцати персонажей притягивают взгляд. С одной стороны, тяжёлый труд, с другой – сильные волевые характеры, каждый герой со своей историей.

Картина понравилась великому князю Владимиру Александровичу, президенту Академии художеств, и он приобрёл её для личной коллекции. Весной 1873 года Илья как пенсионер академии отправился в заграничную поездку. Вена, Флоренция, Неаполь, Рим, Париж – города, о которых он давно грезил, вскорости стали вызывать скуку.

Илья Репин продолжал много писать. Картина «Садко» была одной из картин, созданной в тот период, и принесла ему звание академика. Вернувшись на Родину, художник принимает активное участие в деятельности Товарищества передвижников, начинает работу с самым выдающимся своим учеником В. Серовым. Пишет картину «Царевна Софья» и множество портретов.

Страстный, увлекающийся, с обострённым чувством личной причастности к наиболее значимым событиям эпохи, Илья Репин не мог пройти мимо революционных настроений в обществе. «Арест пропагандиста», «Не ждали», «Отказ от исповеди» – целый ряд работ он посвятил идеям народничества.

Даже знаменитая картина «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года» навеяна современными Репину событиями. Убийство 1 марта 1881 года царя Александра II вызвало в стране волну репрессий против революционеров. Илья, как гражданин и художник, нарисовал своеобразный манифест против жестокости и смертных приговоров народовольцам. Полотно ошеломило публику тогда, не оставляет равнодушным и сейчас.

Современники Репина прочитали и верно поняли символизм картины, ведь в России простой народ всегда называл царя батюшкой.

Великий русский художник Илья Репин ушёл из жизни 29 сентября 1930 года. Но до сих пор совершенство его картин восхищает и волнует.

«Бурлаки, настоящие бурлаки и более ничего, ни один из них не кричит с картины зрителю: „Посмотри, как я несчастен и до какой степени ты задолжал народу!“»

Фёдор Достоевский о картине Репина

Василий окончил вечерние классы с двумя серебряными медалями за этюд и рисунки. И после этого вернулся в университет на юридический факультет. 1871 год ознаменовался двумя важными событиями в жизни Василия Поленова. Он стал дипломированным выпускником университета, защитив диссертацию по близкой ему теме «О значении искусства в его применении к ремёслам». А также получил большую золотую медаль в Академии художеств за картину «Воскрешение дочери Иаира». Высокая награда дала право Поленову поехать в оплачиваемую академией поездку в Европу на шесть лет.

Художнику в это время исполнилось 27 лет, и он всё ещё продолжал искать свой стиль. В Германии изучал искусство немецких художников и делал наброски в старинных рыцарских замках. По эскизам создал полотно «Право господина», которое купил известный меценат Павел Третьяков. Поездка охватила и Флоренцию, Неаполь, Венецию.

Василий Поленов давно мечтал жить в Москве, и в 1877 году ему удалось переехать. Василий Дмитриевич принялся вдохновенно писать древние терема, соборы старой Москвы для задуманного полотна «Пострижение негодной царевны». Этюд с видом на храм Спаса Преображения на Песках стал основой известного произведения «Московский дворик». Его Поленов представил на выставке передвижников. Сам он был не очень доволен работой, однако посетители и критики были иного мнения.

«Я искренно желал сделать искусство доступным и интересным народу. Это было всегда одной из главных задач моей работы».

Большой цикл картин, а их более пятидесяти, Василий Поленов посвятил жизнеописанию Христа. Художник отправился путешествовать в Палестину, Египет, Сирию, чтобы глубже вникнуть в исторический материал и добиться достоверности. Поленов делал подробные записи, зарисовки и покупал костюмы жителей восточных стран. Этюды, которые он привёз из поездки, приобрёл Третьяков. Эскизы к полотну «Христос и грешница» Василий Дмитриевич писал в Италии. Законченную картину на выставке передвижников увидел Александр III и тут же купил. Сам Поленов считал евангельскую серию своих картин главным делом жизни.

В 1912 году Василия Поленова пригласили принять участие в выставке в США. Полотна с библейскими сюжетами должны были доставить в Америку на борту «Титаника». По стечению обстоятельств картины привезли в порт с опозданием, и это чудом спасло полотна.

Василий Поленов проявил себя и как выдающийся педагог. Он двенадцать лет преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Его воспитанники – Левитан, Остроухов, Иванов, Коровин, Архипов.

Исполняя ещё одну свою мечту, в 1890 году художник купил заброшенную усадьбу на берегу Оки. По его чертежам построили дом. Это было не только жилище семьи Поленовых, но и галерея, и просветительский центр для крестьянских детей. Он возвёл две школы в соседних деревнях, преподавал детям основы живописи, открыл театральные кружки.

Обнаружился музыкальный талант художника, он начал сочинять музыку и продолжал заниматься живописью. Картину «Разлив на Оке» Василий Дмитриевич написал в 75 лет, именно её критики признали одним из лучших произведений позднего творчества. В честь 80-летия художника прошла персональная выставка в Третьяковской галерее. Ещё через два года Василий Поленов один из первых получил высокое звание народного художника РСФСР.

Жизненный путь Поленов окончил дома, в любимой усадьбе, оставив миру шедевры жанровой и исторической живописи.

Когда с вечерней службы приходил отец, сельский священник Михаил Васильевич, мать, Аполлинария Ивановна, накрывала на стол. После ужина матушка читала с детьми научные журналы, а батюшка, который замечательно рисовал, учил сыновей изображать предметы и природу. По воскресеньям братья ходили к бабушке, Ольге Александровне Васнецовой, рассматривали картины на стенах её дома, автором которых была она сама.

Витя охотно рисовал вятскую природу – хвойные леса, полноводные реки; делал наброски из жизни крестьян. В 10 лет мальчика приняли в духовное училище, а по окончании в семинарию. Он с интересом изучал жития святых, читал летописные своды, хронографы, притчи. Наряду с учёбой юноша писал портреты с натуры, стараясь передать характеры людей. Заметив способности Виктора к рисованию, его пригласили помогать расписывать Вятский кафедральный собор. В 1867 году юноша проиллюстрировал книгу этнографа Николая Трапицина о пословицах. В это же время появились первые картины – «Жница» и «Молочница». Семинарист продал полотна на аукционе и, не доучившись год, вернулся домой.

– Отец, слово твоё для меня закон, не посмею нарушить волю твою. – Виктор покорно опустил голову.

– Всё знаю, сынок, всё вижу. Не стану тебя неволить. – Михаил Васильевич обнял Виктора. – Благословляю тебя на поступление в Петербургскую Академию художеств.

Целый год Васнецов готовился в школе Ивана Крамского. Он подружился с Ильёй Репиным, Василием Поленовым, Архипом Куинджи, Марком Антокольским. Спустя два года студент академии Виктор Васнецов за картину «Христос и Пилат перед народом» получил большую серебряную медаль. Вышли книги Николая Столпянского «Народная азбука» и «Солдатская азбука» с иллюстрациями молодого художника.

«Я работал над „Богатырями“, может быть, не всегда с должной напряжённостью, но они всегда неотступно были передо мною, к ним всегда влеклось сердце и тянулась рука!»

Воспитанный на народных былинах и песнях, Васнецов сделал карандашный набросок «Богатырей», картины, над которой он работал 25 лет, стараясь передать дух России и своих соотечественников. Добрыня Никитич, Илья Муромец и Алёша Попович обходят дозором земли русские, охраняют Родину от набегов недругов.

На Всемирной выставке в Лондоне 1874 года бронзовой медалью наградили картины «Книжная лавочка» и «Мальчик с бутылкой вина». Васнецов получил известность как живописец бытового жанра, критики отмечали его точную подачу характеров людей, их настроения. В это же время художник стал участвовать в выставках передвижников со своими полотнами.

Виктор Михайлович продолжил тему древних сказаний картиной «Витязь на распутье». Это личное прочтение былины об Илье Муромце. Богатырь верхом на белом коне остановился у камня-указателя: «Как пряму ехати – живу не бывати – нет пути ни проезжему, ни прохожему, ни пролётному». В эпосе дальше говорится: «Направу ехати – женату быти; налеву ехати – богату быти». Только художник специально спрятал под мох эти слова, чтобы у героя не осталось выбора. Солнца не видно, только степь кругом, редкие травы. Хищная птица летит низко над землёй, ожидая скорую добычу. Всё навевает тревогу. Да и сам герой не знает, что его ждёт впереди. Только нам известно окончание былины. Илья поехал прямо, встретил разбойников, победил их и вернулся к камню написать, что дурное предсказание не сбылось.

Виктор Васнецов известен и как архитектор. По его эскизам строили усадьбу Мамонтова, церковь Спаса Нерукотворного в Абрамцеве, да и свой дом он тоже придумал сам.

Адриан Прахов, один из преподавателей Васнецова, в 1885 году предложил поехать в Киевскую губернию Российской империи, расписать только что построенный Владимирский собор в Киеве. Работа заняла 11 лет. Русской Мадонной назвали современники Богоматерь с Младенцем, изображённую в храмовой росписи. Освящение собора почтил император Николай II с семьёй. За роспись Владимирского храма Васнецов получил орден Святого равноапостольного князя Владимира IV степени. После художник расписывал храмы в Петербурге, Гусь-Хрустальном и за границей: в Варшаве, Дармштадте.

«Я всегда был убеждён, что в жанровых и исторических картинах, статуях и вообще каком бы то ни было произведении искусства – образа, звука, слова – в сказках, песне, былине, драме и прочем сказывается весь целый облик народа, внутренний и внешний, с прошлым и настоящим, а может быть, и будущим».

В 1892 году Виктор Васнецов стал профессором живописи и действительным членом Академии художеств. В 1915-м ему было присвоено звание почётного члена Московской духовной академии.

Виктор Васнецов умер в своей мастерской в 1926 году, оставив нам веру в сказку и доброе будущее.

Зимой 1869 года Василий прибыл в Петербург. Сначала в академию его не взяли. Но он не отступил. Прошёл курс обучения в Санкт-Петербургской рисовальной школе Общества поощрения художников. И в августе того же года был принят в Петербургскую Академию художеств вольнослушателем. А ещё через год его зачислили в класс Павла Чистякова.

За шесть лет обучения старательного студента не раз поощряли денежными премиями и наградами. Живописные работы принесли Василию четыре серебряные и малую золотую медали.

Осенью 1875 года Суриков окончил академию, получив звание классного художника первой степени, и переехал в Москву.

Город покорил Василия своей исторической атмосферой, и именно здесь он нашёл свои темы и образы.

Три года Суриков работал над картиной «Утро стрелецкой казни». Детально изучал события мятежа 1698 года. Он хотел отразить столкновение двух миров: старого, уходящего мира царевны Софьи и преданных ей стрельцов и мира нового, мира реформ, преобразований царя Петра I, умного, но сурового правителя.

В марте 1881 года картина «Утро стрелецкой казни» была впервые представлена на суд зрителей и сразу стала сенсацией IX передвижной выставки Товарищества передвижных художественных выставок. Произведение Сурикова имело ошеломляющий успех.

Идея полотна «Меншиков в Берёзове» пришла к Василию Ивановичу дождливым летом 1881 года. Он с женой и детьми проживал на даче в Перерве. Из-за скверной погоды Суриковы часто проводили время в доме, коротая время за разговорами и чаепитиями. В один из ненастных дней художнику представилась картина, что вот так, в простой избе, доживал свои дни когда-то могущественный Александр Меншиков. Попавший в немилость, лишённый власти и всех своих привилегий, вельможа был отправлен в ссылку в город Берёзов. В основе сюжета картины один вечер из жизни князя. Меншиков небритый, растрёпанный, погружён в тяжёлые раздумья о превратностях судьбы. Трагизм картины подчёркивают и образы детей опального царедворца: печальные глаза старшей дочери, бывшей царской невесты, которой вместо роскошных покоев дворца предстоит влачить дни в убогой избушке; равнодушное выражение лица сына, смирившегося с незавидной участью; скорбная поза младшей дочери, читающей у стола Евангелие. Суриков не использовал ярких красок. Мрачный колорит картины подчеркнул тяжёлую атмосферу подавленности в семействе Меншиковых. Художник гениально изобразил драму людей, имевших всё и вмиг всё потерявших.

«Боярыня Морозова», «Покорение Сибири Ермаком Тимофеевичем», «Переход Суворова через Альпы», «Степан Разин», «Взятие снежного городка» и другие картины Василия Сурикова свидетельствуют – его вдохновителем был русской народ. Яркая неповторимая индивидуальность каждого человека сливается в едином порыве масс, будь то страдание или торжество.

Жизнь и картины Василия Ивановича Сурикова стали наглядным примером служения Родине, знания и уважения её истории. Произведения мастера были поняты, приняты и любимы современниками и потомками.

Художник ушёл из жизни в 1916 году, а его полотна стали вершиной искусства передвижников и вошли в золотой фонд русской живописи.

«Картина Сурикова делает впечатление неотразимое, глубокое на всех».

Илья Репин о полотне Сурикова

– У меня было счастливое детство, – Михаил перед отъездом прощался с отцом.

– Настало время послужить обществу, ты принял правильное решение, – подбодрил Александр Михайлович сына.

Юноша промолчал. Быть юристом он не мечтал, но и не желал огорчать родителя. Михаил по-прежнему не видел своей жизни без живописи, музыки и театра.

Будучи студентом Петербургского университета, Михаил Врубель не перестал рисовать. Творчество было неотъемлемой частью его души. Многие часы юноша проводил в залах Эрмитажа, изучая работы художников прошлого. Михаил понимал, только знания могут стать заветным ключом, открывающим врата мастерства.

В те времена многие студенты подрабатывали репетиторами. Михаил помогал освоить латынь сыну богатого сахарозаводчика Папмели. Семья ученика тепло отнеслась и поддержала юношу в его стремлении рисовать. Папмели познакомили Михаила со студентами Академии художеств, и теперь он мог посещать вечерние классы. На календаре был 1880 год, когда осуществилась его мечта – он поступил в Академию художеств.

Михаил обучался в мастерской известного педагога Чистякова и параллельно изучал тонкости создания акварелей в мастерской Ильи Репина, великого русского живописца.

Михаилу было 28 лет, когда он по рекомендации своего учителя Павла Чистякова уехал в Киев. Шесть лет художник постигал законы канонического искусства, принимал участие в реставрации храмов, расписывал стены, создавал эскизы для фресок, написал четыре иконы. В 1885 году, желая постичь тайны мастеров Византии и Рима, Михаил посетил Италию.

Вдохновляла художника не только живопись. Он создавал скульптуры, керамические вазы, декорации для спектаклей, архитектурные проекты. Всё, за что брался Врубель, получалось великолепно, передавало его уникальное видение мира. Но всё-таки известность и всемирную славу Михаилу Врубелю принесло рисование.

Первой его наградой стала малая серебряная медаль за академический рисунок «Обручение Марии с Иосифом» ещё в годы обучения в академии. Трудолюбивый художник не только писал картины религиозного содержания, но и портреты современников, создавал иллюстрации к произведениям русских писателей и поэтов. Тонкое восприятие художественного слова помогло живописцу подойти к основной теме его творчества – созданию «демонического цикла».

В 1890 году Врубелю предложили проиллюстрировать двухтомник Лермонтова. Одновременно с этой работой он начал писать свою самую знаменитую картину – «Демон сидящий». От неимоверного перенапряжения у художника начались проблемы со здоровьем. Работа изматывала его, но и одновременно дарила ощущение полёта. Михаил Александрович делился переполнявшими чувствами со старшей сестрой:

– Я пишу Демона, то есть не то чтобы монументального Демона, которого я напишу ещё со временем, а «демонического» – полуобнажённая, крылатая, молодая уныло-задумчивая фигура сидит, обняв колена, на фоне заката и смотрит на цветущую поляну, с которой ей протягиваются ветви, гнущиеся под цветами.

Художник дописал послание сестре и уснул сидя, положив голову на перепачканные красками руки. У него всё ещё было впереди: восторг почитателей, хула критиков, непонимание обывателей, долгие годы борьбы с болезнью и мировая слава.

Художник Михаил Александрович Врубель закончил свой земной путь в 1910 году в больнице, уступив тяжёлой продолжительной болезни.

«Перед тем, что Врубель и ему подобные приоткрывают человечеству раз в столетие, я умею лишь трепетать. Тех миров, которые видели они, мы не видим».

Александр Блок о Врубеле

Юноша усвоил главное правило учителя, которое было ему близко и понятно: пейзаж нужно создавать не в уютной мастерской, а на пленэре, писать, изучать, но главное – чувствовать. Едва начинал таять снег, Саврасов выводил ребят с этюдниками в Измайловский парк, в Сокольники, в Останкино. Краски природы, звуки, движение воздуха сливались в единую гармонию красоты, пробуждая вдохновение.

В 1875 году умерла мать Левитана, а через два года не стало отца. Исаак оказался в бедственном положении. Ему приходилось тайком от сторожа училища спать на широком подоконнике в коридоре. Юноша часто голодал. Зная о крайней нужде Исаака, педагоги хлопотали о денежном пособии для талантливого ученика, его освободили от платы за обучение, выдавали для работы кисти и краски. Юноша продолжал старательно учиться.

Он много работал: давал частные уроки рисования, иллюстрировал журналы, создавал театральные декорации для спектаклей.

Исааку Левитану едва исполнилось 19, когда в училище организовали выставку. Это было большим событием и для учеников, и для преподавателей. Исаак волновался. А вдруг великий Саврасов скажет, что картина «Осенний день. Сокольники» написана бездарно?

Опасения оказались напрасны. Работу Левитана по достоинству оценили педагоги, а меценат Павел Третьяков приобрёл картину за 100 рублей. Художник получил первую большую награду за усердную работу и верность искусству. Спустя четыре года Товарищество передвижных выставок приняло полотна Левитана для показа.

В 1885 году художник поселился в Истринском районе и познакомился в усадьбе Киселёвых с Антоном Чеховым. Их дружба продлилась много лет и привнесла новые краски в творчество.

Левитан уже был известным художником, когда в 29 лет впервые отправился в Европу на парижскую Всемирную выставку. Изучая работы французских мастеров, Исаак Ильич тосковал по России, желая скорее вернуться домой и писать русские красоты.

Левитан писал удивительно точные портреты, передавая характеры своих героев; его кисти принадлежат необыкновенно живые натюрморты. Однако для потомков он остался в первую очередь неподражаемым пейзажистом. Среди целой плеяды картин природы хочется выделить полотно «Золотая осень».

«Воображаю, какая прелесть теперь у нас на Руси – реки разлились, оживает всё. Нет лучше страны, чем Россия… Только в России может быть настоящий пейзажист».

Художник запечатлел осень за работой. Она уже хозяйка и всё меняет на свой лад. В её руках палитра с оттенками охры, подаренная самим солнцем. Хрупкие берёзы примеряют наряды из золота, подчёркивающие белоствольную стройность. Вода в реке стала холодной и потемнела. На фоне янтарного убранства земли небо кажется более синим. В воздухе застыла торжественная тишина. Через несколько дней позолота спадёт, небо затянется свинцовыми тучами. А сегодня – прощальный бал. Картина пронизана радостью и надеждой на будущее.

В 38 лет Исаак Левитан возглавил мастерскую училища, в котором учился сам. И несмотря на тяжёлую болезнь сердца, продолжал много писать.

Художник завершил жизненный путь в 39 лет. Он многое не успел. Более 40 картин и около 300 этюдов остались незаконченными. Левитан оставил в наследие более 700 полотен.

Игорь упражнялся в рисовании натюрмортов, видов из окна, портретов педагогов и одноклассников. А в выходные бежал в Третьяковскую галерею и на выставки.

Игорь с отличием окончил лицей и, переехав в Питер, поступил сразу на два факультета университета – историко-филологический и физический. Молодой человек учился с удовольствием, подкрепляя полученные знания на практике.

В двадцать три года после успешного окончания университета Игорь Грабарь поступил в Академию художеств, в класс Ильи Репина. Всего через год молодой художник отправился в оплачиваемую академией творческую поездку по Европе. Он учился в Италии, Германии и Франции у знаменитых мастеров. В Мюнхене в студии Антона Ашбе возглавил одно из отделений школы, учил и учился архитектуре, живописи, скульптуре.

«Когда я взглянул на верхушки берёз снизу, с поверхности снега, я обомлел от открывшегося мне зрелища фантастической красоты. Какие-то перезвоны и перекликания всех цветов радуги, объединённые голубой эмалью неба».

«Сентябрьский снег», «Белая зима. Грачиные гнёзда», «Мартовский снег», «Берёзовая аллея» – в этих полотнах зашифровано нечто тайное. Игорь Эммануилович несказанно любил русскую зиму. Где ещё, в каком уголке земли, можно увидеть такие роскошные снега, высокие богатыри-ели, укутанные белоснежными покровами? Художник часто уходил гулять в зимний лес, наблюдал, как белый снег менял серебристый оттенок на лавандовый и светло-пурпурный в зависимости от времени суток и освещения.

В один прекрасный день во время прогулки он случайно зацепился тростью за корень дерева, и палка выпала из рук. Грабарь наклонился, поднял трость и взглянул на небо. Над ним в завораживающей красоте предстала берёза. Художник немедленно отправился домой и вернулся к облюбованному дереву с холстом, пристроился пониже, вырыл в снегу небольшое углубление и принялся писать. Через несколько часов эскиз будущей картины «Февральская лазурь» был готов. Игорь Эммануилович сосредоточил внимание на одной берёзе с необычного ракурса, снизу. Белый снег, белые ствол и ветви дерева, а над ними фантастическая лазурь глубокого неба. Ощущение сказки и дыхания самой зимы сходит на зрителя с полотна. Не напрасно автор считал эту картину самым важным своим произведением.

Игорь Эммануилович Грабарь неустанно учился всю свою жизнь. Он создавал архитектурные проекты, написал исследовательский многотомник «История русского искусства». В сорок два года он стал директором Третьяковской галереи. Составил первый научный каталог экспонатов. Провёл генеральную реконструкцию, основываясь на исторических и монографических принципах. Галерея превратилась из частного собрания в современный музей.

После революции 1917 года Игорь Эммануилович предпринял множество экспедиций по спасению икон и предметов искусства. Лично занимался восстановлением «Троицы» Андрея Рублёва. Стал инициатором создания Центральных реставрационных мастерских в Москве с научным подходом, привлечением микробиологов, химиков, физиков. До сих пор мастерские работают и спасают мировые шедевры.

Игорь Грабарь известен и как автор портретов знаменитых людей: Корнея Чуковского, Владимира Вернадского, Сергея Прокофьева. Игорь Эммануилович руководил институтом имени Василия Сурикова, музеем-усадьбой «Абрамцево».

Художник закончил свой жизненный путь в восемьдесят девять лет, оставив заметный след в искусстве России.

«Искусство, искусство и искусство. С детских лет и до сих пор оно для меня почти единственный источник радости и горя, восторгов и страданий, единственное подлинное содержание жизни».

Борису исполнилось восемнадцать, когда он окончил семинарию и поступил в Петербургское высшее художественное училище при Императорской Академии художеств. Судьба распорядилась так, что его учителем стал Илья Репин. Это его картина однажды запомнилась мальчику и утвердила в желании стать художником. Учился Кустодиев с удовольствием и прилежанием. Выпускной работой стала картина «На базаре».

Репин для заказанной масштабной работы «Торжественное заседание Государственного совета» пригласил в помощники своего лучшего ученика, Бориса Кустодиева, по эскизам которого создал 27 портретов и даже доверил под своим руководством написать треть всего полотна.

Борис Михайлович завершил обучение в академии с золотой медалью и уехал в пенсионерскую поездку с женой и новорождённой дочерью во Францию и Испанию. А когда вернулся в Россию, то в Кинешме своими руками построил мастерскую-дачу и назвал её «Теремом». Здесь и началось становление Бориса Михайловича Кустодиева как художника. В его стиле проявился сам дух родной Астрахани, наполненной ароматами и красками щедрой природы, изобилием овощей и фруктов летом и осенью, шумными ярмарками и народными гуляньями.

Кустодиев опробовал себя в роли карикатуриста, работая в журнале. Проиллюстрировал «Шинель» Гоголя. А в Мариинском театре стал помощником декоратора. В тридцать один год художник получил звание академика живописи. В этот период он написал серию «Ярмарки».

Жизнь мастера омрачила остро беспокоящая боль в руке. После операции недуг отступил, и художник вернулся к работе. «Купчихи», «Красавица», «Девушка на Волге» – Борис Михайлович ушёл от канонов и создавал собственный стиль, демонстрирующий Русь купеческую, яркую, праздничную.

Через пять лет, в 1916 году, болезнь вернулась. После второй операции живописец остался прикованным к инвалидному креслу, но не отчаялся, а с утроенной силой продолжил работать. Даже в дни, когда боль была невыносимой, он, оставаясь в постели, продолжал творить, вспоминая портрет Глинки из детства.

Вскоре была написана картина «Масленица», представленная на выставке общества «Мир искусства». Мастер изобразил проводы зимы в самых солнечных красках. Всюду ещё лежит снег, но воздух пахнет весной. Улыбающиеся женщины в нарядных платках, балаганы, карусели, тройки, гармонист, окружённый певуньями. Много света и движения. Необыкновенно точно передана атмосфера русского праздника и традиций. Позже были написаны несколько вариантов на масленичный сюжет, с таким же непреодолимым желанием передать зрителю настроение радости и счастья.

Кустодиев написал портреты знаменитых современников – Александра Анисимова, Фёдора Шаляпина. В 1920 году создал серию «Русь», в которой собрал образы простых людей: купцов и купчих, извозчика, булочника, торговки овощами, трактирщика, сундучника. Они такие разные, но совершенно близкие по духу – настоящие русские люди. Кустодиев проиллюстрировал сказки Пушкина. Болезнь прогрессировала, но он успел закончить «Русскую Венеру» – образ русской красавицы.

На долю Бориса Михайловича Кустодиева выпало много испытаний. Он ушёл из жизни, когда ему было всего сорок девять лет. Но художник воспел свою ненаглядную Россию всей силой жизни и любви.

«От тебя, дорогой зритель, требуется только посмотреть на всё это… и унести с собой весёлое и светлое настроение».